23 ноября 2024 года на сцене Малого театра (Большая Ордынка, 69) состоится 300-е представление комедии «Свадьба, свадьба, свадьба!» по водевилям А.П. Чехова.

Это не единственный юбилей, который отмечает спектакль Виталия Иванова: 17 ноября исполнилось 20 лет со дня его премьеры. «Предложение» и «Медведь», составляющие основу постановки, имеют особое значение для нашего театра. Эти два водевиля – единственные произведения Антона Чехова, поставленные в Малом ещё при жизни автора. Знаменитые пьесы-шутки, посвящённые семейному счастью, пользуются сегодня такой же зрительской любовью, что и в былые времена.

За 20 лет своей творческой жизни «Свадьба, свадьба, свадьба!» побывала с гастролями в десятках городов, в числе которых Астрахань, Волгоград и Саратов, Казань, Брянск, Ярославль, Самара, Нижний Новгород, итальянский Милан.

Постановка Малого театра – желанный гость в чеховских местах нашей страны: Таганроге, Ялте, Мелихово. Залог успеха спектакля – великолепная литературная основа, остроумная режиссура Виталия Иванова, живописное оформление Александра Глазунова, нарядные костюмы Константина Шамрина, лёгкая, запоминающаяся музыка Александра Иванова и, конечно же, прекрасные актёрские работы.

Сердечно поздравляем весь коллектив спектакля «Свадьба, свадьба, свадьба!», и в особенности Глеба Подгородинского, который выйдет на сцену в 300-й раз!

Желаем постановке дальнейших творческих успехов!

29 сентября открылась «Выездная школа Малого театра», которую организовал Союз театральных деятелей Российской Федерации. Проект приурочен к 200-летию Исторической сцены Малого театра России.

Участниками Школы стали 36 молодых актёров со всей страны. В программе: мастер-классы по актерскому мастерству, занятия по сценической речи и сценическому движению от педагогов Щепкинского театрального училища, творческие встречи с прямыми продолжателями традиций Школы Малого театра, репетиции по пьесе А.Н. Островского «Гроза».

«Выездная школа Малого театра» открылась показом документально-игрового фильма, снятого к юбилею А.Н. Островского и к 200-летию Исторической сцены Малого театра России. Фильм представлял режиссёр Денис Бродский.

В день открытия состоялся мастер-класс народного артиста РФ, актёра Малого театра Глеба Подгородинского. Практическое занятие по сценическому движению провел педагог театрального училища им. Щепкина Александр Кульков. Во второй день молодые актеры приняли участие в творческой встрече с народным артистом России Александром Домогаровым.

Также уже начался разбор и репетиции пьесы А. Н. Островского «Гроза». Руководит репетициями режиссёр Малого театра Станислав Сошников.
Предлагаем вашему вниманию видеоролик о первых двух днях «Выездной школы Малого театра».

«Выездная школа Малого театра» продлится до 5 октября.

[GALLERY:814]

Видео: Иван Феоктистов
Фото: Александр Беланов
01.10.2024

С оригиналом статьи вы можете ознакомиться на сайте СТД РФ: https://stdrf.ru/novosti/otkrylas-vyezdnaya-shkola...

Стихотворение Александра Пушкина «Простишь ли мне ревнивые мечты…» читает Глеб Подгородинский, народный артист РФ, актер Государственного академического Малого театра. Проект "Страна поэтов" на ОТР.

«Тартюф» Мольера в Малом театре не появлялся аж с 1884 года. Вообще, спектакли по пьесам французского автора в этой труппе достаточно редки — в советское время, например, они практически тут не ставились. Лишь в XXI веке Мольер был возвращен сцене дома Островского. Сейчас в репертуаре театра 3 постановки по пьесам драматурга. И первая из них, на которой побывал Филипп Геллер — «Тартюф» в режиссуре Владимира Драгунова (2018).

Не будем говорить о том, что произведения автора вневременны и актуальны по сей день — пороки, которые в них высмеиваются, присутствуют в человеческом обществе испокон веков.

Лучше вспомним спектакль «Тартюф» Анатолия Эфроса во МХАТе (1981). Любой желающий может с ним ознакомиться на YouTube. Эта постановка действительно может рассматриваться как одна из лучших на русской сцене. Кроме того, что тут задействован блестящий актерский состав (хотя слишком бросается в глаза несоответствие возраста артистов героям пьесы), режиссер выстроил, порой, слишком неожиданные акценты. Например, главным героем произведения у него становится Оргон (Александр Калягин), а не Тартюф (Станислав Любшин) — именно психологию поведения первого Эфрос разбирает по косточкам. Значительные изменения претерпевает образ праведника Клеанта (Сергей Десницкий) — его нравоучительные речи проводятся в темпе presto, он словно взрывается от своего желания ораторствовать и поучать всех.

У спектакля Малого театра есть одна перекличка с версией МХАТа — костюмы в обеих постановках создавала художница Валентина Комолова. Но насколько они разные! В спектакле Эфроса (декорации Дмитрия Крымова) господствовала эстетика чересчур роскошного классицизма. Под стать оформлению подробно сделанные в духе эпохи костюмы с многочисленными деталями, тяжелые — тут и камзолы, и парики, и фижмы, и шикарные прически…

Совсем иное в версии Малого — здесь тоже не стали уходить из времени повествования, но все выглядит ощутимо легче и тоньше. Изящные, утонченные костюмы героев, гораздо более светлых цветов, чем в той постановке, но не исключающие красоты и стиля. Под стать им и сценография (художник Станислав Бенедиктов) — дворцовый зал дома Оргона, с вечно открывающимися и закрывающимися дверьми, окнами (из них обитатели дома подслушивают всякие секретные разговоры героев), большой стол с шикарной скатертью. А в глубине виден огромный гобелен с изображением красот двора Людовика XIV. Соответствует оформлению музыка Григория Гоберника. Она шутлива, игрива и отражает эпоху (на это указывает звучание клавесина).

Постановка Владимира Драгунова оказалась более традиционной, чем спектакль Эфроса — все строго по тексту, персонажи не открываются с какой-то неожиданной стороны. При этом совершенно не возникает ощущения архаики — да, актеры одеты в костюмы XVII века, но эмоции, чувства их героев понятны и современны. В пятиактной комедии сделаны уместные купюры и сокращения, которые делают постановку живой и динамичной. Режиссер умело чередует комические и лирические сцены, при этом не скатываясь в фарс или буффонаду.

Актерский ансамбль спектакля традиционно в Малом удерживает высокую планку. Что ни герой — то яркий характер, интересная судьба.

Оргона в исполнении Дмитрия Зеничева, пожалуй, жалеть не хочется совсем— он глуп, наивен, и кроме своего кумира Тартюфа никого и ничего видеть не хочет. Артист играет своего героя достаточно экспрессивно, даже взбалмошно, подчеркивая его инфантильность и полное непонимание жизни.

Объект его «вожделения» — Тартюф Глеба Подгородинского строит из себя святошу там где надо и жаждет романа с женой своего «друга». Герой мерзок нравственно, но вполне хорош собой внешне — когда он пристает к Эльмире, действительно трудно устоять перед его брутальностью и напором. Свое истинное лицо персонаж показывает ближе к концу — когда его обман раскрыт, и тут уже не остается ничего, кроме как стать собой.

Одна из ярчайших работ спектакля — как раз-таки Эльмира в интерпретации изящной, созданной для таких ролей принцесс, аристократок Ирины Леоновой. Она не перебирает с кокетством — эта женщина просто по своему статусу не может быть другой. Женщина очень порядочна и честна и соглашается прибегнуть к хитрости только ради того, чтобы доказать мужу, каков на самом деле Тартюф. Сцена мнимого соблазнения героиней лицемерного ханжи — один из ярчайших моментов спектакля.

Еще один двигатель постановки — колоритная Инна Иванова в жанровой роли служанки Дорины. Эта дама пытается разрулить сложившуюся ситуацию, ведь надо потянуть время, чтобы дочка Оргона Мариана не вышла замуж за Тартюфа, а самого героя нужно как-то выпроводить из дома. Как вкусно, как сочно играет Иванова свою героиню! Особенно смешной выходит сцена, когда Оргон пытается вразумить дочь и заинтересовать ее Тартюфом, а Дорина всячески мешает этому разговору, вклинивается в него, чем окончательно доводит папашу.

По-юношески пылок и романтичен Дамис Максима Хрусталева — он все время норовит разрешить конфликт с помощью кулаков (вернее, шпаги) и готов вступиться за честь любого из своей семьи. Рассудителен и рационален Клеант Василия Зотова — постановщик не стал смеяться над его речами, а наоборот по Мольеру сделал героя действительно правильным персонажем. Мила парочка Марианы (очаровательная Дарья Новосельцева) и Валера ( безрассудный, но честный Владимир Алексеев) — они то бранятся, то тешатся.

И нельзя забыть работу Алены Охлупиной в роли эксцентричной госпожи Пернель, матери Оргона — дама потворствует сынку, не замечая истинный характер Тартюфа, но когда ей все станет понятно, будет уже поздно.

