Дорогие друзья!

У нас для вас прекрасная новость – Уильям Шекспир возвращается на сцену Малого театра! 4 марта начались репетиции спектакля «Весьма остроумная и превесёлая комедия о виндзорских жёнушках». Постановку доверили режиссёру Александру Вельмакину, знакомому нашим зрителям по «Бесприданнице». Специально для Малого театра Сергей Плотов создал новую версию пьесы.

По традиции на первой читке творческую команду приветствовали директор театра Тамара Михайлова и главный режиссёр Алексей Дубровский. Тамара Анатольевна пожелала всем приятной работы и выразила уверенность, что спектакль ждёт успех. Алексей Владимирович с ней согласился и дал высокую оценку работе Сергея Плотова: «Сохранены все характеры, все шекспировские ходы, но при этом очень много юмора, который сегодня понятен».

Александр Вельмакин познакомился с труппой и сделал интересный экскурс в историю пьесы: Шекспир написал её специально для королевы Елизаветы I в кратчайшие сроки, по разным источникам на создание текста ушло от 10 до 14 дней. Действительно, Её Величеству настолько понравился образ Фальстафа в исторических хрониках («Генрих IV» в двух частях), что она пожелала увидеть его в новой пьесе влюблённым.

У пьесы и в России сложилась богатая сценическая история, и начиналась она в Малом театре: в 1830-х годах роль Фальстафа исполнял Михаил Щепкин, в последующих постановках – Иван Самарин, Александр Ленский...

Для работы над спектаклем собралась прекрасная творческая команда: художник Максим Обрезков, художник по свету Евгений Виноградов, художник по пластике Андрей Глущенко-Молчанов.

Роль сэра Джона Фальстафа исполнит народный артист России Александр Клюквин, в образах виндзорских жёнушек предстанут народные артистки России Светлана Аманова (миссис Марта Форд) и Людмила Титова (миссис Джейн Пейдж). В ролях: народный артист России Александр Ермаков (мистер Мэтью Форд), заслуженные артисты России Сергей Вещев (мистер Генри Пейдж), Сергей Тезов (сэр Роберт Шеллоу), артисты Алексей Анохин (Гарри Пул), Евгений Воронов (Ним), Мария Добржинская (миссис Мэгги Квикли), Пётр Жихарев (Бардольф), Алексей Коновалов (Жюль Каюс), Александр Наумов (сэр Хью Эванс), Дмитрий Сафонов (Чарли Слендер), Никита Шайдаров (Альберт Фентон), Варвара Шаталова (Анна Пейдж), студенты ВТУ (института) им. М.С. Щепкина Александр Годованец (Пистоль) и Анастасия Ермошина (Пеги).

Премьера запланирована на сентябрь.

Поздравляем творческую команду с началом работы над спектаклем!

[GALLERY:870]

Водевиль, по словарному определению, «лёгкая шутливая комедия, в которой диалоги чередуются с пением куплетов и танцами». Жанр, кажется, давно уже не отвечающий запросам театральной моды, отчасти заменившей его мюзиклом или перешедший в эстраду. Он, что называется, «вышел из употребления» то ли в силу того, что лёгкость, изящество в сочетании с некоторой долей назидательности уже не столь востребованы, то ли по той причине, что театрам хочется всё чаще и с напором соответствовать времени: выбирать острые жизненные ситуации, в которых далеко не всегда можно докопаться до смысла, зарытого в самой глубине под прикрытием не всегда вразумительными словоизъяснениями. А может быть, водевили перестали писать драматурги, потому что театры со временем разучились их ставить и играть?

Тем отраднее премьера известного водевиля «Лев Гурыч Синичкин, или Провинциальная дебютантка» Дмитрия Ленского на исторической сцене Малого театра, ставшая настоящим, а в какой-то степени и неожиданным подарком не только для верных поклонников старейшего театра, но и для тех, кто, возможно, больше понаслышке, нежели по собственному опыту, привык к мысли о традициях как о чём-то устаревшем, мало интересующим современного зрителя.

Но всё оказалось по-другому: не осовремененная, а весьма элегантно, со вкусом и ярким юмором выполненная сценическая версия Сергея Плотова, дополненная прекрасной музыкой Александра Чайковского; лёгкость, изящество, изысканная красота сценографии Максима Обрезкова, костюмов Ольги Поликарповой, световой партитуры Ивана Виноградова, хореографии Андрея Глущенко-Молчанова современно, с полной одновременно юмора, иронии и любви к театру режиссурой Алексея Дубровского, прекрасным ансамблем труппы Малого театра и студентов ВТУ имени М.С. Щепкина – словно иным светом высветили смысл этого забытого жанра. И не только смысл, но и необходимость его возрождения. Это точно отметил в одном из предпремьерных интервью Алексей Дубровский: «Вряд
ли можно сказать, что он уходил с русской сцены, если и уходил, то это большая ошибка, как раз водевиль является настоящим русским жанром, несмотря на
французские корни. В отличие от мюзикла, в водевиле большое значение имеют драматические сцены, в мюзикле они вторичны по отношению к музыкальной
составляющей, а в водевиле находятся в равном балансе».

Содержание «Льва Гурыча Синичкина» достаточно хорошо известно, чтобы пересказывать его, по многим спектаклям разных театров в разные времена, по экранизациям, поэтому куда более уместно говорить о счастливых обретениях зрителей Малого театра. Хочется назвать этот спектакль «многослойным» в изначальном значении слова, поскольку в нём сошлось многое: это и возобновление (пусть не в давнем виде, который сегодня невозможно представить) было традицией старого русского театра, когда в один вечер игрались драма или трагедия, а вслед за ней водевиль. Так, поставив «Маленькие трагедии» А.С. Пушкина, Алексей Дубровский обратился к «Льву Гурычу Синичкину». Знаменательно? – на мой взгляд, несомненно. Режиссёр таким образом, самобытно, оригинально, отметил двойной юбилей – 200-летие Малого театра именно на этой, исторической, сцене и 185-летие с той поры, когда один из ведущих артистов театра, Дмитрий
Ленский, переработал французский водевиль, завоевавший впоследствии многие подмостки нашей страны. Конечно, спектакли идут не в один вечер, но «трансформация» режиссёром давней традиции напрашивается…

Удивительным образом со сцены в зрительный зал переливается искренняя, благородная любовь режиссёра к этому великому Театру-Дому, которая не просто ощущается, но и наполняет каждого зрителя радостью соприкосновения с подлинным искусством. А это сегодня – едва ли не самое главное…

Зал реагирует на абсолютно естественно воспринимаемые цитаты с восторгом, аплодисментами, а иначе и быть не может. Сергей Плотов органично и остроумно вмонтировал в текст водевиля хрестоматийные фразы, не только знакомые едва ли не со школьных лет, но и связанные непосредственно с Малым театром, в котором шли или идут до сей поры спектакли по пьесам, откуда они заимствованы. Одна из первых в этом ряду – при упоминании, что Синичкин играл на сцене Харьковского театра, Виктор Низовой, блистательно исполняющий роль Льва Гурыча, закатив глаза, мечтательно произносит: «Как меня принимали в Харькове!..», ненавязчиво пародируя Аркадину из чеховской «Чайки». Смехом и аплодисментами отзываются зрители на другие известные цитаты из К.С. Станиславского, В.Г. Белинского, Д.И. Фонвизина, А.Н. Островского, но едва ли не самую бурную реакцию вызывают три: когда Лиза Синичкина (Екатерина Гревцева), уходя за кулису, с пафосом произносит: «Не доставайся же я никому!»; когда они с отцом, наступая в наигранном гневе на князя Ветринского (Андрей Чернышов), слаженным дуэтом декламируют один из заветов М.С. Щепкина: «Театр для актёра храм. Относись с уважением к этому храму и заставь уважать его других. Священнодействуй или убирайся вон»; а когда Синичкин делает вид, что душит звезду провинциальной сцены Сурмилову (Анастасия Дубровская), он, сжимая её горло, обыденно произносит: «Руки-то помнят…»

И, конечно, очень важно, что все участники спектакля великолепно поют, танцуют, двигаются по сцене, и речь каждого звучит отчётливо, не просто внятно (что давно уже стало редкостью!), а окрашено определёнными красками того или иного характера персонажей.

Екатерина Гревцева в своей первой главной роли проявила не только покоряющее обаяние, но и яркую индивидуальную окраску характера: перед нами отнюдь не робкая дочь провинциального, не совсем удачливого артиста, рвущаяся на сцену не столько по своей воле, сколько по желанию отца. Едва ли не впервые мне увиделась в ней девушка, одержимая подлинной страстью к подмосткам, к игре, готовая на любое коварство по отношению к сопернице, лишь бы добиться дебюта. И сыграно это убедительно и с долей яркого юмора.

Впервые увидев на театральной сцене хорошо знакомого и полюбившегося по кинематографу Андрея Чернышова в роли князя Ветринского, я меньше всего ожидала, сколько откроется нового в нём: артист не только отлично обыгрывает каждую ситуацию сюжета, но и прекрасно поёт, танцует. То же можно сказать и о Валерии Афанасьеве (граф Зефиров), сценический опыт которого известен по нескольким московским театрам и достаточно широко по кинематографу. Но, пожалуй, склонность этого артиста к юмору почти на грани весёлого хулиганства использовал в полной мере до этого спектакля только Валерий Белякович в Театре на Юго-Западе. Здесь же Алексей Дубровский поддержал эту черту Афанасьева, придумав ему слугу Вильяма (Александр Наумов), тоже, вероятно, втайне мечтающего о сцене и изображающего Гамлета. С оглушительным звуком шагов призрака он входит в покои графа, начинает говорить по-английски, приносит извинения, переходит на русский и в черепе бедного Йорика подаёт хозяину записку. Всего несколько появлений персонажа – а для зрителей характер графа дополняется знакомыми по классической литературе образами дворян-англоманов…

Спектакль начинается с хора о провинции – это очень показательно для нашего времени, считающего, что всё главное, в частности, в области искусства, происходит в Москве и Санкт-Петербурге, а для Малого театра понятия «провинция» никогда не существовало, отчасти ещё и потому, что для главного драматурга этого театра, Александра Николаевича Островского, очень важны были именно провинциальные артисты с их не всеми заметными достоинствами, всеми известными «пороками». Цена меценатам, покровителям, интриги, расчёты бенефисов, поездок на ярмарки и т.д. Хрупкое счастье, которое могло вдребезги разбиться в любой момент. И столичные театры не были свободны от всех этих моментов, но всё же в значительно меньшей степени: у них не было столь насущной необходимости кочевать «из Керчи в Вологду».

В «Льве Гурыче Синичкине» Алексей Дубровский не разделяет театры на столичные и провинциальные, разве что фразой о том, что лучше быть на выходах в столице, чем на главных ролях на «средних сценах». Но в этой фразе – не только понимание, но и досада по отношению к тем, кого по сей день влечёт в столицы. Юных и далеко уже не юных артистов, ищущих славы. А потому он воспринимает провинциальный театр с тонким пониманием и уважением к его творцам.

Вот перед нами звезда провинциального театра Раиса Сурмилова (Анастасия Дубровская). Как же хороша актриса и в любовании своими достоинствами, и в выстраивании интриг, и в едва скрываемой боязни соперничества с юной актрисой, и в тщательно продуманном поведении, и в исполнении пафосной арии о любви и коварстве! И как прекрасно придуман режиссёром осуществлённый заговор ради дебюта Лизы Синичкиной: качели уносят Раису Сурмилову высоко под колосники, а графа Ветринского опускают под сцену…

Буквально каждый из артистов блистает в своей роли. Кроме уже перечисленных, необходимо назвать выразительнейших каждый по-своему Александра Клюквина (директор театра Пустославский), Александра Вершинина (ведущий актёр Напойкин), Михаила Фоменко (режиссёр Налимов-Сомов), Михаила Мартьянова (нервный драматург Борзиков), Александра Никифорова (величественный, но готовый к интригам помощник режиссёра Трифон).

Удивительная чистота жанра с соблюдением амплуа, наполненная прекрасной музыкой, красотой сценографии и костюмов, изобретательностью создателей этой радости для артистов и зрителей без всяких модных ныне дополнений и прикрас – всё сошлось воедино долго еще живёт в памяти после спектакля, возвращая к нему мыслями и чувствами.

Старинный русский водевиль словно родился заново, привлекая поколения молодых зрителей и – хочется верить! – зарождая в них
любовь к настоящему, чистому и светлому искусству, на протяжении нескольких веков привлекавшего зрителей. Малый театр возвращает это искусство…

Наталья Старосельская, «Страстной бульвар,10», №5-275/2025

https://strast10.stdrf.ru/chitaem/275

Лучше быть на выходах в Малом, чем на главных ролях в среднем!