Филипп Геллер, "БезФальши", 22.02.2024

https://bezfalshi.ru/report/virtuoznyj-tartyuf/

В 2021 году народный артист России, актёр Малого театра Глеб Подгородинский представил свой первый спектакль, где он выступил в качестве режиссёра — «Месяц в деревне» Ивана Тургенева.

Озаглавленное автором как «комедия», но в замечании, оставленном им же— «повесть в драматической форме». Это произведение впервые было исполнено в 1872 году, как раз таки на сцене Малого театра. Спустя 150 лет этот шедевр выглядит актуально и современно — ведь в его основе тема любви, страсти, которая рушит всё на своём пути, меняет человеческие судьбы.

Малому театру очень не хватало этого спектакля — пронзительного, эмоционально наполненного и, одновременно, очень лёгкого. Постановщик не стал заниматься новаторством и подчинил общую концепцию постановки раскрытию авторского замысла. Однако, некоторые новшества всё же появились: так, 4 действие происходит в грозу вместо спокойного тёплого летнего вечера (как было у автора), это сделано намеренно для яркого показа кульминационной сцены спектакля — исповеди Верочки и разговора Натальи Петровны с Беляевым, после которых резко поменяются судьбы героев. Проникновенный финал также не оставляет равнодушным: Наталья Петровна пытается запустить воздушного змея, но он не взлетает — её молодость и счастье прошли мимо неё…

Отдельное удовольствие доставляет музыка в этом спектакле — звучат композиции Роберта Шумана, Антонина Дворжака, Бедржиха Сметаны. Своим лирическим и меланхоличным настроением они идеально дополняют общую атмосферу постановки. А музыкальным лейтмотивом постановки стал «Шопен» Роберта Шумана из его «Карнавала».

Изысканно оформление авторства народного художника России Марии Рыбасовой. Мастер сотворила очень лёгкие, воздушные и соответствующие самому духу и атмосфере пьесы декорации — на сцене изображена просторная загородная дворянская усадьба. Костюмы (художник по костюмам Любовь Скорнецкая) — пастельных цветов. Особенно примечательны наряды Натальи Петровны, выполненные с большим вкусом и знанием эпохи.

Несомненное достоинство спектакля — великолепный актерский состав. В этот вечер произошли два знаменательных события: в роли Натальи Петровны дебютировала Лидия Милюзина, а Алексей Коновалов впервые исполнил роль доктора Шпигельского. Первые выступление Милюзиной впору назвать дебютом сезона, а то и года. Невозможно было поверить, что она впервые играет эту роль — настолько она слилась со своей героиней. Природный аристократизм, великолепные внешние данные, яркий драматический талант — у артистки есть всё, что нужно для исполнения главной роли пьесы. И уже на первом своем выступлении она предстала истинной примой Малого театр, законной наследницей его великих традиций. Наталье Петровне в интерпретации Милюзиной нельзя не сопереживать: пусть она совершает подлые поступки, но её хочется оправдать, ей сочувствуешь — кто из нас не ошибается? Огромные страдания, трагедия этой женщины, которая впервые по-настоящему влюбилась, и так поздно! Да ещё и в человека, не соответствующего её статусу…

Второй дебютант — Алексей Коновалов (доктор Шпигельский) внёс в своего героя искреннюю теплоту, юмор, обаяние, из-за чего этот, казалось бы, отрицательный персонаж, приобрёл лёгкую ироничность.

В роли Михаила Александровича Ракитина — друга дома Ислаевых и поклонника Натальи Петровны вышел автор постановки Глеб Подгородинский. Наталья Петровна — смысл всей его жизни, и когда Ракитин узнает о её чувствах к Беляеву, то весь мир для него рушится. Его любовь к ней подобна рыцарскому служению Прекрасной даме, он боготворит Наталью Петровну.

Мужа главной героини, Аркадия Сергеевича в этой постановке играет Михаил Фоменко. Этот персонаж всё время занят — он что-то мастерит, работает. Он любит Наталью Петровну, для него она святая женщина.

Верочка — Дарья Шевчук — в начале пьесы покоряет своей детскостью, наивностью, лёгкостью, она совсем ребёнок. Но постепенно её героиня перерождается. Поняв, что Наталья Петровна хитростью разоблачила её любовь к Беляеву, она осознаёт, что стала соперницей для своей хозяйки и открыто ей это высказывает.

Такой непосредственный, простоватый Алексей Николаевич Беляев (Максим Филатов) искренне не понимает и не чувствует, что становится яблоком раздора для Верочки и Натальи Петровны. Однако при серьёзном и откровенном разговоре с последней, которую он боялся, в нём самом просыпается ответное к ней чувство. Но всё это слишком ново для него, и он также, как и Ракитин, принимает решение уехать отсюда, даже не попрощавшись с хозяйкой дома…

Анна Семёновна, мать Аркадия в интерпретации народной артистки России Алёны Охлупиной искренне беспокоится за семью сына, она видит, что Наталья Петровна изменяет ему, но ничего поделать с этим не может. Роль совсем небольшая, но актриса и в ней показала масштаб своего таланта. Маленькие, но большие роли: Слуги Катя (Мария Кривенцева) и Матвей (Александр Наумов), а также немец-гувернер Шааф (з.а.России Василий Дахненко) и компаньонка Лизавета Богдановна (Мария Дунаевская) оттеняют драму главных персонажей повести и составляют необходимый к ней контраст.

Этот спектакль можно назвать одним из лучших и самых глубоких в репертуаре Малого театра. Сквозь неспешность повествования и внешний идиллический облик постановки просвечивает истинный драматизм характеров пьесы, их страдания и любовь. Любовь — смысловое слово этой постановки, ведь все её персонажи стремятся к ней…

Филипп Геллер, "Без фальши", 8 ноября 2022 года

https://bezfalshi.ru/?p=5944

19 апреля в Малом театре России прошел юбилейный, 300-ый спектакль «Горе от ума» Александра Грибоедова в постановке Сергея Женовача. За 23 года своего существования на этой сцене эта интерпретация выкристаллизовалась и обрела необходимый лоск.

Тогда, в 2000 году некоторыми критиками спектакль Женовача был воспринят в штыки, иные — его хвалили. Но сейчас эта постановка настолько вписалась в эстетику репертуара коллектива, что без нее просто трудно представить нынешний Малый. Она поистине классична, в ней нет новомодных прибамбасов. Все повествование объединено одной линией и драматургической четкостью.

Да, образ главного героя здесь совсем не такой, каким его преподносят в школе. Разумеется, Чацкий обличает пороки, но основным лейтмотивом спектакля стала тема его несчастной любви к Софье и конфликт отцов и детей.

Изюминка этого «Горе от ума» — использование текста из ранних редакций комедии, который более нигде не звучит: изначально у Грибоедова была значительно расширена роль Хлестовой, тетки Софьи, также детализированы многие фрагменты в сцене бала, которую писатель затем подсократил. Так что этот спектакль — находка не только для простого обывателя, но и для филологов и литературоведов.

Аскетична и лаконична сценография (художник — Александр Боровский). Вместо традиционных для предыдущих версий богатых интерьеров фамусовского дома, на сцене раздвижные щиты различных цветов, которые по ходу спектакля перемещаются и как бы создают нужное пространство. Приветом из века Грибоедова выглядит ампирная печка и несколько стульев — сценический минимализм дает полную свободу актерской игре и выдвигает именно ее на первый план. Изящные платья и фраки (художник по костюмам — Оксана Ярмольник) сочетают в себе приметы стиля 1820-х и неожиданно — модерна.

О музыке отдельный разговор: она здесь живая. За сценой справа сидит камерный ансамбль — скрипка, виолончель и фортепиано. На протяжении всего спектакля они исполняют сочинения Сергея Рахманинова, Михаила Глинки, Александра Даргомыжского и самого Александра Грибоедова. Вместе с композициями нашего современника Григория Гоберника они стали крайне органичным и усиливающим лирическое прочтение пьесы фоном.

Как ни одно другое произведение, «Горе от ума» демонстрирует возможности лучших артистов труппы. Кроме главных ролей, здесь много характерных партий, в которых в труппе Малого блистают настоящие патриархи. Такова колоритная Хлестова, каждое слово которой — не в бровь, а в глаз (великолепная Людмила Полякова), статная и грозная княгиня Тугоуховская (легендарная Ольга Чуваева), еле передвигающая ноги, чуть живая, с тоненьким голоском графиня Хрюмина (бесподобная в своей характерности Зинаида Андреева), картежник и шулер Загорецкий (милейший Владимир Дубровский). Невозможно забыть и кокетливо-жеманную Наталью Дмитриевну Горич (аристократичная Светлана Аманова) с несчастным мужем-подкаблучником (Игорь Григорьев). Вообще сцена бала, пожалуй, самая игровая и комически выразительная во всем спектакле, так как в остальном, в нем преобладают лирико-трагические тона. К ним, прежде всего, относится линия взаимоотношений Чацкого и Софьи. Первый в интерпретации Глеба Подгородинского, несмотря на свои обличающие речи, отличается откровенно романтическим характером. Он здесь не совсем герой-резонер, а несколько угловатый внешне, но духовно красивый человек, который искренне любит Софью. Объект его обожания — утонченная Екатерина Васильева, капризная и эгоистичная. Молчалин — ее любовник в версии Александра Вершинина предстает откровенным подхалимом. Наряду с Чацким, один из немногих адекватных образов этого произведения — служанка Лиза. Обаятельная Ольга Жевакина одаривает ее таким набором всяких фишек и сочных деталей, что не остается незамеченной. А вот Валерий Афанасьев рисует своего приверженца старины Фамусова с таким масштабом и породой, что не уступает своему великому предшественнику — Михаилу Цареву.