Водевиль, как известно, жанр лёгкий — я бы даже сказала, наилегчайший. Берётся комедийная пьеса с весьма незамысловатым сюжетом, добавляется россыпь простеньких куплетов и танцевальных номеров — и вот уже готово увеселение для почтеннейшей публики. Казалось бы, водевили уже давно неактуальны — сей жанр развился во Франции в 18 веке, в России обрёл огромную популярность в веке 19-м… И во второй половине этого же века началось увядание водевиля — его заменила оперетта.

И сама оперетта уже сдала свои позиции мюзиклам, и вся театральная жизнь давно уже течёт по иным законам, нежели прежде, а Малый театр, невзирая ни на что, презентует зрителям самый настоящий водевиль под названием «Лев Гурыч Синичкин, или Провинциальная дебютантка».

Приурочена премьера к 200-летию исторического здания Малого театра (собственно, тому самому, в котором и идёт спектакль). И вполне закономерно: автор водевиля, Дмитрий Тимофеевич Ленский, был не только весьма плодовитым драматургом, но и актёром Малого театра (он даже стал первым в Москве исполнителем роли Хлестакова). Водевиль «Лев Гурыч Синичкин, или Провинциальная дебютантка» был написан в 1839 году и тогда же впервые поставлен — в Москве, в помещении Большого театра (причём, автор сыграл роль князя Ветринского).

Правда, если уж придерживаться истины во всём, нужно признать, что «Лев Гурыч», по факту, это перевод французского водевиля Le Père de la debutante («Отец дебютантки»). Обычное явление: своих сочинений не хватало, потому массово переводились иностранные. Только наши русские драматурги не могли довольствоваться функцией простых толмачей и добавляли пьесам наших, всем понятных, типично русских черт: изменялись имена персонажей, какие-то приметы быта, расхожие выражения… И в итоге водевиль «русифицировался» настолько сильно, что становился практически отдельным, самоценным произведением. Именно так случилось с переводом Д.Т, Ленского, который (совершенно по праву) считается авторской пьесой.

Оно и понятно: речь в водевиле шла о театре, об актёрских буднях и интригах внутри «творческого коммьюнити». Ленский, сам являясь артистом, был во всех этих темах, как рыба в воде. И вполне логично, что внутренняя кухня французского театра была заменена повествованием о театре русском — причём, пусть автор и завуалировал истину, сообщив, что всё, де, происходит в некоем провинциальном театре, но зрители 19 века понимали, что смотрят доброжелательную, но едкую пародию на театры столичные — санкт-петербургские и московские.

А для нас над сценической версией водевиля потрудился Сергей Плотов, и это, по факту, снова самостоятельное драматическое произведение, а не просто адаптация текста Ленского к современным условиям. Театральные реалии ещё раз трансформировались, став ближе к нынешним, диалоги пополнились огромным количеством цитат из классических и не очень произведений (что смотрится данью «оригиналу» Ленского, в пьесе которого уже присутствовало множество подобных цитат), были написаны новые песни (композитором стал народный артист РФ Александр Чайковский) — да и в целом драматургический материал приобрёл композицию, приятную и понятную зрителям 21 века, усовершенствовался и окреп, но смысловое зерно не утратил, а лёгкого приятного юмора значительно прибавил.
Сюжет спектакля покажется многим знакомым (нечто подобное было воплощено в самых различных произведениях множество раз — но Ленский и французские авторы «Отца дебютантки» стали первопроходцами): провинциальный актёр Лев Гурыч Синичкин (народный артист РФ Виктор Низовой) стремится устроить на подмостки свою дочь Лизу (Екатерина Гревцева). Этой идее противостоит бравый гусар князь Ветринский (Андрей Чернышов / Дмитрий Кривошеев), которому пришлась по душе Лиза, и он задумал увезти девушку в своё имение.

В местном театре репетируется спектакль «Алонсо и Хуанита». Премьера уже вечером, все билеты распроданы. И никто не собирается брать в труппу Лизу, которую любящий папа привёл на прослушивание. Но у Синичкина есть надёжный план!

Стараниями Льва Гурыча — и при помощи помощника режиссёра Трифона (Александр Никифоров) — прима труппы Раиса Минишна Сурмилова (Анастасия Дубровская) упархивает прочь, в объятия любви (как ей думается), и спектакль под угрозой… Но Лиза знает всю роль Сурмиловой, она может выйти на сцену и дебютировать! Осталось только убедить директора театра Константина Петровича Пустославского (народный артист России Александр Клюквин), режиссёра Владимира Ивановича Налимова-Сомова (Михаил Фоменко), драматурга Фёдора Михайловича Борзикова (Михаил Мартьянов) и мецената графа Зефирова (народный артист РФ Валерий Афанасьев) в таланте юной Синичкиной — ну, и попутно разобраться с интригами князя Ветринского и примы Сурмиловой, которые никак не хотят допустить «выскочку» до подмостков.

И вот, после целого каскада гэгов и абсолютно анекдотических ситуаций (и, надо признать, что, несмотря на всю простоту сюжета, каждый новый его поворот довольно-таки непредсказуем), наступает счастливый финал — ожидаемый, ибо жанр предполагает только хэппи-энд, но довольно внезапный с точки зрения авторских решений.

А главное — что, при всей иронии и массе шуточек в адрес храма Мельпомены, в каждой строке пьесы звучит практически гимн Театру, признание ему в любви. И, когда на поклоны выйдут не только работники «цехов» (костюмер, гримёр, бутафор, осветитель, кассир, извозчик) согласно доверенным им ролям, но и самые настоящие служащие театрального закулисья, захочется встать и аплодировать им стоя. И я признаюсь, что многие зрители не сдерживали данного порыва.

Режиссёр-постановщик, заслуженный артист РФ Алексей Дубровский, сохранил в спектакле легчайший, хулиганский, праздничный характер пьесы, создав вместе с артистами целое созвездие великолепных персонажей (что интересно — для водевиля весьма многомерных, ибо Сурмилова тут — отнюдь не бесталанная стерва, хоть и обладает сложным характером, а Лиза — ну точно не стопроцентно положительная героиня, а хитренькая бестия). Как всегда, великолепна сценография заслуженного художника РФ Максима Обрезкова, прекрасны костюмы Ольги Поликарповой, традиционно на высоте световой дизайн Ивана Виноградова.

И, хоть мы говорим о театре драматическом, очень хороша танцевальная составляющая — причём, хореограф Андрей Глущенко-Молчанов отмечал, что пытался пощадить артистов и не слишком усложнять свою постановку, но молодёжь Малого, а также студенты ВТУ им. М. С. Щепкина, работающие в ансамбле спектакля, равно как и звёзды театра просили придумать нечто интересное и необычное, абсолютно не пугаясь никаких вызовов.

Что же касается пения, то здесь не всё так гладко. Впрочем, педагог по вокалу, народная артистка РФ Ирина Долженко, отлично потрудилась даже над теми, кто не поёт совершенно, и добилась от каждого вполне уверенного актёрского вокала, что главное для меня — чистого (непопадание в ноты я бы не пережила). Впрочем, большая часть песен доставит вам удовольствие безо всяких оговорок, и кое-какие мне даже показались неоправданно короткими — я бы послушала и посмотрела на эту феерию подольше.

Итак, к 200-летию здания Малого театра нам с вами, зрителям, подарили спектакль в жанре 200-летней выдержки. И тут тот случай, когда, как хорошее вино, с годами история стала только лучше и крепче. «Лев Гурыч Синичкин, или Провинциальная дебютантка» — это два с половиной часа чистого восторга, возможность отдохнуть душой, похихикать и, переживая за героев (ибо ну каждый же раз у них всё задуманное почти срывается!), добраться вмести с ними до финала и радостно аплодировать — так, что начинают болеть ладони.

Настоящая любовь не подразумевает слепого обожания: ты видишь все минусы объекта «поклонения», но от этого твои чувства могут быть даже сильнее. Так и с Театром: и герои премьеры Малого, и все реальные артисты и служащие цехов, и мы, простые зрители, не надевая никаких розовых очков, испытываем сильнейшую страсть к искусству Мельпомены. Почему? Приходите на водевиль Малого театра, и вы это, я уверена, поймёте!

Ирина Петровская-Мишина, Musecube, 20.01.2025

https://musecube.org/otchet/otchet-theatre/lev-gur...

Малый театр торжественно отметил 200-летие исторической сцены на Театральной площади – 30 ноября и 1 декабря 2024 года главный режиссёр одного из старейших театров России Алексей Дубровский представил премьеру спектакля «Лев Гурыч Синичкин, или Провинциальная дебютантка». Искромётный ироничный водевиль является трогательным гимном Театру и трепетным посвящением людям, беззаветно, а порой безрассудно и бескорыстно служащим искусству!

Режиссёр-постановщик спектакля Алексей Дубровский: «200 лет назад открылась историческая сцена Малого театра на Театральной площади. А 185 лет назад на сцене императорского театра состоялась премьера водевиля Дмитрия Тимофеевича Ленского "Лев Гурыч Синичкин, или Провинциальная дебютантка". Этому водевилю суждена была долгая и счастливая жизнь с большим количеством постановок на российской и советской сцене, включая две удачные экранизации. Выбор этого произведения к юбилейной дате неслучаен. Сам автор водевиля был артистом Малого театра и первым исполнителем гоголевского Хлестакова в "Ревизоре". Всё произведение Дмитрия Тимофеевича пронизано беззаветной любовью к Театру с большой буквы и наполнено искромётным юмором и знаниями закулисной жизни актёров».

Сценическую версию легендарного водевиля адаптировал для премьерного спектакля признанный мастер Сергей Плотов, которого, как и режиссёра Алексея Дубровского, и художника Максима Обрезкова, отличают яркая индивидуальность и безупречный вкус. Эти выдающиеся театральные деятели не ставят задачу эпатировать публику - в добром мудром спектакле тонко и точно сохранены авторские мысли и незыблемые вечные истины.

Блистательные актёры разных поколений создают на сцене яркие гротесково-гиперболизированные образы колоритных персонажей, каждый из которых – собирательный портрет разных личностей из творческого мира.

В центре действия – пожилой и не слишком удачливый трагик Лев Гурыч Синичкин (Виктор Низовой), который всю свою жизнь отдал своему призванию, театральному искусству. Лев Гурыч мечтает, что его дочка Лиза (Екатерина Гревцева) продолжит актёрскую династию и станет известной театральной примой! Заботливый, внимательный и бесконечно любящий свою дочь отец готов на всё, чтобы помочь Лизе реализоваться в творчестве. Но далеко не розами будет усыпан тернистый путь девушки на большую сцену: папе и дочери придётся пройти множество испытаний и преодолеть миллион преград, проявить находчивость, сообразительность и испробовать множество комбинаций в достижении желаемого.

Виктору Низовому как всегда адресуем самые восторженные эпитеты! Персонально отметим молодую актрису Екатерину Гревцеву, которая воплощает находчивую смелую девушку очень органично и ничуть не теряется на фоне признанных мэтров и мастеров сцены!

Задор и кураж благих целей и благородных намерений Льва Гурыча и Лизы саркастично противопоставляется эгоцентричным интересам и примитивным желаниям других героев, у каждого из которых очень «говорящая фамилия».

Капризная и эгоистичная прима провинциального театра Раиса Сурмилова (Анастасия Дубровская) – своенравная дама, которую мало волнуют не только морально-нравственные принципы, но и собственная репутация: она «Звезда», а значит, ей дозволено чуть больше остальных.

Её возлюбленный - отставной гусар и богатый помещик Князь Ветринский (Андрей Чернышов, в другом составе – Дмитрий Кривошеев), полностью оправдывающий свою фамилию: повеса и ловелас, который не может пропустить ни одной привлекательной барышни.

Могущественный и дипломатичный Директор театра Константин Пустославский (Александр Клюквин) – один из главных «кукловодов», который имеет решающее слово в принятии очень многих решений.

Режиссёр Налимов-Сомов (Михаил Фоменко) – типичный представитель талантливого творца, склонного к рефлексии.

Драматург Борзиков (Михаил Мартьянов) - апогей тщеславия и самолюбия, мечтающий о славе и всех связанных с ней прелестях.

Провинциальный актёр Аполлон Напойкин (Александр Вершинин) – не лишенный обаяния и очарования, но склонный к некоторым слабостям мужчина, страдающий когнитивным диссонансом «желаемого» и «действительного».

Хитрый похотливый меценат Граф Зефиров (Валерий Афанасьев), имеющий особые слабости к молодым актрисам, омерзителен и невероятно убедителен в своей достоверности.

Каждый персонаж вносит важную лепту в стремительное развитие непредсказуемых событий, которые и снова и снова подтверждают, что «искусство – это начало Вселенского хаоса». Художник Максим Обрезков в тандеме с виртуозным художником по свету Иваном Виноградовым создали на сцене невероятные по красоте и размаху визуальные миры, соединив эпохи и стерев границы и условности.

Эффектные элегантные костюмы (Ольга Поликарпова и Любовь Скорнецкая) изобилуют восхитительными деталями и аксессуарами. Вечные театральные темы искусно и изящно интегрированы как в захватывающую драматургию увлекательного действия, так и в зажигательные музыкально-танцевальные номера, которые согласно закону жанра сотканы из разных стилей и настроений, в синтезе контрастов и парадоксов и в синергии смыслов и чувств!

Вокальной и хореографической формой блистательных актёров Малого театра восхитятся даже мэтры мюзиклов и оперетты. Хореограф – Андрей Глущенко-Молчанов, концертмейстер – Инна Левченко.

Мелодии Александра Чайковского и метафоричные стихи Сергея Плотова запоминаются с первого мгновения: «Провинция, провинция», «Премьера – это нервы», «Мельпомена, нас не покинь сейчас» и многие другие композиции легко могут стать шлягерами, если их выпустить на музыкальных площадках. Сцена, в которой актёры поют об ожидании заветной роли, у многих творческих людей пробьёт сентиментальную слезу и напомнит «о наболевшем».

Кулуарные интриги, непредсказуемые курьёзы, форс-мажоры и все другие детали театрального закулисья показаны в спектакле во всём многообразии своей палитры, при этом история понятна и близка как профессионалам сценического цеха, так и тем, кто от него далёк.

Зенит славы непредсказуем и быстротечен, места на Олимпе всегда не хватает, да и богиня Фортуна, как и Музы трагедии и комедии, Мельпомена и Талия, как известно, леди капризные и своенравные. Не зря мудрый афоризм гласит, что «талантам надо помогать – бездарности пробьются сами».

Отношения отца и дочери, которые пронзают весь спектакль трогательной нежностью и любовью, создают особый трепет и напоминают родителям о том, как надо любить своих детей и как необходимо в них верить - это то, что окрыляет, вдохновляет и мотивирует достигать невозможного!

В кульминационном исповедальном монологе Синичкина об актёрской профессии, о верности и преданности своему призванию, о бесконечной и безграничной любви к Театру аккумулируется основная мысль этого многогранного спектакля!

У любой медали есть обратная сторона, как у театра кулисы. За невероятным праздником, который дарят артисты зрителям, стоит долгий, невероятно трудоёмкий, а порой мучительный творческий процесс, в котором важен не только талант. Сегодня ты в фаворе удачи, а завтра о тебе забыли, и нужно быть очень сильным, чтобы не утонуть в пучине страстей, соблазнов и пороков, а найти в себе силы вернуться как в жизнь, так и в профессию.

Только артисты, постановщики и отчасти их близкие знают, какой титанический труд и терпение являются фундаментом того, чтобы не предать дело своей жизни, а на протяжении долгих лет дарить людям праздник, феерию впечатлений и мудрых истин.

Великолепный водевиль «Лев Гурыч Синичкин, или Провинциальная дебютантка» - это признание в любви к его Величеству Театру! Благодарим всем причастных за калейдоскоп положительных эмоций в самой широкой амплитуде!
Ближайшие спектакли по настоящему эпохальной премьеры на Исторической сцене одного из старейших драматических театров России: 19 января, 1 и 14 февраля, 1 и 16 марта.

Да здравствует Театр!

Юлия Бурулева, интернет-издание «WORLD PODIUM», 23.12.2024

Фото: Ирина Абдулаева

https://worldpodium.ru/news/premera-eto-radost-isk...

Дорогие друзья!

В новом театральном сезоне Малый театр продолжает встречи в рамках творческой программы для молодого поколения – «Диалог времён».

23 октября после просмотра спектакля «Физики» приглашаем зрителей спектакля, молодых людей до 30 лет (в том числе студентов и школьников с родителями), на встречу с артистами и режиссером для обсуждения спектакля.
Во встрече примут участие: главный режиссёр Малого театра, заслуженный артист России Алексей Дубровский, народные артисты России Александр
Клюквин и Владимир Дубровский, артист Никита Панфилов.

Мы ждем зарегистрировавшихся зрителей после просмотра спектакля на Малой сцене Сцены на Ордынке в 21:45.

Зарегистрироваться на мероприятие

— Александр, вы великолепно владеете голосом, вы диктор, записываете аудиокниги, озвучиваете огромное количество зарубежных фильмов. Признайтесь, по телефону любите разыгрывать друзей, коллег?

— Нет, я этой ерундой не занимаюсь.

— Может, такое бывало в юности, когда выступали в школьном КВН?

— Нет, даже тогда. Да и нельзя меня считать прямо таким уж кавээнщиком. Ну, сыграл пару раз в спектаклях, затем прочитал со сцены рассказ Михаила Зощенко «Баня». Но все это было так давно и, откровенно говоря, невнятно, что говорить тут особо не о чем.

— Знаменитому Альфу вы подарили свой голос. А что этот инопланетянин дал вам за время работы?

— Что такое Альф для меня? Ну, для начала напомню, что я записал всего «Альфа», какой только есть. Это и сериал «Альф», там больше ста серий, по-моему, и мультсериал про Альфа о его жизни на планете Мелмак, его планете, и еще полнометражный фильм «Проект: Альф».

Для меня Альф, таким образом, — огромная часть моей жизни. Скажу больше, Альф — это одно из самого лучшего, что было в моей профессиональной деятельности. Это то, с чем я никогда не расстанусь, это та работа, которой я, безусловно, горжусь. Один мой друг, товарищ по озвучанию, как-то сказал: «Саня, единственное, за что ты не попадешь в ад, это, конечно, «Альф». Ну, надеюсь. (Улыбается.)

Знаете, честно говоря, я бы рекомендовал «Альфа» к семейному просмотру. Несмотря на то, что это старый американский сериал 80-х годов, если не ошибаюсь. Но не всем. Этот сериал, этого героя, этот фильм, вообще это явление могут понять только люди, обладающие чувством юмора, бесконечной добротой, умеющие любить и понимающие, что такое нежность.

Альф и есть квинтэссенция любви, семейных ценностей, доброты, нежности и безбрежного юмора. Он, конечно, хулиган, но очень добрый хулиган и веселый персонаж. Если как следует погрузиться в этот сериал, понимаешь, что Альф, по сути, целая философия. Это не просто развлекательное кино, это философия именно того, на чем, собственно, основывается и моя жизнь, на чем должна, как мне кажется, основываться жизнь любого человека: любовь, доброта, нежность, юмор. Человек, обладающий этими качествами, защищен со всех сторон, он неубиваем. Он радостен, хорошо себя ощущает, несмотря на качество его жизни.

Философ Альф хранит семью, он дорожит всеми ее членами, он их любит, над ними подтрунивает, он им помогает, он им мешает, но они становятся лучше при нем, семья крепнет. При этом он помогает и другим людям, не только своей семье. Желаю всем понять Альфа. Потому что, когда вы посмотрите этот сериал, вы почувствуете, что и ваша семья, и вы сами стали лучше, и жизнь ваша станет ярче, и вы на многое посмотрите с другой точки зрения и увидите, что не все так плохо. Ведь Альф — это гимн жизни.

— Понятно. В кино вашим голосом говорят многие, совершенно разные актеры: это и Жерар Депардье, и Аль Пачино, и Роберт Де Ниро, и Бернар Фарси, и Алек Болдуин... Кто-то из них вам близок?

— В каком смысле?

— Как актер или, быть может, как человек?

— Хорошие актеры мне все близки, а лично я не знаком ни с одним из них. Так что не могу сказать, что знаю их. Я с ними работаю, они мои партнеры. Я вижу, что тот или иной актер делает в кадре, и пытаюсь его разгадать. Не всегда это получается сразу, но разгадываю обязательно.

— Разгадать — как, что это значит?

— Разобраться, почему он играет свою роль именно так, а не иначе. Если актер хороший, он мне всегда понятен, потому что я такой же профессионал, как и он.
Кстати, озвучка есть разная. Одно дело липсинг — когда надо просто читать русский текст, скажем так, поверх английского или французского, чтобы он синхронно совпадал с артикуляцией актеров. Высший пилотаж здесь, когда ты как бы перестаешь слышать меня, а слышишь прежде всего актера на экране и понимаешь, что он говорит! К этому необходимо стремиться, я к этому стремлюсь, и у меня это получается.

А есть еще дубляж, что уже совсем другое. Это более глубокая озвучка, где мне требуется фактически работать вместе с тем, кого я озвучиваю, пытаться войти в его роль, при этом не мешая ему.

Последнее чрезвычайно важно. Потому что многие актеры, кто занимается у нас дубляжом, особенно среди молодых, пытаются исправить «своего» актера, доиграть, переделать его под себя. И тогда получается полная ерунда, делать этого нельзя. Тот актер уже сыграл свою роль, он уже за это получил деньги, с ним работал режиссер, он уже навечно на этой пленке или на этой цифре, и изменить его уже невозможно. Поэтому когда ты начинаешь его исправлять, возникает диссонанс. Многие этого не понимают.

— Липсинг, дубляж — как все, оказывается, интересно в этой озвучке!

— Да, но я все реже ею занимаюсь. Она отнимает слишком много времени, денег за эту работу платят мало, а мое время очень дорого стоит.
Дело в том, что на данный момент я в своем Малом театре играю примерно по 15—16 спектаклей в месяц. Плюс к этому два-три антрепризных спектакля. Плюс записи аудиокниг: сейчас, например, читаю Агату Кристи, потом возьмусь за Александра Куприна, Михаила Зощенко, затем пойдет современная российская проза, в очереди у меня стоят десятки разных авторов! А всего на сегодняшний день я записал около 600 книг.

— Работа над какой книгой запомнилась больше всего?

— Даже думать не надо — над «Гарри Поттером», это ведь семь томов, 150 действующих лиц, которые все абсолютно разные. Это и женщины, и мужчины, и гоблины, и великаны, и мальчишки, и девочки, и змеи, и шахматные фигуры — да кто угодно. Свой голосовой аппарат разработал так, что мало не покажется! Когда закончил работу, сказал: «Теперь я могу в театре, сидя на стуле, сыграть трагедию с убийством, не двигая ни рукой, ни ногой!» (Смеется.)

— Слышал, вы сами тоже пишете рассказы?

— Писал, но не рассказы, а пьесы-сказки для детей. Одна называется «Сказка о самой сильной силе», это оригинальный сюжет, я сам его придумал. Вторая сказка в стихах, называется «Марья Моревна», по мотивам русской народной сказки.

— Они изданы?

— Да, изданы, где-то зарегистрированы, где-то я один раз напечатал их, записал на диск давно, лет пятнадцать назад, они где-то в Интернете есть. Но я не администратор, я их продвигать не могу, не умею. Для этого надо чего-то делать, нужно время. Надо куда-то идти, кланяться, просить, а я терпеть не могу этого.

— Зачем вы так загружаете себя, ради чего вся эта работа на износ?

— Ради денег, ради славы, ради любви к профессии. Так работают все артисты — значение имеют только деньги, слава и любовь к профессии, все остальное — производные от этого. Если артист вам говорит, что выходит на сцену или на съемочную площадку исключительно ради зрителя, поверьте, он лжет, кокетничает.
Никто не работает ради зрителя. Я не работаю ради зрителя. Я не знаю, кто это. Каждый день ко мне в театр приходят новые и новые люди, и я понятия не имею, кто они такие.

Но это не значит, что зритель мне безразличен. Совсем наоборот. Более того, зритель для меня — партнер. Он для меня средство, инструмент. Когда я выхожу на сцену, мы с ним вместе работаем. Только я за это получаю деньги, а зритель их платит. Но, надеюсь, получает удовлетворение от того, как я работаю за его деньги. Потому что ради этого он пришел — увидеть, как я тружусь, на что я способен.

А все остальные — четвертая стена, когда актер говорит, мол, я не вижу зала, я весь погружен в действие, — это либо обратитесь к психиатру, либо возьмите себя в руки и совесть имейте, не врите. Все работают ради денег, ради славы, ради того, чтобы тебя узнавали на улице. Но это сначала, потом слава уже отходит на третий, четвертый план, это становится неважно, это даже уже утомляет. Вот, собственно, и все.