Филипп Геллер, "Без фальши", 22 апреля 2023 года

https://bezfalshi.ru/?p=6525

19 апреля в Малом театре состоится 300-е представление спектакля «Горе от ума».

Комедия А.С.Грибоедова – один из тех шедевров русской драматургии, которые никогда надолго не покидали нашу сцену. Поначалу представленная в отрывках, с 1831 г. пьеса идёт целиком, став такой же визитной карточкой репертуара, как произведения А.Н.Островского или царская трилогия А.К.Толстого.

«Горе от ума» ставилось в Малом театре десять раз. Каждая из этих постановок была отмечена выдающимися работами. В разные годы Чацкого играли Павел Мочалов, Сергей Шумский, Александр Ленский, Александр Остужев, Никита Подгорный, Ярослав Барышев, Виталий Соломин. В роли Фамусова выступали Михаил Щепкин, Александр Ленский, Александр Южин, Константин Зубов, Виктор Хохряков, Михаил Царёв. Софья была в репертуаре Гликерии Федотовой, Марии Ермоловой, Александры Яблочкиной, Елены Гоголевой, Нелли Корниенко.

Спектакль Сергея Женовача вышел в 2000 г. и сразу был признан замечательным достижением не только Малого театра, но и отечественной культуры в целом. Это традиционное и в то же время новаторское прочтение хрестоматийной пьесы. Отдавая должное социально-обличительному пафосу Грибоедова, Женовач выводит на первый план отношения родителей и детей, а также тему первой любви. Над «Горем от ума» работала высокопрофессиональная постановочная группа: сценограф Александр Боровский, художник по костюмам Оксана Ярмольник, композитор Григорий Гоберник. Отличительной особенностью спектакля стал великолепный актёрский ансамбль, соединивший опытных мастеров и начинающих артистов. Особой любовью пользовалась знаменитая сцена бала, где блистали Элина Быстрицкая, Татьяна Панкова, Виктор Павлов, Татьяна Еремеева, Евгений Самойлов и другие прославленные исполнители. «Горе от ума» отмечено рядом высоких наград, в том числе Государственной премией Юрию Соломину за исполнение роли Фамусова.

Сердечно поздравляем коллектив спектакля, в особенности режиссёра-постановщика Сергея Женовача, а также артистов, которые выйдут на сцену в 300-й раз – Глеба Подгородинского, Алёну Охлупину, Виктора Низового, Дмитрия Зеничева! Желаем «Горю от ума» долгой и насыщенной творческой жизни!

15 марта в Малом театре (сцена на Большой Ордынке) состоялось возобновление спектакля «Сердце не камень» Александра Островского в постановке Владимира Драгунова. Одна из самых загадочных и необычных пьес драматурга, за всю свою сценическую историю не имевшая хоть одной по-настоящему легендарной театральной интерпретации, наконец, получила шанс заявить о себе и снискать любовь у публики. Правда, для этого пришлось поиграть с переменой времени действия.

Островский и модерн — казалось бы, что здесь может быть общего? Однако Владимир Драгунов вместе с художниками Марией Рыбасовой и Оксаной Ярмольник, композитором Григорием Гоберником создали концептуальный спектакль, в котором визуальная стилистика начала XX века удивительно гармонично сочетается со словом русского Шекспира. На сцене нет и намека на привычные интерьеры купеческого дома, вместо этого — шикарное убранство особняка Каркунова, вдохновленное творчеством Уильяма Морриса. А во втором акте вместо реалистического изображения бульвара под монастырской стеной — загадочный, зловещий лес на заднике. На протяжении всего спектакля сцена погружена в полутьму — душная атмосфера пьесы передается в том числе и через оформление. Костюмы безупречно красивы, правда, отсылают совсем не к Островскому, а скорее к Чехову. И это тоже не просто так — режиссер-постановщик Владимир Драгунов справедливо считает, что именно в этом произведении, как ни в какой другом драматург близок к эстетике Антона Павловича и даже Федора Михайловича Достоевского.

Отдельного слова заслуживает музыка — если в обычных постановках драматического театра она выполняет служебную функцию, то здесь она — на первом плане. Ее зловеще-угловатые интонации, сумрачный колорит плюс эпизоды, выраженные в хорале струнных составляют невероятный и максимально яркий саундтрек, не уступающий визуальной части и актерским работам.

Центральной темой постановки Владимира Драгунова стало, прежде всего, противопоставление порока и чистоты, порядочности и безнравственности. Даже для Островского, у которого эти мотивы поднимаются в каждом произведении, в «Сердце не камень» их контраст вырастает до космических масштабов. Еще один важный смысловой стержень спектакля — отношения человека с Богом. Разумеется, в советское время идеологические принципы не позволяли звучать ему в полную силу. И даже в фильме Леонида Пчелкина 1989 года, где заняты Иннокентий Смоктуновский, Олег Табаков, Елена Яковлева, эта тема рушится под напором слишком академично-реалистической картинки. Но в спектакле Малого театра она стала практически ведущей — за счет определенного переосмысления образа Веры Филипповны, которую здесь играют как стойкую, непоколебимую натуру.

Постановка, в отличии от экранного предшественника, динамична и развивается в сумасшедшем темпе — зритель с нетерпением ждет раскрытия главной интриги (хотя она здесь не одна): оставит ли Каркунов наследство своей молодой жене и выдержит ли Вера Филипповна его условие быть верной мужу всю жизнь, даже после его смерти? Один из последних эпизодов спектакля выглядит просто обезоруживающе: Вера Филипповна честно объявляет своему мужу, что ей не нужны миллионы Потапа Потапыча и что она пойдет замуж. Купец ошарашен, он собирается убить жену и направляет на нее пистолет. Но осознав благородство ее души и то, сколько горя за 15 лет брака он причинил ей, Каркунов бросается на колени перед Верой Филипповной. Незабываемое впечатление оставляет финал, придуманный режиссером — погружаясь в темноту Каркунов истово начинает молиться, а Вера Филипповна — выхваченная светом, постепенно как будто бы растворяется во мраке…

Конечно же «премьер», козырь этого спектакля — неповторимый Василий Бочкарев в главной роли. Его герой — не разваливающийся, живущий по архаичным купеческим понятиям старикашка-самодур (как его играли по традиции всегда — таким же он предстает в фильме 1989 года), а куражистый и обаятельный мужчина, любящий покутить по трактирам, но уже начинающий задумываться о вечном. За столь легкой и как будто бы несерьезной оболочкой скрывается человек, совершивший множество грехов. Каркунов держит взаперти жену уже пятнадцать лет, заставляя ее терпеть все свои прихоти. Он не думает о завтрашнем дне — лишь в финале герой Бочкарева прозревает и плачет от осознания того, как он вел себя в течение всей жизни.

Вера Филипповна в интерпретации Лидии Милюзиной — в прямом смысле святая девушка, живущая по христианским заповедям. Ее стержень — поддержка Бога, именно она не дает ей поддаваться всевозможным искушениям, которые подстерегают героиню повсюду. Актриса играет сдержанно, строго, оставляя все переживания и эмоции героини внутри. Лишь только один раз она позволит себе проявить беспокойство — когда Ераст придет к ней с разговором о том, что нужно жить для себя, а не для других, и предложит ей свои чувства…

Интересно увидеть актера Глеба Подгородинского в несколько необычным для него отрицательном амплуа. В «Сердце не камень» он играет племянника Потапа Потапыча, Константина, который мечтает забрать все наследство дяди себе. Этот мерзкий персонаж у Островского — пьяница, а в спектакле Драгунова — наркоман. Для совершения новых мерзких поступков он неоднократно в течении действия постановки высыпает из заветного перстня на руке порошок и втягивает его и таким образом, заводится. То, что он под чем-то видно по его неадекватной пластике, истерично-возбужденной манере разговора.

Роль приказчика Ераста можно исполнить по-разному: этакий бедный дурак, который ради денег готов сделать подлость и соблазнить жену Каркунова, затем искренне раскаивающийся в своем поступке; любящий Веру Филипповну молодой человек, желающий с помощью плана Каркунова-младшего, стать с ней ближе… Василий Зотов отказался от обоих вариантов прочтения. Его Ераст — ловелас, «красавец мужчина», которому под силу завоевать не только простодушную Ольгу, любящую интрижки на стороне (куражистая Наталья Калинина) жену Константина, но и сдержанную, недоступную Веру Филипповну. После осознания совершенного он раскаивается, да, но ему не веришь. А в финале спектакля, когда он уже разбогател и стал видным женихом, герой Зотова приходит к жене Каркунова и намекает на себя в качестве главного ее поклонника. Этот момент можно сыграть как истинную любовь героя, мечтающего быть с милой ему девушкой. Но Зотов не так прост, чтобы сыграть такую наивность. Тут он — искуситель, пытающийся отвести Веру от пути истинного.

Таким же демоном, только в женском обличьи предстает Аполлинария Панфиловна в гротескно-зловещем исполнении Анастасии Дубровской. Это не веселая купчиха Островского, а настоящий Мефистофель в юбке.

Колоритен выдающийся характерный актер Малого Владимир Дубровский в роли подрядчика Исай Данилыча, умного и изворотливого.

Самая необычная фигура пьесы Островского, которая вообще несколько выбивается из персонажей его творчества —странник Иннокентий, который на самом деле оказывается личностью из мира криминала. Этот антик — человек недюжинных «способностей»: может впихнуть в себя литры алкоголя и еды. А самое святое дело для него — обворовать кого-нибудь. Если раньше эту роль играли мужчины богатырского типажа, то в нынешнем спектакле Малого она досталась Дмитрию Кривошееву, обладающему стройной комплекцией тела. Зато актер берет харизмой, а не животом: этот уголовник украдет не только деньги, но и сердце — Кривошеев чертовски обаятелен.

Финал спектакля оставляет вопрос: за кого же пойдет Вера Филипповна? За Ераста? Очень навряд ли. Она точно не захочет вступать в близкие отношения с человеком, который однажды ее предал. Истосковавшаяся по любви героиня ждет достойного мужчину, который сможет подарить ей счастье. Ведь сердце — действительно не камень…

Филипп Геллер

"Без Фальши", 23 марта 2023 года

https://bezfalshi.ru/?p=6373

Комедия «Игроки» гениального классика Николая Васильевича Гоголя является одной из бессмертных пьес русской литературы, актуальность которой поражает, удивляет и восхищает. Произведение было издано в 1842-ом году, а уже 5 февраля 1843 года на сцене Малого театра состоялась премьера первой театральной постановки потрясающей комедии, в которой блистали выдающиеся актёры М.С. Щепкин (Утешительный) и П.М.Садовский (Замухрышкин).

Невозможно подсчитать - сколько постановок «Игроков» за 180 лет видели театральные сцены всего мира: гиперболизированные персонажи, так изящно и искусно описанные Николаем Васильевичем Гоголем, пожалуй, никогда не утратят своей современности, ведь страсть к хитрости, лукавству, плутовству и интригам в людях неискоренимы, как и жажда лёгких денег, стремление нажиться.

Осенью 2019 года заслуженный артист России, режиссёр Владимир Драгунов представил на сцене Малого театра свою версию «Игроков», которая мгновенно стала театральным бестселлером.

Малый театр - один из старейших театров России, эталон классических академических традиций, которые здесь бережно сохраняются и приумножаются. «Игроки» в постановке Драгунова заняли достойное место в плеяде выдающихся постановок фееричной комедии.

Не раскрывая интригу искромётного спектакля, завуалированно напомним незыблемый временем сюжет:

Авантюрист и карточный шулер Ихарев, недавно сорвавший солидный куш, заселяется в провинциальный трактир и жаждет новых подвигов. Уверенный в своей ловкости и хитрости, он знакомится с проживающими в трактире людьми, чтобы понять - кого бы ещё обыграть на кругленькую сумму? Судьба (или рок?) сводит его с тремя приятелями, Утешительным, Швохневым и Кругелем, которые оказывается в определённой степени его коллегами и предлагают Ихареву дружеский союз в нечестной карточной игре. Доверившись новым друзьям, Ихарев вступает в азартную игру, исход которой непредсказуем даже для самого опытного и проницательного шулера. В какой-то момент в захватывающем действии «вдруг» возникают помещик консервативных взглядов Глов и его нерадивый сын, грезящий о гусарстве, а также чиновник из приказа Замухрышкин…

Безусловно, значительная часть успеха спектакля - это меткое попадание каждого актёра в образ своего персонажа: Игру, конечно же, делают «Игроки!»

Виртуозными, находчивыми и проницательными «Игроками» стали блистательные актёры, наделённые уникальной харизмой и яркой индивидуальностью, способные достоверно, до мельчайших деталей воплощать колоритные образы.

В образе Ихарева предстаёт Лауреат Государственной премии России Игорь Петренко. К слову, этот год для актёра юбилейный — в конце августа одному из самых талантливых, востребованных и любимых публикой российских актёров исполнится 45 лет.

В начале своей карьеры Игорь Петренко служил в Малом театре, играл на легендарной сцене знаковые и значимые роли, но в 2002 году актёр решил оставить репертуарный театр, полностью сфокусировавшись на кинематографе. В творческом багаже Игоря Петренко огромное количество разнообразных персонажей, каждому из которых веришь! Совсем о театре актёр не забывал - на протяжении многих лет он играл главную роль в потрясающем антрепризном спектакле «Ленинградский романс» режиссёра Петера Штайна, поставленном по пьесе Алексея Арбузова «Мой бедный Марат», а в последние годы с успехом воплощал Равика в пронзительном спектакле «Триумфальная арка» Льва Рахлина.

В 2017 году, в год своего 40-летия, на радость многочисленным поклонникам, Петренко вернулся в родной для себя Малый театр.

Игорь Петренко: «Я отношусь к театру как к фундаменту, который просто необходим. Это дом, возможность работать с серьёзным материалом. Малый изменил мою жизнь. Сейчас я в расцвете творческих сил и считаю, что могу принести театру больше пользы».

В 2018 году артист выпустил первую премьеру - «Метель» А.С.Пушкина, где ему досталась роль отставного полковника Бурмина, затем последовала характерная роль в драме Герхарта Гауптмана «Перед заходом солнца».

«Игроки» Владимира Драгунова можно смело назвать актёрским бенефисом Игоря Петренко.

В одном из интервью, приуроченных к премьере спектакля, режиссёр признался, что давно планировал поставить «Игроков», но ждал «своего» Ихарева, и что с возвращением Петренко в театр герой был найден.

Актёр воплощает Ихарева во всей палитре эмоций и спектре чувств - это азартный, увлечённый, уверенный в себе, а точнее - самоуверенный мужчина, поглощённый идеей доказать своё превосходство над другими, одержать триумфальную победу, нанеся противнику по игре сокрушительное поражение. Вся его энергия, мысли, эмоции направлены на её Величество Игру: это его муза, стимул, смысл жизни. При этом Ихарев в воплощении Игоря Петренко невероятно обаятельный и харизматичный мужчина - он вызывает симпатию, заражает своим азартом окружающих и увлекает их в свой мир, в котором всё невероятно хрупко и призрачно. Гордыня и жажда доминирования сыграют с героем злую шутку - когда здравый смысл и логику затмевает азарт, фиаско неизбежно, тем более Ихарев один, а не менее хитрых и талантливых «плутов» сразу несколько!

Виртуозно «дирижирует» шайкой ловких провинциальных мошенников Степан Иванович Утешительный, которого филигранно воплощает Народный артист России, лауреат Государственной премии России Глед Подгородинский.

Тонкий психолог и опытный шулер создаёт образ очаровательного простачка, от которого не ждёшь никакого подвоха и удара в спину, но именно этот чудаковатый герой является «серым кардиналом», искусно придумавшим и продумавшим всю стратегию происходящего. Если Ихарев, уверенный в своей неотразимости и непобедимости, может полагаться исключительно на свою смекалку и всемогущую краплёную колоду карт, то Утешительный работает в команде, «умеет отдавать справедливость достоинству» и точно знает, как орудие врага использовать в своих корыстных целях.

Импозантный интеллигент Швохнев (заслуженный артист России Василий Зотов) и солидный псевдополковник с немецкими корнями Кругель (Михаил Фоменко) различными отвлекающими манёврами усыпят бдительность оппонента и ещё больше убедят Ихарева в искренности своего дружеского расположения. Из уст Кругеля органично звучат отдельные фразы из других произведений Гоголя, например: «Русь, куда ж несешься ты?»

Не менее колоритны и узнаваемы и другие персонажи спектакля - каждую роль в «Игроках» смело можно назвать бенефисной.

Изящно и ненавязчиво подчёркнуто родственное сходство вымышленных отца и сына Глова-старшего и Глова-младшего, когда они, смакуя, опустошают огромный бокал, не закусывая. «Теперь я понял смысл фразы: капли в рот не берёт!» - восклицает Ихарев.

Консервативного, солидного, мужественного Глова-старшего в разных составах воплощают Народные артисты России, Валерий Афанасьев и Владимир Дубровский. Порывистого Глова-младшего, олицетворяющего неиссякаемую энергию, задор и кураж юности, играет Максим Филатов.

Важную лепту в развитие действия вносят и слуги: видавший виды в постояльцах, хорошо разбирающийся в людях, трактирный слуга Алексей (Станислав Сошников) и любящий походную жизнь слуга Ихарева Гавриил Михайлович (Александр Наумов/ Игнатий Кузнецов /заслуженный артист России Василий Дахненко).