— Если я вас правильно понял, когда вам предлагают роль в кино или в антрепризном спектакле, вы тут же спрашиваете: «Сколько?»

— Нет.

— Не так грубо?

— Сначала спрошу: «Что?» То есть кого мне предстоит играть, с каким материалом работать. Если все это мне понравится, тогда уж, конечно, спрошу, сколько. И если ответ меня устроит, отвечу да.

— Торговаться относительно суммы гонорара будете? Или всем известно, сколько вы стоите?

— Нет, неизвестно. Всегда спрашивают, какая у меня ставка. Я нашел замечательную формулу: говорю, что я вне категории, у меня ставки нет, сделайте мне предложение, от которого я не смогу отказаться, все остальное в ваших руках, пожалуйста. Но торговаться, если что, я тоже умею. (Смеется.)

— Вас можно назвать самодостаточным человеком?

— Стопроцентно.

— Вы одинаково играете перед любой публикой, будь то спектакль в столице или, допустим, в каком-нибудь сельском театре?

— Нет, всякий раз все по-разному. Но дело тут не в масштабе площадки. Все мы, в конце концов, люди. Если у меня болит голова или плохое настроение, я злой, чем-то расстроен, это не может не влиять на мою игру.

Да, мой герой, конечно, живет в рамках спектакля, но на сцене я всегда разный, даже если играю роль в тысячный раз. Каждый раз все будет иначе, потому что каждый день ты другой. Скажу больше: если не так, если каждый раз ты играешь свою роль одинаково, смени профессию.

Смени профессию, потому что ты не артист, ты ремесленник. Значит, ты просто заучил свою роль, ты ходишь по сцене деревянный, как Буратино. Уйди отсюда. Ну или не уходи, играй маленькие роли, но тогда уж не обижайся, тебе большего ничего не будет.

— Если зал по какой-то причине вдруг полупустой — обидно?

— Слава богу, такого еще не бывало, хотя, конечно, это очень обидно. Но позволять себе на это обижаться или как-то спустя рукава играть в тот день не стоит, халтурить-то не надо.

Во-первых, самому будет стыдно. А во-вторых, товарищи твои могут сказать: «Сань, ты чего-то сегодня схалтурил». От чего будет еще более стыдно. Зачем такое допускать? Никогда такого делать не надо.

— Представьте, вы на сцене, что-то говорите страстно, и вдруг видите боковым зрением, что два-три зрителя встали и направились к выходу. Это на вас подействует, разозлит?

— Ну, вообще люди, понятно, по разным причинам могут встать и уйти со спектакля. Но я, естественно, понимаю ваш вопрос, что вы имеете в виду.
Так вот отвечу вам, что на меня такое поведение зрителя уже не действует. Раньше, быть может, и подействовало бы, когда был моложе, сейчас нет. Сейчас я таких зрителей пожалею — идите с миром, 798-то человек в зале остались, для которых я и буду смеяться, плакать, спорить, соглашаться...

— В такой момент у вас даже голос не дрогнет?

— Нет. Зачем? Знаете, есть такие зрители, которых в старину называли «калошниками», очень верное определение.

— Зрители-калошники?

— Да. Это те, которые, как только заканчивается спектакль, закрывается занавес, встают и бегут из зала, чтобы первыми успеть взять в гардеробе свои калоши. Они пришли только ради того, чтобы узнать, чем спектакль кончится.

Кончилось. Ну, все! У них нет благодарности, это не мои зрители. Они вообще не зрители, я их не считаю за публику.

Есть также зрители, которые начинают при малейшей задержке в одну-две минуты хлопать в зале, как будто они пришли на вокзал и ждут курьерского поезда, им надо ехать куда-то. Я этого не понимаю. Таких зрителей я тоже очень не люблю.

Бывает, молодежь хулиганит, но это не от большого ума, который, дай Бог, у них, возможно, со временем появится. Количество дураков-то не меняется, оно во все времена одинаковое в процентном отношении.

Есть зрители, которые не отключают мобильные телефоны, хотя об этом в зале всем специально объявляют перед началом театрального действия. Артистам это очень мешает.

Серго Кухианидзе, журнал «Коллекция Караван историй», 01.07.2024
Источник: https://7days.ru/caravan-collection/2024/7/aleksan...

Что самое главное в актерской профессии? Какими качествами должен обладать настоящий человек? Почему Александр Клюквин больше никуда не стремится? И от чего сильно устал?

На эти и другие вопросы в программе "Интервью" ответил народный артист РФ Александр Клюквин.

В Малом театре режиссер Андрей Житинкин поставил спектакль «Мой нежный зверь» по повести Антона Чехова «Драма на охоте». Любители классики будут в восторге — считает Филипп Геллер.

Увидев название, любой советский человек, конечно же, вспомнит фильм Эмиля Лотяну «Мой ласковый и нежный зверь» — очень красивую, сентиментально-приторную экранизацию, но от чеховской истории оставившую совсем немного. Картину в ней «делают» великолепные пейзажи российской природы, бесподобная операторская работа — актеры (даже Олег Янковский) выглядят скорее эстетическим фоном, нежели какой-то полноценной субстанцией. Можно вспомнить и актрису Галину Беляеву (Ольга), которая по своему типажу больше напоминает тургеневскую девушку, но совсем не «белокурую, голубоглазую девушку», как охарактеризовал ее сам Чехов. Вальс Евгения Доги — вот чем привлекает к себе этот фильм до сих пор, мелодия которого стала настоящим народным достоянием.

Есть и другая экранизация — черно-белая версия 1970 года (режиссер — Борис Ниренбург) с Юрием Яковлевым, Александром Кайдановским и Владимиром Самойловым в главных ролях. Она гораздо ближе к первоисточнику: на самом деле никакая не сентиментально-лирическая история обретает свойственные ей беспросветность и углубленность.

Нынешняя интерпретация Малого, к счастью, соответствует чеховской повести— даже несмотря на то, что исключены некоторые эпизоды. Зато возвращены такие герои, как Надя (она отсутствовала в обеих экранизациях), появляется и безумный отец Ольги Скворцовой. Житинкин ничего не придумывает от себя — а просто внятно и интересно рассказывает историю с элементами детектива о том, как трудно удержать нравственность в мире, где правят злоба и разврат. Параллели с реальностью напрашиваются сами собой — Чехов, как и всякий великий писатель, в воду глядел. В спектакле, как и пьесе, пожалуй лишь только два положительных персонажа — страдающая от жестокости окружающего мира, несостоявшаяся невеста Камышева Надя (эту роль тонкими мазками исполнила Варвара Андреева), всегда готовый прийти на помощь доктор (Александр Волков сумел убавить обычно пышущий жаром темперамент и полностью растворился в своем герое).

Тот же Урбенин, стремившийся найти счастье в браке с Ольгой, которая младше его на 30 лет — персонаж неоднозначный. Чувствуя свое одиночество, он выпивает — женитьба на девушке, как он думает, лишит его этой укоренившейся на протяжении года отрицательной традиции. Но ему, самому несчастному в этом произведении человеку, достается больше всего. Мало того, что Ольга, разумеется, его не любит, так она издевается над его детьми и наговаривает на него графу Карнееву, выдумывая, что тот как будто украл его гусей. Роковая случайность, когда Урбенин первым находит мертвую Ольгу в лесу, дает возможность следователю Камышеву, который сам жестоко ее прикончил, поставить все улики на Петра Егоровича — в итоге того заключают под суд, отправляют на каторгу, где он, спустя время, умирает.

Актер Александр Клюквин, привычный всем в комическом амплуа, потрясающе переключился на драму — его Урбенин невероятно трогателен. С первой минуты видно, что он действительно души не чает в Ольге, боготворит ее. И каким же камнем на душе для персонажа становится ее предательство. Самой трагической сценой спектакля, несомненно, стал эпизод допроса Камышевым Урбенина — когда последний признается, что ни в чем не виноват, но следователь сделает свое дело и подло сдаст Петра Егоровича под стражу. Здесь трудно сдержать слезы.

В роли Камышева — звезда сериалов, недавно вошедший в труппу Малого Андрей Чернышов. Его игра здесь отличается смелостью, экспрессивностью. Уже в самом начале, когда герой появляется в кабинете Редактора (здесь Житинкин позволил себе чуть отступить от Чехова — Камышев одет не в шикарную статусную одежду, а приходит в поношенном пальто, с мимикой нездорового, побитого жизнью человека) видно, что это незаурядная личность. Которая, однако, несмотря на свое блестящее образование, позволила себе опуститься до самого дна. Актер вместе с режиссером показывают персонажа абсолютно отвратительного — Камышев агрессивен, откровенно порочен и использует всех в собственных корыстных целях. Ни о какой настоящей любви с Ольгой тут нет и речи (в фильме Лотяну герои действительно любят друг друга) — здесь царит только греховная страсть. Раскаяния героя в финале не чувствуется (да и Чехов его не предполагал) — скорее, его озлобленность на жизнь и на самого себя.

Его друга, развратного гуляку, сластолюбца графа Карнеева темпераментно сыграл Александр Вершинин — несмотря на свою ярко отрицательную характеристику, актер сумел наполнить роль неимоверным обаянием, так что этому персонажу даже хочется простить его грехи.

Сложнейший образ в повести, да и наверно вообще в чеховской литературе — Оленька Скворцова. Девушка, на первый взгляд кажущаяся сущим ангелом, на самом деле очень меркантильна, расчетлива и зла на окружающий мир. Героиня мечтает выйти из бедности и разбогатеть, потому выходит замуж за Урбенина. Уже на свадьбе она понимает, что будет встречаться с Камышевым, потом она переходит в содержанки к Карнееву. Конец ее жизни, как мы знаем, печален — Олю своими руками убивает Камышев, не выдержав признания о том, что он для нее был всего лишь одним из объектов удовлетворения удовольствия.

В экранизации Ниренбурга Наталия Дрожжина сыграла свою героиню, пожалуй, слишком уж прямолинейно — откровенной стервой, жаждущей только богатства и денег, в ней не было хоть какой-то загадки. Галина Беляева в фильме Лотяну, наоборот, была слишком уж нежна и приторна, даже авторский текст не смог прибавить ей какой-то земной материальности.

А вот в постановке Житинкина все сложилось: героиня нашла идеальное воплощение благодаря талантливой Варваре Шаталовой. Кроме того, что актриса идеально соответствует внешнему описанию Чехова, также она смогла показать двойственность натуры Ольги — ее внешнюю привлекательность и внутреннюю пустоту, черствость души, глупость.

Роль слуги Камышева, Поликарпа в собственный бенефис превратил потрясающий Сергей Еремеев — столько доброго юмора, теплоты души простого русского человека он привнес в этого персонажа. Зал смеется, когда Поликарп сообщает, что читает «Графа Монте-Кристо» или же когда он отчитывает своего хозяина за то, что тот связался с пьяницей-графом.

Эти моменты добавляют спектаклю ощутимую легкость, которая, как всегда у Чехова, сочетается с драмой.

В спектакле заняты и такие легенды, как, например, 84-летний Владимир Сафронов — он играет роль безумного отца Ольги. Актер появляется на свадьбе Урбенина и дочери всего на одну минуту, но оставляет сильнейшее впечатление. Несчастный, жалкий вид старика, страдающего от навязчивой идеи о краже, вкупе с соответствующей мимикой производят неизгладимое впечатление.

Хороши острохарактерная Сози (Екатерина Базарова) и молодой одноглазый слуга Карнеева Кузьма (Владимир Алексеев).

Очаровательной цыганкой Тиной предстала в спектакле Аксиния Пустыльникова — она не только танцует, но и потрясающе исполняет романсы, таким образом, демонстрируя разноплановость мастерства актеров Малого. Такая работа дорогого стоит. Все выступления Тины сопровождает живой аккомпанемент — за него отвечают солисты оркестра театра, гитаристы Михаил и Александр Ивановы.

Вопреки заявлением режиссера спектакль оказался традиционно оформлен (художник — Андрей Шаров). Здесь три декорации — гостиная графа с изысканной мебелью, статуями и даже огромными опахалами, которыми его овевают слуги. В глубине — окно с выходом в осенний парк и лес. Тут видны наклонившиеся колонны (символ упадка, разложения), блестит озеро из больших голубых разбитых стекол… Этот пейзаж станет основой декорации для сцены привала (кстати, момент убийства, когда Ольга кричит из леса, Житинкин оставляет за кадром). Комната Камышева более лаконична, но здесь можно насладиться, например очаровательной ширмой в ориентальном стиле.