Подставной чиновник Псой Стахич Замухрышкин (заслуженный артист России Алексей Дубровский) - собирательный образ всех служащих, имеющих хоть на что-нибудь малейшее влияние, как в пословице «каждый суслик в поле агроном». «Сколько волка не корми - всех лосей в заповеднике на него не спишешь»: в постановке тонко завуалированы аллюзии на взяточничество и коррупцию, насмешка над излишней самоуверенностью и глубинное размышление о природе лжи и совести.

Многогранные актёры увлекают публику в свою игру, интригующую и захватывающую, в которой от победы до поражения и наоборот всего один ход.

Игра, как известно, Женщина, как истинная леди, она очень капризна, противоречива и непостоянна. В произведении Гоголя нет женских персонажей, в спектакль Владимира Драгунова интегрирован безмолвный женский образ, который загадочно воплощает Наталья Калинина.

Пленительная, чарующая Аделаида Ивановна является музой, вдохновением, объектом страсти и желания Ихарева, увлекает его в пучину соблазнов и амбиций, а в финальном рандеву закружит героя в соблазнительном танго, продемонстрировав свою абсолютную власть и могущество над обескураженным героем, игра для которого важнее всего на свете.

Балетмейстер Наталья Цыбульская настолько профессионально поставила Игорю Петренко и Наталье Калининой танго, что у зрителей складывается ощущение, будто актёры всю свою жизнь занимались бальными танцами.

В спектакле звучит вечная музыка Альфреда Шнитке, одним мизансценам добавляя нерв и градус, другим - релакс и умиротворение.

Сценография знаменитого художника-постановщика, народного художника России, лауреата Государственной премии Станислава Бенедиктова масштабна - на сцене выстроен роскошный номер-люкс респектабельной гостиницы.

Массивные дубовые конструкции, монументальные книжные стеллажи, благородный бархат стола, изысканные небутафорские блюда и напитки придают помпезность и солидность происходящему - здесь играют по-крупному и не щадят даже родных: перед игрой равны все. С книжных полок наблюдает за героями бюст Николая Васильевича Гоголя. Великий классик лукаво взирает на происходящее, иронично напоминая потомкам сквозь века, что всё тайное рано или поздно становится явным и что «всегда найдётся плут, который переплутует». От описанной Гоголем эпохи действие перенесено примерно на полвека вперёд, но это условность - герои настолько современны, а события - актуальны, что никакого диссонанса не возникает - всё это и в 21 веке продолжает происходить как столицах, так и в провинциальных городках. Элегантные костюмы харизматичных персонажей подчёркивают, что эти герои точно вне времени - они существуют, пока существует человечество.

И хотя порядочностью, верностью законам чести и идеалам благородства ни один из «Игроков» похвастаться не может, так или иначе в них мы узнаем себя.

«В свете нужна тонкость. Я смотрю на жизнь совершенно с другой точки. Этак прожить, как дурак проживет, это не штука, но прожить с тонкостью, с искусством, обмануть всех и не быть обманутым самому – вот настоящая задача и цель!»: кого из нас с разной степень периодичности не посещают такие мысли?

«Надуть», «нагреть», «обмануть», «развести» - как часто мы слышим эти термины в нашей жизни? Насколько они применимы к нам самим? Это вопрос нашей совести, чести, принципов и моральных норм. Многие из нас по природе склонны к авантюрам и жаждут лёгких денег - этот порок, увы, крайне сложно поддаётся коррекции и универсального лекарства от него не существует.

«Поверьте, вся штука в том, чтобы быть хладнокровну тогда, когда другой горячится», - но как же сохранить рассудительность, когда ставки всё выше и выше?

Главное не угождать в свои же капканы и всегда помнить: «Употребляй тонкость ума! Изощряй, изыскивай средства!.. Черт побери, не стоит просто ни благородного рвенья, ни трудов! Тут же под боком отыщется плут, который тебя переплутует!»

В спектакле «Игроки» искусно синхронизируются многочисленные параллели и аллегории с обществом, а, может быть, и с каждым из нас. Изящная ирония, гротеск, сатира и тонкий юмор великого классика в блистательном воплощении талантливых актёров под чутким руководством многогранного режиссёра транспонировались на сцене в великолепный спектакль, острый, ёмкий и хлёсткий!

«Это не плутовство - это ремесло!»: неистово восклицает Ихарев. Если вся жизнь - игра, то это аксиома, которая, как известно, не требует доказательств.

До конца сезона «исследовать глубину познаний» и сыграть в карты с обаятельными «Игроками» можно 25 мая и 3 июня.

Ремесло «плутовства» постигала корреспондент Бурулева Юлия

https://worldpodium.ru/news/eto-ne-plutovstvo-eto-...

Фигаро, герой трех пьес Бомарше, бывший цирюльник из Севильи, а затем слуга графа Альмавивы, с легкостью придумывает интриги и добивается своих целей. Потому-то имя его стало нарицательным и настолько популярным, что у себя в гардеробе запросто можете обнаружить испанскую куртку «фигаро», а в Париже откроете ежедневную газету с названием Le Figaro.

Трилогия Бомарше в разное время шла на сцене Малого театра. Вторую ее часть, «Свадьба Фигаро», зрители впервые увидели 19 ноября 1829 года в бенефис Аграфены Сабуровой (Сюзанна). В спектакле были заняты муж бенефициантки Александр Сабуров (Фигаро), Михаил Щепкин (Бартоло) и Василий Живокини (Антонио). Пьесу еще четырежды ставили на сцене Малого, но после спектакля Ивана Платона (1920) с Фигаро в исполнении Яковлева, Сюзанной – Пашенной и Керубино – Гоголевой на сто лет взяли паузу. И вот в драйвовом спектакле Владимира Драгунова в великолепно стилизованных костюмах и декорациях Марии Утробиной старых знакомцев видим вновь. Конечно, в 2022‑м они стали иными, не потеряв способности очаровываться этим миром и очаровывать его своим присутствием, они, что ли, посерьезнели, стали больше задумываться над жизнью (мы-то стараемся, строим планы, готовимся к одному, а судьба преподносит нам совсем другое), но по-прежнему дают нам пример того, как отчаянно надо отстаивать свое право на счастье.

«Женитьбу Фигаро» (1779) публика изначально восприняла контрастно: одни обвиняли автора в ниспровержении устоев, другие рукоплескали политическим выпадам героя и потешались над комическими фигурами. Нынешние зрители тоже успели разделиться на тех, кто в восторге от новой трактовки с акцентом на постановке социальных проблем, и на тех, для кого Фигаро по-прежнему водевильный персонаж. Бесчисленные мировые постановки придали пьесе эту заданность. «А между тем, – считает Драгунов, – комедия Бомарше затрагивает очень серьезные темы, один монолог Фигаро, с которым многие постановщики не знали, что делать, чего стоит. Его и сокращали, и выбрасывали, а по-моему, спич, в котором Фигаро рассказывает о горестной своей жизни, и дает комментарий тому, что вокруг, ключ ко всему спектаклю».

Поддержку постановщик с легкостью найдет у таких критиков, как Белинский, говоривший, что «это злая сатира на аристократию XVIII века», как Наполеон, называвший пьесу «революцией в действии», и как сам Бомарше, советовавший достигать «острых положений, беспрестанно рождаемых социальной рознью, без которых не будет ни патетики, ни нравоучительности, ни истинного комизма». Фигаро хорошо знал придворную жизнь и показал народу закулисную сторону политики, смело срывая маски. А современники Бомарше, будущие вершители Великой французской революции, искали в пьесе идеи равенства и свободы… При этом все знали, что политика не главное в пьесе, особый колорит ей придает тема любви.

В центре спектакля мощное противостояние губернатора Андалусии Графа Альмавивы (заслуженный артист Андрей Чубченко) с Фигаро (народный артист Глеб Подгородинский), тем самым обличителем из народа. Неблагодарный Альмавива, обязанный ловкачу Фигаро женитьбой на прекрасной Розине (Александра Иванова), заглядывается теперь на его невесту Сюзанну (Ольга Плешкова) и смеет заводить разговор о праве первой ночи. Не так просто поразить такого монстра, особенно когда к борьбе примешиваются личные мотивы, но интрига, которую разворачивает Фигаро в доме своего врага, вовлекая в борьбу немало единомышленников, как стрела, летящая в цель.