Не стали экономить на костюмах — особенно впечатляют наряды Ольги и Нади, выполненные в стиле модерн.

Филипп Геллер, "БезФальши", 27 апреля 2024 года

https://bezfalshi.ru/review/zhestokaya-chehovskaya...

Гость Юлиана Макарова в программе "Главная роль" – народный артист России Александр Клюквин. Малый театр представляет премьеру спектакля "Мой нежный зверь" А.П.Чехова. Эфир от 11 апреля 2024 года.

Это культовое для труппы произведение имеет здесь большую сценическую историю. Предыдущая версия, созданная в 80-х Евгением Весником и Юрием Мефодьевичем, находится в свободном доступe на YouTube. Невольно с ней сравниваешь современный спектакль и обнаруживаешь определенные различия между этими версиями. Например, сильно отличается подход к визуальной части.

В старой постановке (художник — Евгений Куманьков) делался акцент на бедность и неухоженность уездного города, колорит декораций отличался мрачностью и угрюмостью. В современном «Ревизоре» городок представлен во всей «красе» — с узорчатыми диванами, причудливыми креслами с золочеными лебедями. Художник-постановщик Александр Глазунов стремился подчеркнуть отсутствие вкуса у провинциалов, и у него это получилось — яркой иллюстрацией тому служат аляповатые до вычурности наряды дам.

Со временем изменилась и актерская подача. Например, при просмотре версии 1980-х создается ощущение, что она была поставлена на Виталия Соломина — остальные артисты на его фоне несколько меркли. А вот нынешний спектакль дает возможность показаться каждому артисту, при этом никто не тянет одеяло на себя.

Аристократичный и мягкотелый Ляпкин-Тяпкин в исполнении Александра Титоренко, уморительный Земляника, одна гримаса на лице которого заставляет смеяться вовсю — Александр Клюквин, и трогательный в своей неуклюжести Хлопов в интерпретации Алексея Коновалова стали живым олицетворением гоголевской сатиры. К ним добавим и дуэт вечно спорящих Бобчинского и Добчинского — в этих ролях ярко выступили Сергей Кагаков и Виктор Бунаков. Запомнился и предусмотрительный Шпекин Александра Ермакова. Благодаря им знаменитая сцена чиновничьих взяток превращается в своего рода дивертисмент, каждая часть которого изобилует различными актерскими вкусностями.

Отдельно держится Виктор Низовой (Городничий). Актёр не совсем традиционен в изображении этого образа — вместо грозного самодура перед нами предстает человечный и не такой уж смешной персонаж. Герой осознаёт свою ничтожность перед Судьбой, а его внешняя грубость не может скрыть от нас искренних переживаний и даже неожиданной ранимости Антона Антоновича.

Его семейство, кстати, также заслуживает особого внимания. Анна Антоновна, его жена, в исполнении Инны Ивановой, при всей своей недалекости оказывается горячо любящей матерью. И есть кого любить — 17-летнюю дочь, которая своим поведением больше похожа на маленького ребенка: всё-то она визжит и гримасничает. Бесподобная Ольга Жевакина в этой роли в очередной раз показала мастер-класс перевоплощения.

Настоящей звёздочкой «Ревизора» стал Никита Шайдаров (Хлестаков). Руководство проявило большую смелость, доверив эту роль молодому дарованию (Никита занят в ней с 30 декабря прошлого года). И они не прогадали — Шайдаров отлично справился с ролью и доказал, что за молодое поколение актеров не стоит беспокоиться. То, с каким куражом, непосредственностью и драйвом играл Хлестакова Никита, надо было видеть. Он порхал по сцене как бабочка, поминутно успевая выдумывать небылицы о себе и дурить окружающих. Перед азартом и обаянием такой молодости действительно трудно устоять — вот и жители города подпали под его чары. Ему удалось найти свою интонацию, свою личную интерпретацию персонажа — а это именно то, чем артисты Малого театра всегда славились. Герой Никиты вызывает живой отклик и у подростков, и у старшего поколения — в наше время это стоит дорогого. Долой шляпы, господа, перед нами новый Хлестаков!

Филипп Геллер, "Без фальши", 7 сентября 2023 года

https://bezfalshi.ru/?p=6847

1 августа исполняется 45 лет служения Малому театру народного артиста России Александра Владимировича Клюквина. Сердечно поздравляем Александра Владимировича с творческим юбилеем и желаем ему крепкого здоровья и новых творческих успехов!

На исторической сцене Малого театра режиссёр Андрей Житинкин поставил свой третий спектакль о войне, отчасти по пьесе Виктора Розова «Вечно живые», отчасти по его сценарию к фильму Михаила Калатозова с Татьяной Самойловой и Алексеем Баталовым в главных ролях. Весь мир удивился этой картине в 1958 году. На Каннском фестивале лента «Летят журавли» получила «Золотую пальмовую ветвь». История, в которой нет ни окопов, ни бомбёжек, ни батальных сцен. Рассказ о московской семье прозвучал так пронзительно, стал визитной карточной родившегося в 1956 году театра «Современник».

Трилогия Житинкина началась в 1995 году, когда он поставил в Театре им. Моссовета один из самых знаменитых спектаклей – «Мой Бедный Марат» по пьесе Алексея Арбузова с Александром Домогаровым, Андреем Ильиными и Ларисой Кузнецовой. Страшная и трогательная история о том, как в блокадном Ленинграде троим молодым людям любовь помогла выжить в то время, когда выжить было невозможно!

Спустя пятнадцать лет, уже в Малом театре, режиссёр выпускает парадоксальный спектакль «Большая тройка» по сочинению шведского драматурга Свенссона о лидерах трёх стран – Черчилле, Рузвельте и Сталине. После жизни ничего не значащих для всемирной истории девочки Лики, ребят Марата и Леонидика из «Бедного Марата» она могла бы показаться странной. Но это не так. История, представленная режиссёром на разных уровнях, – это сага о том, что стратегия победителей тоже предполагает большие жертвы.

Наконец, Житинкин ставит «Летят журавли» о самом начале величайшей трагедии – Великой Отечественной. Для него это глубоко личная история: два его деда не вернулись с поля боя. Один пропал без вести. Стоит ли говорить, что в каждом доме война разрушила мир людей, их надежды, их мечты, их простое человеческое право на счастье…

«Журавлики-кораблики / Летят под небесами, / И серые, и белые, / И с длинными носами!» Эти детские, наивные и переполненные любовью стихи Вероника написала для Бориса. Она нервно и ревниво ждёт его под раскаты весеннего грома, а он опаздывает. Наконец под брякающий звонок Борис вкатывает на велосипеде. Ему нужно сообщить ей новость. Он добровольцем отправляется на фронт…

В исполнении Андрея Чернышова Борис не романтический юноша, поддавшийся навязчивым агиткам, жаждущий славы или одержимый желанием что-то доказать кому-то или себе. Да и стихи Вероники показались ему немного смешными и нелепыми. Борис Чернышова – мужчина, прекрасно отдающий себе отчёт в том, какой поступок совершает. Он суров, скрытен и скуп в выражении своих чувств, но артист передаёт это хрупкое, но очень впечатляющее внутренне состояние своего героя, готового на никому не известный подвиг, ради тех, кого любит. Борис – человек чести, долг для него – превыше всего. И он уходит...

И внезапно, как удар, пойдут кадры военной кинохроники, запечатлевшие лица тех солдат, чьи имена уже никто и никогда не узнает…

Вероника в исполнении Варвары Шаталовой, напротив, молодая, импульсивная, восторженная. Она творческая натура. Она ещё только начинает жить. Несмотря на то что война уже идёт, она как бы не воспринимает её всерьёз. Ведь все рядом – Борис, его семья, друзья. Ей кажется, что мир будет таким всегда. Но это не так. И когда она теряет Бориса, она словно бы погружается во тьму, свет словно бы гаснет, мир рушится, она перестаёт существовать.

В спектакле нет ни одного эпизодического персонажа, как и нет ни одной эпизодической роли. Каждый герой – это отдельная судьба и тема. И все вместе они складываются в яркую мозаику поколений, на долю которых выпало испытание, цена которому – жизнь.

Сослуживец Бориса Анатолий Кузьмин буквально ворвётся в дом Бороздиных, узнав, что его коллега вместо него ушёл на фронт добровольцем. В ярком, эмоциональном и нервном исполнении Александра Волкова Кузьмин становится символом поколения, которое, выполнив свой долг в тылу, завершив дело друга, всё-таки уйдёт на фронт.

Дочь Ирина (Варвара Андреева) с неистовой страстью отдаётся работе. Она пошла по стопам отца, она хирург, и хороший. Вот только личная жизнь не удалась. И Бороздин с тоской смотрит в будущее: сын пропал без вести, дочка – старая дева. Внуков ему не увидеть… Придёт к нему в тяжёлый час Варвара Капитоновна, выпьет с ним рюмочку и пожалеет, как ребёнка.

Людмила Полякова словно Родина-мать, но без пафоса, без призывов, без ложного патриотизма. Она явно видела всё в своей жизни: и кровавую революцию, и Гражданскую войну, и лагеря, и всё то, что выпало на долю русской женщины. Но она не озлобилась, потому что вынесет всё, но в её безмолвии, её взгляде такая боль, что становится по-настоящему страшно. Она перекрестит своего внука, зарыдает, услышав марширующие колонны молодых ребят, уходящих на войну, сядет за большой опустевший семейный стол и, закрыв лицо руками, останется в звенящей тишине… И естественно, как сама жизнь, врываются в ткань спектакля стихи Арсения Тарковского: «Живите в доме – и не рухнет дом. / Я вызову любое из столетий, / Войду в него и дом построю в нём. / Вот почему со мною ваши дети / И жёны ваши за одним столом, – / А стол один и прадеду и внуку: / Грядущее свершается сейчас…» А есть другие, которым война не помеха, потому что они не живут, а существуют иначе. У них иные ценности и другие представления о том, как распорядиться своей судьбой. Они не плохие люди. Просто они хотят выжить любой ценой, и упрекать их в этом нельзя. Это Монастырская, её домработница Вава, администратор филармонии Чернов, двоюродный брат Бориса Марк, хлеборезка Нюра…

Светлана Аманова играет бывшую советскую светскую львицу. В эвакуации с тоской вспоминает своё ленинградское прошлое, где она устраивала приёмы со знаменитостями, колесила в авто по Васильевскому острову. И сейчас в убогой комнатушке Монастырской хочется того же. Она как слепая, которая пытается воссоздать то, чего уже никогда не будет, – вечеринку с хорошей едой, катание по ночному городу, честную домработницу по имени Вава. И ей всё это с трудом, но удаётся, правда ненадолго. Вава, она же девушка с мыловаренного завода, в пронзительно искреннем исполнении Марии Дунаевской не выдерживает. Она чувствует себя униженной и оскорблённой. Там, на заводе, она чувствовала себя человеком, приносящим пользу, её уважали и называли Варварой, а теперь она стала похожа на собаку, откликающуюся на придуманную Монастырской кличку. В доме у дамы собирается то ещё общество – это администратор Чернов, пианист Марк, юный голодный студент, Нюрка-хлеборезка. Чернов Владимира Носика суетлив и предприимчив, он знает, что, где и как достать, куда кого пристроить. Но при личной встрече с Бороздиным понимает, что врач не имеет никакого отношения к махинациям Марка, использующего его имя для своих целей, в нём просыпается задавленная совесть и чувство вины. Опустив голову, сгорбившись, пробормотав нелепые извинения, он выходит из дома Бороздиных…

Двоюродный брат Бориса талантливый пианист купил себе бронь. В исполнении Александра Вершинина Марк – само обаяние! Он весел, жизнерадостен. Неудивительно, что юная Вероника поддалась на его страсть к жизни и вышла за него замуж. Вот только ни у неё, ни у него нет чувства. Он слишком занят собой, выгодными выступлениями, посиделками у Монастырской. Но его тоже ждёт расплата. Он превращается в заштатного аккомпаниатора, окончательно запутавшегося во лжи, человека, который не может смотреть в глаза своим близким и покинет их дом.

И ещё один фактурный и точный персонаж. Это Нюрка-хлеборезка Екатерины Базаровой. Кажется, на первый взгляд, война ей нипочём. Она сладко спит и вкусно ест, да что там хлеб – паюсную икру, масло и ещё другие деликатесы. Она постоянно нетрезва. Крутится как может и уговаривает Монастырскую продать ей приглянувшееся дорогое колечко. Но вдруг, выпив очередную рюмку, Нюрка издаёт нечеловеческий вопль отчаяния, в котором и вина за то, что делает, и угрызения совести, которые тщательно скрывает.