Кульминацией спектакля становится монолог Фигаро, в котором проскользнут ноты лучших героев-борцов Подгородинского. Эту отчаянную исповедь он, «неизвестно чей сын», украденный разбойниками и сумевший-таки пойти «честным путем», посвящает Сюзанне. Он рассказывает, как изучал разные науки и обретал профессии, как увлекся театром и из-за комедии на темы гаремной жизни попал в тюрьму, как хотел стать журналистом – наткнулся на запрет касаться «власти, религии, политики». Попробовал быть банкометом, но, увидев, как нагло «хапают» заработанные им барыши, так пал духом, что вознамерился уйти из жизни. Спасся тем, что, как в самом начале, стал бродячим цирюльником. «Думаете, если вы сильный мира сего, – обращается Фигаро к Альмавиве, – значит, и разумом сильны?.. Знатное происхождение, состояние, положение в свете – много ли усилий вы приложили, чтобы достичь этого? Вы дали себе труд родиться, только и всего, не то что я, сегодня господин, завтра слуга – в зависимости от прихоти судьбы…»

Прихоть судьбы помогает Фигаро раскрутить главную интригу его жизни, по метке, когда-то оставленной его отцом, севильским врачом Бартоло (народный артист Валерий Афанасьев), он находит своих родителей, его матерью оказывается ключница Марселина (народная артистка Алена Охлупина). Эта пара вновь обретает друг друга, Валерий Афанасьев по этому случаю даже исполнит романс на собственные стихи «Я вечный раб любви печальной…». Злейший враг Фигаро оставлен с носом, а на сцене выстраиваются несколько счастливых пар в свадебных нарядах во главе с Фигаро и Сюзанной. Единственное, соглашусь с теми, кто не увидел Станислава Сошникова в роли Керубино, это не его роль.

В спектакле удивительно точно подобрана музыка: свежо, тревожно и радостно звучит Франсис Пуленк, который по натуре, судя по описаниям, похож на Фигаро, а значит, на Бомарше, известно же, что автор подарил герою многие свои черты. На спектакль хочется прийти специально для того, чтобы послушать, как музыка дирижирует действиями персонажей, как зачарованно и всякий раз на особый лад откликается на нее каждый из них.

Нина Катаева, "Учительская газета", №03 от 17 января 2023

https://ug.ru/segodnya-gospodin-zavtra-sluga/

В воздухе спектакля – веселое легкомыслие. Авантюрный микс костюмов отдает дань нынешней уличной моде: под старинными фраками и плащами – кожаные джинсы и берцы, в которых так удобно бегать по сцене. А замок графа Альмавивы то повернут к нам своей пышной стороной, то с легкостью обнажает неприглядную изнанку черного хода. То же и с персонажами: их парадная жизнь тут же оборачивается изнанкой тайных хлопот и страстей.

У камердинера Фигаро (Глеб Подгородинский) и камеристки Сюзанны (Ольга Плешкова) вечером свадьба, но как быть с традиционным правом первой ночи могущественного графа? Как простому слуге отвоевать свою невесту у феодального владетеля? Как покончить с аристократическими привилегиями власть имущих и победить в этой борьбе? Лишь веселый и остроумный нрав Фигаро, человека третьего сословия, способен одержать победу в этой схватке с сильными мира сего.

О, граф Альмавива (Андрей Чубченко), ведь он еще и губернатор всей Андалусии, могуществен! Подобно грозовой туче, он мечет громы и молнии, он властитель и хозяин всех своих подданных, яростно ревнуя и прелестную Сюзанну, и свою красавицу жену (Александра Иванова). Его власть беспредельна. Он постоянно меняет фраки, которые становятся все шикарнее, утверждая его блеск и величие. Противоборство с ним возможно лишь с помощью хитрости и интриг, которые и закручивает неутомимый Фигаро, применяя тактику уловок, обманов и плутовства.

Фигаро же, этот смешной проказник с торчащим чубчиком и лукавой скороговоркой, прикиды- вающийся простачком, меж тем упорно ведет борьбу за свое человеческое достоинство. И вот его исповедь, к которой он долго шел и которая внезапно стала центром сюжета: о себе, о своем трудном пути человека из низов, вечной сироты в мире сильных, о прихотях судьбы и высшей справедливости, о противоборстве слабого с сильным. Его драматические отношения с миром и его социальное бунтарство – вот главная тема этой личности, представшей перед нами примером вечной человеческой борьбы за свое место на земле.

Да, Фигаро побеждает. Он отвоевывает свою невесту, к тому же внезапно обретает и родителей – ключницу Марселину (Алена Охлупина) и врача Бартоло (Валерий Афанасьев), тоже необычайно остроумных людей. Бартоло к тому же романтично исполняет для нас собственные песни под гитару.

Ольга Игнатюк, Театральная афиша столицы, январь 2023 года

РЕЖИССЕР-ПОСТАНОВЩИК: В. ДРАГУНОВ.

СЦЕНОГРАФИЯ И КОСТЮМЫ: М. УТРОБИНА.

Комедия положений Бомарше «Женитьба Фигаро» приобрела новое звучание на подмостках Малого театра. Режиссер Владимир Драгунов так расставил смысловые акценты в спектакле, что на первый план вышел социальный протест камердинера Фигаро в исполнении Глеба Подгородинского. Под маской «своего парня» скрывается оскорбленное достоинство, внутренний протест против унижения маленького человека на побегушках. Даже любовь к Сюзанне в исполнении очаровательной Ольги Плешковой проходит проверку, так как Фигаро ожидает подвоха и со стороны невесты, крепко усвоившей ложь во спасение в покоях графини. А вдруг она окажется не той, за которую себя выдает: эдакую верную подругу с замашками сорванца, способную при удобном случае наставить ему рога, хотя бы ради остроты ощущений... Неслучайно Сюзанна кокетничает с Графом. Чем стремительнее раскручивается интрига, связанная с правом первой ночи невесты в спальне графа, тем активнее действует Фигаро, пользуясь сарказмом, иронией, натянутой улыбкой до ушей и гибким позвоночником, в надежде, что разыгранное притворство усыпит бдительность охочего до чужих невест «сладкоежку», и тогда праздник будет на его улице. Но для этого нужно время. Значит, придется готовиться к затяжной войне, ничем себя не выдавая, используя хитроумные уловки и лесть. Одним словом, Фигаро начинает вести себя как заядлый интриган.

По-другому победить зарвавшегося вельможу невозможно: открытый бунт потерпит фиаско, и Фигаро проиграет. А этого вовсе не хочется - если уж замахнулся, так все средства хороши. Тем более в обществе прихлебателей без чести и совести, думающих только о собственной выгоде. И в этом со всей очевидностью усматривается лишенная временной определенности параллель с неприглядной действительностью, построенной на стяжательстве и притворстве. Потому режиссер не хочет использовать розыгрыши в формате карусели, движущегося круга с дворцовыми интерьерами в обстоятельствах непредвиденного и случайного. Что создает напряженную атмосферу, и позволяет Фигаро, как гончей идти по следу ни о чем не подозревающего Графа.

Поначалу щупленький домоправитель, казалось, ничем не отличается от тех людей, которые заглядывают в рот своим хозяевам. Но торопиться с выводами рано. На глазах зрителей происходят неожиданные метаморфозы. По мере того, как великолепный Граф в креативном исполнении Андрея Чубченко ощущает себя неуязвимым, способным преодолевать любые преграды на пути к обладанию «запретным плодом», параллельно зреют грозди гнева в душе униженного Фигаро, вырастающего в свободную личность, способную называть вещи своими именами и не сдаваться.

Красота интерьеров, роскошь в стиле рококо (сценограф Мария Утробина), говорят о том, что дворец графа Альмавивы предназначен для избранных: он неотделим от этого великолепия, а значит - недосягаем для критики и тем более провокаций. Как бы не так! Следуя Бомарше, режиссер доказывает, что гибкий ум Фигаро способен совершить невозможное: превратить Альмавиву в посмешище, тем самым опозорив себя. Фигаро счастлив. Он достиг своей цели. Наконец-то Граф посрамлен и на своей шкуре почувствовал, что такое «оказаться с носом». Маска величия сорвана, король оказался голым.

Спектакль Владимира Драгунова перенасыщен разными обманками, придающими особый вкус драматическому действу. Так сельский врач Бартоло в исполнении Валерия Афанасьева выглядит современным бардом, философски взирая на глупых людей, не понимающих, в чем их счастье. А ключница Марселина (Алена Охлупина) никак не найдет подходящего мужа, взяв расписку с Фигаро, что в случае неуплаты долга он женится на ней, не подозревая, что это ее сын. Эти сцены, скорее, напоминают «притянутый за уши» водевильный сюжет, пребывающий в стороне от красной линии режиссерского замысла.

Фактура актера играет большую роль в решении сценического образа. Так одна из комических фигур в пьесе и в спектакле, это Керубино, безнадежно влюбленный в Графиню. Глупый, наивный юноша, мечтающий поймать журавля в небе. Не совсем понятно, почему режиссер выбрал на эту роль статного красавца Станислава Сошникова, лишенного всяких комплексов и потому абсолютно уверенного, что красавица Графиня (Александра Иванова) не прочь побывать в его объятиях. Это противоречит замыслу драматурга и развивает совершенно противоположную линию в поведении Графини. Казалось бы, мелочи: какая разница, как ведет себя с личным слугой великосветская дама, то ли дразнит бедного юношу, то ли готова нарушить клятву супружеской верности. Если идти по второму пути, обозначенному в спектакле, то непонятно, почему она так горько переживает измены Графа, если и сама не без греха.

При всех достоинствах этого спектакля и колоссальной самоотдаче артистов хотелось бы напомнить одну простую вещь: любой прокол, связанный с эпизодическими персонажами, сказывается на художественной целостности спектакля и от этого страдает актерский ансамбль, где ничего случайного не может быть.