Но на фоне драматических событий есть луч света. Преподавательница истории Ковалёва Людмилы Титовой поддерживает Веронику, она изо дня в день ходит читать лекции и считает, что так должно быть, хотя её измученная душа разрывается от боли за раненого сына, мальчика, чья судьба пока тоже неизвестна. Но вот Володя приходит, а её нет дома. Когда же она появляется, единственное, что может сделать, – упасть перед ним на колени, даже почти без слёз. На них у неё уже нет сил…

Володя рассказывает всем, как погиб Борис. И эта вдруг возникшая ясность сквозь удушливый туман неизвестности, несмотря на душевную боль, приносит всей семье Бороздиных облегчение. Они узнали, что их сын, внук, любимый, брат, товарищ, – простой герой, ценой своей жизни спасший мальчика, вернувшегося домой… Володе ещё суждено узнать и что такое любовь, и что такое мир, и что такое мирная жизнь!

А Вероника, разобравшись в себе, вскоре поедет куда-то под Смоленск, туда, где погиб Борис, её возлюбленный. Она его уже никогда не увидит. И она его никогда не забудет… А за окнами квартиры Бороздина в тёмном вечернем небе прогремит предвещающий скорую Победу салют.

Жанна Филатова, "Литературная газета", 7 июня 2023 года

https://lgz.ru/article/-22-6887-07-07-2023/a-prevr...

История военного закулисья, проникающая в самые дальние закоулки души, вызывающая трепет, слезы и вместе с тем улыбку. Режиссер Андрей Житинкин представил московскому зрителю любовный сюжет по мотивам пьесы Виктора Розова «Вечно живые», который скрывает за собой нечто более личное для каждого из нас.

Пьеса «Вечно живые», написанная в 1944 году, пролежала «в столе» почти 13 лет и увидела свет только в 1957 году. Почти сразу же она покорила сердца советского народа, благодаря экранизации Михаила Калатозова, появившейся уже под новым названием «Летят журавли». Режиссер-постановщик Андрей Житинкин показал на подмостках Малого театра свое эмоциональное видение сюжета о влюбленных Борисе Бороздине (Андрей Чернышов) и Веронике Богдановой (Варвара Шаталова).

Спектакль «Летят журавли» – это в первую очередь история не об ужасах войны, она – о любви. О великой любви к Родине, к семье, к человечеству. Тем не менее, она приоткрывает и завесу, за которой скрывается реальность того времени: красные знамена и яркие плакаты – лишь воодушевляющая внешняя оболочка, напрямую не связанная с общенациональной жертвенной борьбой людей против немецкого фашизма. Главная цель режиссера – показать иной бой, который вели сами с собой люди в период Великой Отечественной войны. На сцене вы не увидите кровавых сражений, не услышите звенящих пулеметных очередей. «Наш спектакль не об окопах, а о том, что ломает война в душах человеческих. И еще, конечно, это посвящение нашим близким. Это метафора памяти. Только любовь помогает выжить в условиях войны и не потерять себя», – говорит Андрей Житинкин.

Особенно интересен спектакль тем, что представляет собой буквально портретную галерею своего времени. Здесь мы видим лицемеров и плутов, приспособленцев и циников, искренне любящих и самоотверженных, героев и людей чести. Все они переживают одну трагедию, но каждый выбирает свой путь противостояния жестокой реальности. В связи с этим со сцены звучит вопрос: «В чем смысл жизни». Кто-то из зрителей пытается шепотом ответить, но задумывается и умолкает. Ответ не заставляет себя долго ждать: «В том, что останется после нас». Проблематика важности исторических событий, памяти о пережитой боли, откликается во всем: и в декорациях, и в костюмах, и в мультимедийной составляющей спектакля – белом полотне-экране, на котором время от времени проецируется видеоряд, созданный Денисом Бродским. Но обо всем по порядку.

В самом начале мы видим комнату Вероники, представляющую собой скромный интерьер на фоне бескрайнего голубого неба, отраженного при помощи проектора на заднике сцены. Далее белая мебель, шторы и скатерти в московской квартире Бороздиных, льняные бежевые пиджаки, брюки, белые платья. Все это словно олицетворяет собой то чистое и святое, что есть у человека в светлые минуты его жизни. И вновь позади небо с плывущими по нему пушистыми облаками. С приходом войны цветовая гамма сменяется на серые и темно-зеленые тона: небо темнеет, на актерах возникает болотная солдатская форма, гражданские надевают черные строгие костюмы, колющиеся свитера. Квартира в эвакуации являет собой унылый вид, вторящий внутренним изменениям в жизнях героев. Ей противостоят такие же тусклые, но все же более наполненные апартаменты, в которых проживает Антонина Монастырская (Светлана Аманова). Стол, накрытый к празднику ее ангела, ломится от разнообразных яств, на дамах шубы, элегантные платья и дорогие украшения, мужчины преподносят в подарок почти неприличное количество дефицитных конфет, красуются пальто с меховой отделкой и блестящими запонками. Спектакль о жизни, о людях говорит контрастами, изобличает реалии, словно сообщая: «Не все жили плохо, а некоторые даже роскошно» и вместе с тем «они делили узкую постель на двоих и выпивали чаще обычного».

Эти две стороны одной медали видны и в самих героях. Братья Борис и Марк (Александр Вершинин) Бороздины яркие антиподы, отражающие ценности молодых людей периода войны. Один отказывается от положенной ему «брони», чтобы ехать на фронт, бросает все, что он так усердно хранил и строил: семью, возлюбленную, успешную карьеру; другой же лебезит и гнется, лишь бы эту «броню» продлить. Именно Марк становится тем центральным антагонистом, отражением порока и бесчестия, отношение к которому изменяется вместе с ходом сюжета. Поразительно, что его можно как ненавидеть, так и понимать. Только одно неизменно – оправдания ему не найти.

Двойником же Бориса, пропавшего безвести на фронте, становится Владимир (Владимир Алексеев), сын соседки по эвакуационной квартире Бороздиных Анны Михайловны (Людмила Титова), который только прибыл с фронта. След Бори, на самом деле пожертвовавшего жизнью ради юноши, виден в деталях. Пиджак своего спасителя, отданный главой семьи Бороздиных Федором Ивановичем (Александр Клюквин), Володя не снимает до самого конца. В нем видится реинкарнация Бориса, и он даже занимает его место за семейным столом. Каждая подобная мелочь с легкостью выхватывается из общей картины и лишь добавляет особенности этой судьбоносной связи между молодыми людьми.

Вновь контрасты, пусть уже условные, видны и в актерском составе. Перед зрителем два поколения, но разницы в их отношении к теме спектакля нет. Великая Отечественная война – боль, затронувшая всех, прошедшая через время, потому глубоко личная. Восхитительные Александр Клюквин, Людмила Полякова, Владимир Носик, Светлана Аманова, Людмила Титова, стоя рядом со своими младшими коллегами, заряжали их энергией. В какой-то момент все они превратились в живое воплощение предков с их совершенно натуральными переживаниями за близких, уходящих на фронт, слезами горя о погибших и немой благодарности в знак уважения им.

Андрей Житинкин, как и задумывал, создал настоящий памятник прошлому, вплел эту метафору в структуру самого спектакля. Как соединить на сцене жизнь и смерть, отдать дань уважения и утолить любопытство зрителей? Тот самый экран-полотно, опускающийся на перестановках между действиями ни в коем случае не заслонка. Он – окно в прошлое, которое расширяет границы театральных подмостков. Фронтовые хроникальные кадры бьют как гром среди ясного неба сразу после светлой квартиры Бороздиных, предвещая начало войны. А вместе с ними начинает звучать то, что отчего-то в первую секунду удивляет. Стихотворение «Жизнь, жизнь» Арсения Тарковского воплощает задумку режиссера, говоря, что человек бессмертен, ведь «на свете смерти нет», он, оставив свой след, лишь растворяется во времени. Экран появляется и в самом конце, закрыв собой вышедших на поклон актеров. Зритель видит счастливые, но измученные лица солдат, вернувшихся домой, радостных встречающих и наконец-то звучит то, чего будто ждали все сидящие в зале. Песня «Журавли» в исполнении Марка Бернеса разливается теплом внутри, а на глазах выступают слезы. Все, аплодируя, встают и вновь, как и десятки раз до этого, поразившись мысли: а если солдаты, не вернувшиеся тогда, почти 80 лет назад, с фронта, и правда превратились в белых журавлей… и они все еще летят.

Арина Дунаева, Театрал-Онлайн, 12 мая 2023 года

https://teatral-online.ru/news/33416/

Премьера спектакля "Летят журавли" по пьесе Виктора Розова "Вечно живые" состоится в пятницу на Исторической сцене Малого театра.

В постановке заняты как дебютанты, молодые актеры, так и заслуженные и народные артисты России. В том числе играют Людмила Полякова (Варвара Капитоновна), Александр Клюквин (Бороздин), Людмила Титова (Ковалева), Светлана Аманова (Монастырская), Владимир Носик, Александр Вершинин, Варвара Андреева, Екатерина Базарова. В образе Бориса на сцену выйдет Андрей Чернышов, роль Вероники режиссер доверил Варваре Шаталовой.

"Мы работали дружно. Мне очень дорого, что ни один актер - ни народный, ни заслуженный - от самой крошечной роли (вы увидите, там очень много народных артистов в эпизодах) никто не отказался", - сказал режиссер.

Спектакль назван так же, как и фильм Михаила Калатозова - "Летят журавли". Как пояснил режиссер, лента является лауреатом "Золотой пальмовой ветви" Международного Каннского кинофестиваля 1958 года и именно под этим названием во всем мире знают пьесу Розова и историю семьи Бороздиных. "Это обжигающая правда, театр обжигающей правды. Он сегодня настолько актуален, что многие переспрашивают, не меняли ли [текст Розова]. Ни строчки не меняли!" - заверил Житинкин.

Актеры о ролях и отношении к пьесе

По словам Шаталовой, спектакль о вечной любви. "И хотя моя героиня Вероника теряет своего возлюбленного, свою любовь, но в финале она находит вечную любовь. Пьеса называется "Вечно живые" - это о тех, кто молчит, сказав свое слово. <…> Наш спектакль о связи времен, у нас, я считаю, прекраснейший финал, который очень трогает и попадет в каждого", - отметила актриса.

Она рассказала, что во время репетиций вспоминала бабушку, которая пережила блокаду Ленинграда, а потом ушла на фронт, и дедушку, сражавшегося на Курской дуге. "И я играю для них", - добавила Шаталова.

Чернышов отметил, что молодому поколению герои этой пьесы могут быть не знакомы. "Такой мощный материал, такой мощный автор! Это темы, которые актуальны всегда, не только в военное время: темы долга, чувства ответственности, трусости. Очень важно, мне кажется, о них сегодня говорить", - сказал актер журналистам.

Он признался, что понимает выбор своего героя, который отправился на войну, имея возможность получить бронь. "Мне это очень близко, понятно", - сказал Чернышов. По мнению актера, даже в мирное время надо найти в себе силы выбрать не личное счастье, а пользу для людей.

Клюквин, исполняющий роль Бороздина, отметил актуальность пьесы. "В этом материале прозвучал сегодняшний день", - сказал актер.

ТАСС, 12 мая 2023 года

https://tass.ru/kultura/17729055?utm_source=yxnews...

В Малом театре приглашают на премьеру «Летят журавли». Свое прочтение пьесы Виктора Розова «Вечно живые» предлагает режиссер Андрей Житинкин. В спектакле заняты Людмила Полякова, Александр Клюквин, Андрей Чернышев, Варвара Шаталова, Владимир Носик, Светлана Аманова и другие артисты прославленной труппы.

Виктор Розов, сам участник Великой Отечественной войны, написал свою пьесу в 1943 году. Драматург говорил о своем поколении, а такое чувство, что рассказал и про нас сегодняшних. Россия снова ведет боевые действия, и перед нами стоят те же вызовы, что стояли перед нашими дедами и прадедами. Когда смотришь спектакль, ловишь себя на мысли: какая перекличка времен, какое совпадение деталей. И с особым замиранием вслушиваешься в реплики героев: «И вообще мне опротивела эта война! Кричали – скоро кончится, месяца четыре, полгода! А ей конца-края нет», «Кстати, вы были на последней выставке в Третьяковке? – Серова? Да-да…», «Жить назло всем бомбам…».

Юная Вероника любит Бориса, а он добровольцем уходит на фронт и пропадает без вести. В хаосе войны девушка теряет родителей и кров, и в силу этих обстоятельств выходит замуж за Марка, двоюродного брата своего возлюбленного. Она оказывается в семье Бориса, где ее принимают как родную, несмотря на предательский поступок. А вот Марк для Вероники – абсолютно чужой человек, и девушка продолжает надеяться, что Борис вернется с фронта, простит ее и они снова будут вместе. Она как бы немножко не в себе и часто твердит детский стишок про журавликов, летящих по небесам. И еще прижимает к груди игрушечную Белку, подаренную ей Борисом. Он всегда называл ее Белкой, а она мечтала, что они проживут неразлучно до 100 лет. Вероника в исполнении Варвары Шаталовой настолько притягательная, что от нее невозможно оторвать глаз. В ней есть и ранимость, и своенравие, и пленительная женственность, которая завораживает окружающих.

Сценография спектакля, предложенная художником Андреем Шаровым, построена на контрастах белого и мрачно-серого. Белый подчеркивает радость мирной жизни, с чистым небом над головой. Мрачно-серый – цвет войны, эвакуации и темного начала в человеке, которое особенно сильно проявляется в периоды испытаний, смертельной опасности.

В спектакле сделан ощутимый акцент на том, какое разделение происходит между людьми. Одни чувствуют свою вовлеченность в события, идут на фронт добровольцами, либо самоотверженно трудятся в тылу. Другие адаптируются к экстремальным обстоятельствам, спрятавшись за чужие спины.

Эту неприглядную темную часть общества в постановке олицетворяют несколько героев. Прежде всего, пианист Марк: для него самым главным в жизни является музыка, и эгоизм творческого человека в нем перевешивает элементарную порядочность. Он за взятку приобретает себе бронь и делает все, чтобы отсидеться в тылу. Исполняющий эту роль Александр Вершинин не делает из Марка законченного подлеца: он скорее приспособленец, не лишенный артистического обаяния. Музыкальность в нем сочетается с прагматизмом и житейской практичностью.

И неслучайно, что его тянет к красавице Монастырской – этакой барыньке, светской львице, привыкшей жить на широкую ногу. Даже в эвакуации она умудряется устроиться с комфортом, окружить себя поклонниками. Светлана Аманова, играющая Монастырскую, создает образ властной красавицы, расчетливой и хитрой.

Под стать этой героине и самый отталкивающий персонаж пьесы – Чернов. Этот администратор филармонии способен и в военное время выстраивать мутные финансовые схемы: добывать дефицит, торговать бронью. Правда, в исполнении Владимир Носика этот герой получился по-своему обаятельным.

В спектакле не демонизируют отрицательных персонажей: они, скорее, обычные люди с внутренней червоточиной.

И положительные герои пьесы – не лишены своих слабостей. Бабушка Бориса (Людмила Полякова) собирая внука на фронт, как бы не верит в реальность происходящего. Она дает ему пуговицу от своего платья и крестит его на прощание. Но не находит каких-то единственных и очень нужных слов для такой минуты, находясь в страшном замешательстве.

Отец семейства хирург Бороздин в исполнении Александра Клюквина – широкая и щедрая натура, но в чем-то наивный человек. И потому племянник Марк с такой легкостью его обманывает: пользуясь его именем, добывает себе бронь, ворует у него лекарства. Герой Александра Клюквина уважаемый хирург, отец семейства, хлебосольный хозяин – тянет свой житейский воз, а напряжение снимает алкоголем. Прием горячительного он неизменно сопровождает присказкой: «У меня в шкафчике, на заветной полочке…».

Одной из актерских удач в спектакле можно назвать работу Варвары Андреевой. Она играет Ирину, сестру ушедшего на фронт Бориса. Как и ее отец, эта героиня связала свою жизнь с медициной. Любимому делу она отдается самозабвенно. Надо видеть, как Ирина радуется удачно проведенной сложнейшей полостной операции, как переживает за своего пациента, как торжествует: «Я сегодня совершила чудо! Воскрешение из мертвых». Варвара Андреева создает образ очень цельной и сильной натуры, и в тоже время в ней есть уязвленность из-за неустроенной личной жизни. Старая дева! Другая бы обозлилась, а в Ирине нет обиды на судьбу, а есть удивительное благородство, которое так свойственно всем членам семьи хирурга Бороздина.

И, прежде всего, Борису, главному герою пьесы, которого очень точно сыграл Андрей Чернышов. Он появляется как бы фрагментарно, но его уже невозможно забыть. Немногословный, надежный, решительный и мужественный. Он проводит свидание с Вероникой, прощается со своей семьей и отправляется на фронт. А потом словно незримо присутствует в жизни дорогих ему людей. Это чувство не исчезает, даже когда они, потрясенные, узнают о его смерти. И Вероника делится сокровенным: «Ночью, когда все спят, я разговариваю с ним, и он всегда дает мне ответы».

Андрей Житинкин создал пронзительный спектакль о том, что война забирает лучших. А еще он напомнил нам о невозможности примирения с утратой близкого человека и о надежде на посмертную встречу – для тех, кто любит. В спектакле используется фронтовая хроника и звучит песня «Журавли» в исполнении Марка Бернеса:

Мне кажется порою, что солдаты,

С кровавых не пришедшие полей,

Не в землю нашу полегли когда-то,

А превратились в белых журавлей.

Ближайшие спектакли «Летят журавли» 12 мая, 9 и 18 июня.

Татьяна Медведева, Реальная Россия, 9 мая 2023 года

https://rusnewsday.ru/index.php/kultura/item/12645...

Дорогие друзья!

Вчера, 15 февраля, после спектакля «Физики» состоялась очередная встреча-обсуждение в рамках проекта «Диалог времен».

Участниками стали народные артисты России Александр Клюквин и Владимир Дубровский, приглашенный артист Никита Панфилов, исполняющий роль Иоганна Мёбиуса, а также режиссер спектакля – заслуженный артист России Алексей Дубровский.

Среди гостей были студенты МГУТУ им. К.Г. Разумовского, РАНХиГС, МГУУ Правительства Москвы, МПГУ, Литературного института имени А. М. Горького, МГЛУ.

Режиссер Алексей Дубровский поделился примечательными подробностями о пьесе Фридриха Дюрренматта и о деталях работы с этим драматургическим материалом. Артисты ответили на вопросы студентов, рассказав о собственном понимании героев, которых они исполняли. Обсуждение затронуло такие вопросы, как жанровую особенность пьесы и также основные темы «Физиков». Зрители поделились своими впечатлениямио постановке и соображениями о замысле, выразили благодарность режиссеру и исполнителям за спектакль.

Фоторепортаж Евгения Люлюкина

[GALLERY:674]

Малый театр продолжает выпускать спектакли по пьесам Александра Островского – марафон юбилейный, ибо в следующем году русскому драматургу – 200 лет со дня рождения. На этот раз «Горячее сердце» в постановке Владимира Бейлиса.

К слову, и самой пьесе в 2023-м – 155 лет. Полтора века минуло, а жизнь всё та же во многом. Что колоритнейшие купцы Островского, что бизнесмены в малиновых пиджаках – костюм меняется, поведение и интересы во многом схожи (не без исключений, конечно).

Волжский Калинов, яблоневый сад, самодур-купец Павлин Павлиныч Курослепов (Михаил Фоменко), его неверная супруга Матрёна Харитоновна (Ольга Жевакина), падчерица Параша с горячим сердцем (Екатерина Казакова), которой счастья в жизни личной добиться сложно. Да и не того любит. Супруга деньги ради любовника у муженька втихаря таскает, Павлин Павлиныч расследование учиняет, но вор будет пойман (уж что-что, а Александр Островский на чистую воду всех выводить умеет).

Его пьесы – настоящее пиршество для актерской игры. «Горячее сердце» Владимира Бейлиса – великолепные актерские работы, особенно хороши Александр Клюквин (Серапион Мардарьич Градобоев, городничий), Тарас Тарасыч Хлынов (Виктор Низовой). Не отстает и молодежь: Максим Хрусталев (Вася Шустрый, сын недавно разорившегося купца), Сергей Потапов (Гаврило, приказчик по лавке).

Прямой и бескомпромиссной Параше, любящей Васю Шустрого в большей степени для себя (эгоизма у барышни хватает, впрочем, как и стойкости характера – житуха у неё в доме не сладка), приходится туго. И всё же она готова на жертву – хоть в солдатки идти за невинно осужденным возлюбленным. Беда в том, что Вася предпочёл быть шутом у богача Хлынова, чем идти в солдаты. Что так лямку тянуть, что унижения от хозяина терпеть – каждый решает за себя.

Парашу же «укротить» удается. Выходит она замуж за Гаврилу (тот любит её беззаветно), а что будет дальше – время покажет. Яркий спектакль, богатый на цвета и выдумку (отдельная благодарность художнику-постановщику Марии Рыбасовой и по костюмам – Любови Скорнецкой). Удовольствие обеспечено!

Марина Абрамова, Музыкальные сезоны, 19 декабря 2022 года

https://musicseasons.org/oxladit-goryachee-serdce/

Дорогие друзья!
14 января в эфире телеканала "Культура" прошла передача "Линия жизни" с участием народного артиста России Александра Клюквина. Вашему вниманию мы предлагаем запись этого выпуска.

Ведущие и старейшие коллективы России собрались на новом фестивале «Вперед к Островскому», чтобы показать, за что так любят драматурга по обе стороны рампы.

Для артистов одного из старейших коллективов России из Владикавказа эти гастроли в Петербурге особенные. На фестивале Островского можно отметить двойной юбилей — 150 лет русскому театру имени Вахтангова и столько же пьесе «Лес».

Эти персонажи давно стали нарицательными. На театральном фестивале — фигуры Белотеловой (Нонны Мордюковой) и Паратова (Никиты Михалкова). Герои, встречавшие гостей в фойе, потом оживают на сцене «Балтийского дома».

Малый театр привез свою визитную карточку «На всякого мудреца довольно простоты». В роли Клеопатры Львовны много лет блистает Ирина Муравьёва. Пьеса об авантюристе и его дневнике выстреливает на сцене лучше любого чеховского ружья. Сегодня это немножко и про соцсети, где всё напоказ.

Александр Клюквин, исполнитель роли Городулина, народный артист России, актер Малого театра: «Тогда это была трагедия для человека, для всех это фарс и возможность заработать деньги. И спектакль тоже об этом. Хотя мы об этом его не делали. И важно, что спектаклю почти 20 лет. Островский стреляет всегда. Островский всегда злободневен. И всегда попадает в точку».

На фестивале современно прогремела и «Гроза». Камерный воронежский театр место действия оставил прежним — городок Калинов, но действие перенес в 60-е годы прошлого века. Архетипы Островского заиграли без кринолинов. Для актера Малого театра Валерия Афанасьева такие переодевания непривычны.

Как отмечает корреспондент НТВ Павел Рыжков, споры об авангардности в постановках идут почти век. В начале 1920-х Луначарский даже произнес знаменитый лозунг «Назад к Островскому». Призывая не забывать о театре драматурга, реалистичном, социально-психологическом. Новый фестиваль «Вперед к Островскому!» точно так же убеждает сохранять традиции русского театра. Но кто сказал, что этот призыв должен изменить или отменить оригинальные режиссерские решения.

Народный артист России Александр Клюквин - подлинный мастер, чей творческий метод дарит нам озарение и мощнейший заряд вдохновения. Через потрясающую убедительность его игры нам открываются красота, непостижимость и сложность человеческого опыта. Приходите в Малый театр насладиться талантом, интуицией и импровизацией этого выдающегося актера. В новом сезоне Александр Клюквин играет в спектаклях: «Мнимый больной», «Ревизор», «Мертвые души», «Женитьба», «На всякого мудреца довольно простоты», «Визит старой дамы», «Физики», «Буратино», «Свадьба, свадьба, свадьба!», «Таинственный ящик».

- С чего начался ваш путь - с выбора призвания? С первой большой роли?

- С выбором профессии я определился еще в девятом классе, а до этого были метания - то ли стать поваром, то ли военным. Мне тогда казалось, что артист - это цветы и аплодисменты, я еще не представлял, насколько это сложное и не всегда денежное дело. Я стал более-менее зарабатывать после 35 лет, а до этого - голодная жизнь. Это все миф, что первая роль дарит уверенность в себе. Настоящий артист должен учиться всегда. Как только приходит ощущение, «я все могу», значит, ты начал деградировать. У меня до сих пор перед каждым спектаклем холодные руки. Нет, я не трясусь, но нервничаю, внутренний тремор все равно есть. Даже великая Елена Николаевна Гоголева никогда не была в себе уверена, и со мной, начинающим актером, советовалась: «Саша, скажите, пожалуйста, я вам не буду здесь мешать, если в этой сцене сыграю вот так?» «Постижение мастерства бесконечно», - говорил мой самый первый учитель Михаил Юрьевич Романенко. Именно он и сделал меня артистом. Он в своей однокомнатной квартире организовал частную школу-студию «Гармония», где я занимался до поступления в Щепкинское училище.