Лебедина Любовь, "Страстной бульвар, 10", Выпуск №3-253/2022

http://www.strast10.ru/node/6182

В Малом театре — первый премьерный спектакль 267-го сезона. На исторической сцене — знаменитая «Женитьба Фигаро». Это классическая комедия, но о свободе, любви, справедливости здесь говорят серьезно. Подробностями делятся режиссер-постановщик, заслуженный артист России Владимир Драгунов, актриса театра Ольга Плешкова, народный артист России Глеб Подгородинский, а также сценограф и художник по костюмам Мария Утробина.

Первый канал. Программа "Доброе утро". Фрагмент выпуска от 25.11.2022

Дорогие друзья!

Предлагаем вашему вниманию запись передачи "В главной роли" с участием народного артиста России Глеба Подгородинского. Ведущий - Юлиан Макаров. Главная тема беседы - предстоящая 21-го октября премьера спектакля "Женитьба Фигаро" П. Бомарше, в которой Глеб Подгородинский исполняет роль Фигаро.

Смотреть запись передачи

Дорогие друзья!

Отмечая юбилей Глеба Подгородинского и, конечно, присвоение ему звания народного артиста России, мы публикуем сегодня текст буклета, который вышел в серии "Библиотека Малого театра" в 2017 году (автор - Наталья Сажина).

***

Знаменитому училищу им. М.С.Щепкина отечественная культура обязана появлением артистов ярких, талантливых и удивительно разноплановых. Часть из них приходит служить в Малый театр, на протяжении 260 сезонов являющийся оплотом традиционного русского драматического искусства.

Подобная судьба ожидала и Глеба Подгородинского: несмотря на то, что вчерашний ученик Владимира Алексеевича Сафронова показывался в разные театры, сразу же после выпуска в 1993 году он был принят в Малый. Однако творческий путь Глеба начался значительно раньше.

Заслуженный артист России Глеб Подгородинский родился в семье театральных работников. Мама, Светлана Николаевна Чаплыгина – актриса и режиссёр. Папа, Валерий Васильевич Подгородинский – театровед. Оба в своё время окончили ГИТИС. В доме царила творческая атмосфера: постоянно велись разговоры о театре, частыми гостями были актёры, режиссеры и драматурги. Отец иногда брал сына с собой на спектакли, и Глебу посчастливилось посмотреть выдающиеся постановки Товстоногова, Эфроса, Ефремова… Но любовь к театру пришла не сразу, хотя судьба упорно вела его в этом направлении.

В двенадцать лет Глеб начал заниматься лепкой во Дворце Пионеров на Воробьевых горах. Вскоре, потеряв интерес, он перешел в другой кружок. Это оказался Театр юного москвича, и уже через две недели Глеб получил главную роль в новом спектакле «Иван» по одноименной повести Владимира Богомолова.

«Помню, как мне нравился запах кулис, бутафории, театральных костюмов... Загадочность темной сцены манила меня. Я получал удовольствие от игры. Иван в конце погибал, и я помню, как заплаканные девушки подходили ко мне и спрашивали: «Как у тебя это получается?» А я даже не знал, что ответить, просто пожимал плечами. Но «заболел» театром я все равно не сразу, и ощущение, что могу быть в этой профессии, стало приходить только на втором курсе института».

Добрая память о спектакле «Иван», или любимый запах бутафории и театральных костюмов. Тяга к сцене, или гены творческих родителей… Что-то заставило Глеба Подгородинского в 1989 году оказаться на пороге театрального вуза. По словам самого актера, он подавал документы во все институты сразу.

«Я перепутал даты поступлений. Сразу после выпускного уехал в деревню под Суздалем – готовиться. Многие абитуриенты уже прошли на конкурс, а я сидел себе на стоге сена, учил стихи. Приехал в Москву, когда начались третьи туры, и постарался быстро обежать все институты. При этом в Щепкинском мне сказали, что точно берут. Но я его выбрал не потому, что решил не рисковать. Мне там откровенно понравилось все – от мастера курса Владимира Алексеевича Сафронова до удивительного зеленого дворика внутри училища».

По окончании ВТУ им. Щепкина Глеб Подгородинский был приглашен в Малый театр. Первым спектаклем с его участием стала вышедшая в 1994 году «Преступная мать, или Второй Тартюф» Пьера Огюста Бомарше. Режиссер Борис Морозов выбрал Глеба на роль Леона, внебрачного сына графини Розины. «Преступная мать» завершает трилогию о жизни и похождениях всем известного Фигаро. Но если «Севильский цирюльник» давно обосновался на оперной сцене, а «Безумный день, или Женитьба Фигаро» – украшение любого драматического театра, то третью часть, которая считается перегруженной сюжетными перипетиями, берут для постановки редко.

«Леон довольно эксцентричный персонаж, – говорит о своей первой работе Подгородинский. – Я не очень-то мог овладеть собственными эмоциями, меня просто захлестывало».

Тем не менее, в этом образе был задан тон последующих ролей Подгородинского, которые шли от легкости, наивности, внешнего комикования к внутренней драме, конфликту. Подобное развитие отличает большинство персонажей, воплощенных артистом на сцене.

Леон в пьесе Бомарше очень похож на своего отца – пажа Керубино, но к его легкости и обаянию добавлена драма. Из обычного влюбленного героя он становится незаконнорожденным ребенком, причиной размолвки всё еще любящих друг друга графа и графини Альмавива. Леон готов отказаться и от титула, и от состояния, лишь бы просто остаться со своей матерью. Роль давала возможность начинающему артисту раскрыться как нельзя лучше.

В том же 1994 году началось его сотрудничество с «Театральной труппой Валерия Саркисова» – Глеб сыграл Алешу в спектакле «Братья Карамазовы. Завтра суд». Роль, которая, как и Леон, относится к числу работ, определяющих его творческую биографию. Сыграть двух таких разных по психофизике, по жанру персонажей – большая удача для молодого артиста. В Алеше Карамазове была и простота, и внутренняя чистота, душевная чуткость, способность – даже дар – очень верно и тонко чувствовать все вокруг себя.

Народный артист России, один из первых партнеров Подгородинского в Малом театре Василий Иванович Бочкарев так говорит о Глебе: «Мне нравится в нем то, что он не только как актер, но и как человек, сомневающийся. Это, на мой взгляд, основная черта для творческих людей. Сомневаться – значит искать, проверять. Это не свидетельство слабости, а как раз сильная сторона артиста. Отсюда идут и наив, и постоянное ученичество. При этом артист знает себе цену, осознает собственные возможности».

Постепенно Глеб завоевывает свое место в Малом, получает право на большие, значимые роли.

«Педагоги говорили: «Зачем ты идешь в Малый? Тебе же там нечего будет играть!» Но меня сразу заняли в репертуаре. Сперва играл в массовках, эпизодах – среди ролей в то время были и возмущенные мальчики, и умирающие революционеры, и чахоточные разночинцы. Я и сам шутил: у меня амплуа умирающего чахоточного мальчика».

1998-2000 годы стали для актера переломными. В 1998-м выходит моноспектакль «Руслан и Людмила» по одноименной поэме А.С.Пушкина. Для любого артиста подобная постановка – возможность громко заявить о себе, попробовать выйти за привычные рамки, высказаться, выложиться на полную. В биографии Подгородинского «Руслан и Людмила» сыграли судьбоносную роль.

«Был период, когда я не попал ни в одно новое распределение, а работать хотелось. И тогда я подумал, что можно сделать моноспектакль. Встретился с Вероникой Косенковой, режиссером и известным педагогом по сценической речи, и попросил мне помочь. После продолжительных поисков остановились на поэме «Руслан и Людмила» А.С.Пушкина. Долго не могли найти форму существования. Пробовали читать и от лица самого автора, и от лица современного человека. Не складывалось! В какой-то момент Косенкова предложила: «Глеб, пусть это будет друг Пушкина, не артист, не литератор. Просто товарищ, который, услышав поэму в исполнении автора, захотел прочитать ее на одном из вечеров». И то, что этот человек не профессионал, добавило легкости и свободы – я получил возможность импровизировать».

«На сцену ворвался, с темпераментом задиристого жеребенка, смешной, порывистый парень, и, представляя своих героев пушкинской поэмы, играя с ними (и в них) весело и влюбленно, заразил зал своей радостью», – писала известный театровед Татьяна Шах-Азизова.

Когда Сергей Женовач был приглашен в Малый театр ставить «Горе от ума», выбор Глеба Подгородинского на главную роль состоялся во многом потому, что режиссер посмотрел «Руслана и Людмилу».

«Назначение стало полной неожиданностью: я никогда не мечтал и не предполагал сыграть Чацкого. Работа шла непросто, казалось, что роль не моя: многое было на сопротивление, многое не получалось во время репетиций. Так как пьеса постоянно присутствовала в репертуаре Малого театра, то, естественно, все «знают», как играть Чацкого. Ко мне подходили не только артисты, но и костюмеры, монтировщики, и давали советы. И почти каждый в конце добавлял: «Ты, главное, никого не слушай!» В какой-то момент я стал ото всех прятаться и уходить с репетиций окольными путями».