И затем те способности, что во мне открыл Михаил Юрьевич, уже развили педагоги училища и научили ими разнообразно пользоваться.

- Вы же учились на курсе у Михаила Царева?

- Михаил Иванович умел в 2-3 предложениях изложить то, что мы изучали месяц. Но основное учение началось в 1978-м, когда я пришел в Малый театр. Первую большую роль я получил в 28 лет в спектакле «Картина» по роману Гранина. Там играли Гоголева, Юрий Соломин, Кочетков, Бочкарев. Ставил Леонид Хейфец. Он хоть и хороший режиссер, но злой - актеров не любит.

После последнего прогона Хейфец обращается к Гоголевой: «Может, вы как-то повлияете на актера Клюквина, потому что я не знаю, что делать. До свидания». Ну как режиссер перед премьерой может сказать такое?! Меня это почти сломало. Я ночь не спал, решил, что надо прощаться с профессией, потому что ничего не могу. На следующий день ко мне подошел Юрий Соломин и говорит: «Да пошли ты его, ты ж знаешь, как играть надо. А если будет возникать, скажи, что я разрешил».

И меня его поддержка вдохновила. Он не позволил мне убить в себе веру, и за это я ему благодарен навсегда. Да за многое я ему благодарен. Большую роль в моей судьбе сыграл и Виталий Соломин, которого я тоже считаю своим учителем. Соломиным очень хорошо известно, что такое актерская судьба, поскольку они сами актеры. Я могу с уверенностью сказать, что они создали свою особую школу. Суть их метода в том, что режиссер сначала должен все роли спектакля внутри себя проиграть, прощупать каждый персонаж, а потом уже актерам показывать и объяснять. А если ты используешь артистов как оловянных солдатиков, как пластилин, то ты не режиссер, а постановщик, диспетчер, разводящий актеров по сцене.

- Комфортно ли вам в проекте израильского режиссера Илана Ронена «Визит старой дамы», который перпендикулярен классической школе Малого театра?

- Я в этот спектакль ввелся за полторы недели до премьеры, то есть мне пришлось войти в уже готовый рисунок. Это очень сложный спектакль, не имеющий никакого отношения к школе переживания. Это чистая школа представления. Ронен реализовал этот проект во многих странах по одному шаблону. Но благодаря нашим актерам спектакль сегодня сильно отличается от первоначальной версии, мы внесли в него жизнь. Школа Малого театра победила в конце концов. Наш театр - это другая планета, другая цивилизация, заповедник культуры, здесь не получится «насадить трафарет», который обкатали уже по всему миру.

- Если в «Визите старой дамы» речь идет о коллективном преступлении целого города, то спектакль «Физики» - о персональной ответственности ученых за их открытия. Кстати, премьера состоялась в 2020-м, когда впервые заговорили о рукотворном вирусе.

- Это совпадение. Малый театр не подвержен модным веяниям, у нас не ставят спектакли ради конъюнктуры. В пьесе Дюрренматта заложен глубокий философский смысл. Вопросы использования оружия возникли со времени изобретения лука и стрел. Когда-то говорили, что пулемет означает конец света, потому что страшнее ничего нет. Оказалось есть. Не дай бог ковид изобрели для уничтожения людей. Дюрренматт задает вопросы человечеству: кто мы в этой жизни? Какова наша миссия? Что делать, если ты можешь стать причиной гибели цивилизации? Сможешь ли ты себя «закапсулировать» в психбольнице, чтобы не принести вред людям? Мой персонаж Ньютон и его напарник Эйнштейн не создавали новый вид энергии, это заслуга Мебиуса. Они просто хорошие физики, вернее, функционеры от науки, приставленные шпионить за Мебиусом. Но через общение с гением они поднялись до его уровня и сказали - да, мы с тобой, мы добровольно отказываемся от исследований. Им казалось, что так они предотвратят хаос и смерть. Но они ошиблись, им не удалось остановить зло. Оказалось, что их жертва бессмысленна, так как жизнь на земле построена на лжи и воровстве.

- Почти все ваши персонажи заряжают нас долгоиграющими вопросами. Взять хотя бы Градобоева из «Горячего сердца» (спектакль готовится к постановке. — Ред.). Взяточник, казнокрад и хам. Но почему народ таким повинуется?

- Такова российская традиция - подчиняться. Всего-то 150 лет прошло, как отменили крепостное право. А по сути, рабство и не заканчивалось никогда, не считая короткого промежутка в 60-х годах XX века. После оттепели снова стали закручивать гайки, отнимая свободу. Вся советская власть - диктатура и рабство. И только сейчас забрезжила надежда на улучшение. Поскольку я сын военного, то для меня первый признак возрождения - это отношение к армии. Не хочешь кормить свою армию - будешь кормить чужую. Сейчас мы начали кормить свою армию.

- Когда дочка подрастет, вы ей расскажете про своего репрессированного деда?

- Конечно. Он был полковником НКВД. Это была очень высокая должность. За что его расстреляли, не знаю. Да я и не уверен, что надо копаться в его прошлом, искать документы в архивах. Сейчас он для меня дед, а если бы я узнал, что он сталинский палач, как бы я жил? Зачем мне такая правда? Это было давно, та жизнь закончилась... Никто никогда не сможет создать идеальное государство, идеального чиновника. Другое дело, что должна быть какая-то сила, которая сдерживает жадность так называемых слуг народа. Человек может оставаться в рамках, только если он хорошо воспитан, либо он боится. Это две равных силы - страх и культура. Два равных противовеса, которые держат цивилизацию.

- Семья ведь тоже держит цивилизацию. Почему ваш Манилов в «Мертвых душах» живет один, куда делись его жена и дети?

- Если вы внимательно прочтете роман, то вам станет ясно, что прежде всего он одинок. Ему не хватает дружбы. Он мечтает, чтобы с ним рядом был близкий по духу человек. И чтобы подчеркнуть это его одиночество, у нас в спектакле нет жены. Она не делает Манилова счастливым. Все эти сентиментальности, сюсюканья с ней - всего лишь зонтики, которыми он прикрывает свое одиночество. Он всем рассказывает, как у него все хорошо - жена, дети, усадьба. Вот только для полного счастья не хватает подземного хода, моста, и чтобы друг был рядом, с которым можно философствовать. И все - тут же дети и жена забыты. Он же не мечтает семьями дружить с Чичиковым, он ему говорит: ты да я да мы вдвоем. Так размышляет только человек одинокий.

- Мертва ли душа у Манилова?

- Нет, конечно. Она жива, она мечтает. Манилов добродушен, честен, бескорыстен. Он не требует от Чичикова денег и даже оформление купчей берет на себя. У Ноздрева душа фонтанирует.

Одинокая душа Собакевича плачет после смерти его любимой Агафьи. У Коробочки умер муж, и ей страшно, что никто не сможет ее защитить. И Плюшкин совершенно одинок. Там все безмерно одиноки. Мертва душа лишь у Чичикова. Его цель - только деньги. Сегодня много мертвых душ вокруг. Они для меня бесы. Это те, кто может украсть, обидеть ребенка, изнасиловать, кто врет, находясь при госдолжности.

- Интересно, постоянно врущий Иволгин, которого вы сыграете в премьере спектакля «Идиот», - бес?

- Он добрый и несчастный человек, задавленный женой и детьми. Иволгин сумасшедший алкоголик, у него шизофрения, он верит в свои фантазии, они для него отдушина, последнее прибежище, способ выживания. Он пытается выдумать свою прошлую жизнь, чтобы побыть хоть на минуту героем. Но своими байками он никого не разрушает. И даже то, что он совершает кражу четырехсот рублей у Лебедева, нельзя назвать абсолютным злом, ведь он это делает не для себя, а для капитанши. Этакое «доброзло». Он видит несправедливость и принимает простое решение, кому в данный момент деньги больше нужны. Такие решения и губят людей, но по-другому он не может. Он же болен, у него нет аналитического ума, он не думает о последствиях.

- Очень жаль, что вы ушли из «Трех сестер».

- Я для себя решил, что нельзя в 50 с лишним лет играть 30-летнего Андрея. Чехов - великий писатель рассказов. Но что касается пьес... Ну не живут так люди, так странно не разговаривают!

Я играл в «Вишневом саде», «Трех сестрах», все это не мое. Вот Островский - да, гениальный драматург, философ, тонко понимающий природу людей. Шекспир и рядом не стоял. Мне кажется, что лучше, чем у нас, нигде пьесы Островского не ставят. Когда я смотрю премьеры в других театрах, у меня редко возникает чувство зависти: как жаль, что я не с ними на сцене. В основном мысли такие: какое счастье, что я работаю в Малом. Только у нас можно посмотреть настоящий водевиль. Мы - последний театральный заповедник, сохраняющий этот жанр. Обязательно посмотрите «Таинственный ящик», который уже 20 лет идет у нас с аншлагами. И настоящего Мольера можно увидеть только на нашей сцене. В «Мнимом больном» мы с Бочкаревым хулиганим, шутим с публикой, импровизируем, изменяем на ходу текст. Василий Иванович спрашивает у зрителей: «Есть в зале врачи? Ну, давайте, выходите». Однажды вышел врач, мы его привели на сцену, поговорили о жизни - народу нравится. Или в конце первого акта я начинаю есть пирожное и предлагаю зрителям ложечки, чтобы они сами ягодки с пирожного себе выбрали. Мы с Василием Ивановичем любим забавляться. По ходу пьесы мы с ним ругаемся, потом как добрые братья садимся рядом, и он мне голову кладет на плечо. Пауза. И тут я говорю залу: «В этом месте обычно бывают аплодисменты». Зал радостно хлопает. Мы никогда не договариваемся ни о чем заранее. Я все время меняю текст, и Бочкарев не знает, что я скажу, но всегда придумывает красивый ответ. И в этой спонтанности огромная свобода. Зрители каждый раз видят новый спектакль. У нас самый крутой театр в мире. И если меня уволят из Малого, я ни в какой другой не пойду играть. Никогда. Ни за что.

- Расскажите про свой дуэт с дочкой в спектакле «Буратино».

- Тоша играет саму себя, смелую девочку из зала. В следующем году Тоша в этом же спектакле будет играть дополнительно еще одну роль - лягушонка, который отдает золотой ключик Буратино. Посмотрим, как у нее получится. У дочки вообще нет страха сцены. Что вы, она тут импровизировать начала! Мой Карабас-Барабас поет песню, проходит по залу, останавливается около Антонины - она с мамой рядом сидит - и спрашивает: «У тебя есть монета?» По тексту дочь должна ответить: «Есть, вот она». Я хватаю монету и ухожу на сцену со словами: «Вот как надо зарабатывать деньги!» Тоша бежит за мной, спорит, вырывает монетку, показывает мне язык, угрожает кулаком и возвращается на свое место. А недавно, как обычно, задаю вопрос: «Девочка, у тебя есть монета?» А она внезапно: «Нету!»

Я смотрю, у мамы глаза круглые. Мы не ожидали такой подставы. «Ты что, без билета пришла?» - начал я импровизировать. «Да», - уверенно отвечает Тоша. «Ага, значит, тебя надо вывести из зала?» - возмущаюсь я. И тут Тоша хохочет: «Я пошутила! Вот на, бери». Мы с женой ее потом похвалили. Импровизация говорит, что дочь свободный человек. Если еще что-то придумает, я буду рад. Я благодарен Тоше за то, что научила меня самому главному - любви к детям. До нее я любил их, но в разумных пределах. Тоша все изменила. Я жить без нее не могу, мне дышать без нее тяжело. Не задумываясь могу жизнь отдать. Главное, чтобы у нее все было хорошо. Если меня запрут дома с женой и дочкой на год, на пять лет и дадут средства содержать семью - это и будет настоящее счастье.

БЛИЦ

- Место силы на земле?

- Наш дом, где живет моя семья.

- Какую бы книгу вы взяли с собой на необитаемый остров?

- Роман «Мастер и Маргарита».

- Правда, что вы пишете стихи?

- Сочинил две пьесы в стихах. Одна - «Сказка о самой сильной силе», а вторая - «Марья Моревна», и не только их.

Мила Серова, "Театральная афиша столицы", октябрь 2021 года