Комедия А.С.Грибоедова, написанная в 1824 году, появилась в очень сложное для российского театра время. Первая четверть XIX века ознаменовалась расцветом жесточайшей цензуры, закрывавшей путь на сцену «неправильным» мыслям и взглядам.

В результате на подмостках воцарились водевили и иностранные мелодрамы, преследующие единственную цель: увести зрителя от тягот реальной жизни. И когда появился такой персонаж, как Чацкий, началось множество дискуссий и размышлений: что это за герой? Каковы его функции и задачи? Как его играть?

«Горе от ума» получило свое первое профессиональное сценическое воплощение именно в Малом театре. Исполнителем главной роли стал Павел Мочалов. Его трактовку принимали те, кто считал гражданский пафос определяющим в образе Чацкого. Затем появился Иван Самарин, сумевший создать гармоничный, гибкий и живой характер. Следующий исполнитель, Сергей Шумский, явил Москве Чацкого, чьи протест и мрачность рождались не из-за неудовлетворенности укладом общества, а из-за ревности, все более нараставшей и, наконец, превратившейся в глухую тревогу, непроизвольно искавшую выход. Эти три великих артиста воплотили основные трактовки образа. Но каким должен стать Чацкий в XXI веке? Насколько важна для него социальная тема? Ответить на эти вопросы предстояло и нашему герою.

Для любой театральной постановки особенно важно отражать дух времени. Но делать ставку только на актуальность нельзя: контекст эпохи постепенно меняется, обязывая спектакль смещать акценты. Неизменно вызывающими отклик у публики остаются, конечно же, человеческие отношения. Такой темой в «Горе от ума» является любовь Чацкого к Софье, его ревность и переживания.

Почему же спектакль Малого театра оказался настолько интересным? Комедия Грибоедова, всеми и давно признанная классикой, обросшая официальными трактовками, общими смыслами еще во время изучения в рамках школьной программы, вдруг обрела свежесть. Лаконичные, строгие декорации, столь характерные для художника Александра Боровского, но несколько необычные для Малого театра, балующего своих зрителей продуманными интерьерами с реалистичными подробностями, не давали возможности «спрятаться» за них, уйти от смысла. На этом фоне слаженный актерский ансамбль демонстрировал классическую игру, а в центре сюжета был неожиданно понятный и простой Чацкий.

На сцене Малого театра герой Подгородинского появился в 2000 году – растерянный, неуверенно улыбающийся молодой человек в обмотавшем шею толстом шарфе. Резонер, декабрист? Вряд ли. Этот Чацкий еще до конца не определился в жизни, не нашел себя. И вполне возможно, что за границу он ездил не за абстрактным «умом», но за подтверждением собственных мыслей и чувств. Выход героя на сцену вместо блистательного появления успешного мыслителя и резонера (как порой играют Чацкого театральные звезды) становился возвращением домой после самовольной отлучки.

«Мы долго думали, зачем Чацкий уехал за границу и почему вернулся? И поняли: он бежал от любви, решив выкинуть ее из сердца. Чацкий воевал, дружил с министрами, общался с другими женщинами, мог бы сделать карьеру… А потом понял, что все это ерунда, главное – любовь. И он вернулся к Софье, потому что не мог иначе».

«Чацкий был резко сдернут с котурнов, лишен резонерства, обличительного пафоса и всякого намека на романтизм, – писала в своей рецензии Татьяна Шах-Азизова. – Не-герой, не-боец, он не обличал, не гневался, но терялся и страдал от того, что его окружало, не находил себе места. Наивный идеализм его рушился от ударов грубого мира, и болезненность этих ударов сообщалась залу. Бедолагу Чацкого мы полюбили, жалели, находили в нем сходство с Мышкиным».

«Блажен, кто верует, тепло ему на свете!» – эту реплику можно считать лейтмотивом образа, созданного Глебом Подгородинским в 2000 году. Именно несогретость, поиск тепла и смысла гонят его прочь.

Спектакль идет с аншлагами уже 16 лет. Конечно, со дня премьеры многое изменилось. Появление на сцене сегодняшнего Чацкого – это возвращение человека, который многое повидал, от чего-то отказался, пережил разочарование. Все его мысли, чувства, поступки продиктованы желанием осуществить мечту, обрести в своей жизни якорь. Шарф, который раньше был небрежно и смешно обмотан вокруг юной мальчишеской шеи, теперь лежит на плечах, словно опуская их вниз, концы свободно свисают. Вспоминается из чеховской «Чайки»: «Жизнь свою я тащу волоком, как бесконечный шлейф». Герой немного усталый, но все равно предельно искренний и любящий. Уже не влюбленный, а любящий. Подгородинский по-прежнему играет искренность, легкую неуверенность, но сейчас она окрашена грустной улыбкой от пришедшего понимания жизни. Уже видна история героя, появляется внутренняя наполненность и глубина. У сегодняшнего Чацкого есть прошлое – у Чацкого 2000 года все еще впереди.

Приехав в дом, где когда-то был счастлив, увидев близких людей, он мгновенно переходил от смущения к радости – в нем словно заново оживали чувства и эмоции. Неожиданный отпор, полученный от Софьи (Ирина Леонова), заставлял Чацкого защищаться. Все его дальнейшее поведение диктовалось желанием сохранить себя, а не попытками унизить окружающих.

Когда артист умеет молчать на сцене – наблюдать за ним отдельное удовольствие: внимательный зритель может стать свидетелем скрытых переживаний и мыслей персонажа. В работе Подгородинского с этой точки зрения стоит отметить первое появление полковника Скалозуба (Виктор Низовой): Чацкий какое-то время держится в стороне, оценивает ситуацию, размышляя и готовясь к столкновению с грубой реальностью. Вторая сцена – с Репетиловым (Дмитрий Зеничев), который говорит без остановки, не ожидая реакции, весь во власти вдохновения. Герой Подгородинского не слушает приятеля. Видно, что его мысли где-то далеко, Репетилов здесь просто фон. Не собрания, не идеи тревожат Чацкого: он подводит итог своего пребывания в доме, который когда-то был ему почти родным. Он уже подходит к развязке, готов к ней.

«Для меня очень важно изменение артиста в долгих взаимоотношениях с персонажем, – говорит Василий Бочкарев. – Оно строится на полном взаимном доверии – ведь меняется сам актер, меняется и герой. Это очень важно. Персонаж остается обновленным, и всегда в состоянии подкинуть какую-то мысль, которая могла быть упущена во время первоначальных репетиций. Глеб постоянно находится в диалоге со своим героем. Он никогда не повторяет спектаклей, всегда есть момент импровизации, один из самых важных для исполнителя».

Финальный монолог Чацкого в исполнении Подгородинского становится не обличающим, красивым выходом заслуженного артиста перед публикой, как это часто бывает, а выстраданными, честными словами, в которых персонаж высказывает то, что чувствует в данный момент. Эта искренность сохраняется в Чацком Подгородинского на протяжении всего спектакля. И финальные слова «Карету мне, карету!» звучат как часть монолога, его логичное завершение, а не как реплика для аплодисментов. Актер начинает спокойно, в конце срываясь на крик, но это четко укладывается в образ: чаша терпения переполнена, наступила развязка, далее оставаться в доме Фамусова невыносимо…

Ольга Жевакина, партнерша Подгородинского по нескольким спектаклям, среди которых «Правда – хорошо, а счастье лучше», «Свадьба, свадьба, свадьба!» и «Дети Ванюшина», в «Горе от ума» играет Лизу: «Мне кажется, что комедии Глебу даются легче, но я обожаю наблюдать за ним в драматических ролях. Сыгранный им Чацкий – тонкая, большая работа. Взаимоотношений у наших персонажей не очень много, но всегда после того, как моя Лиза уходит со сцены, я остаюсь за кулисами, чтобы послушать финальный монолог Чацкого. Глеб передает в нем все – как прошел спектакль, каким получился... Глеб не перестает работать над ролью никогда, он – неуспокоенный артист. Для меня это очень важно – и в людях вообще, и в актерах особенно. Когда наступает успокоенность в профессии – можно считать, что артист закончился».

Сам Подгородинский так рассказывает о «Горе от ума»: «Большинство пьес приходят и уходят, а к этой все время возвращаешься. Роль Чацкого дает огромные возможности для артиста. Каждый раз я нахожу в тексте что-то новое. Удивительная глубина! Я снимаю один пласт, а под ним другой, снимаю его – и вижу следующий. И так до бесконечности».

За годы работы в Малом театре Глебу Подгородинскому посчастливилось соприкоснуться с серьезной драматургией. Это и Алексей Константинович Толстой (исторические пьесы «Царь Иоанн Грозный» и «Царь Борис»), и Максим Горький («Чудаки», «Дети солнца»), Сергей Найденов («Дети Ванюшина»), Август Стриндберг («Король Густав Васа») и, конечно же, Александр Николаевич Островский, без произведений которого невозможно представить репертуар Малого. Все эти и многие другие писатели сослужили Глебу хорошую службу, воспитав вкус к качественной, глубокой драматургии.

«В спектакле необходимы идея и смысл, он должен затрагивать эмоционально. Есть пьесы, которые вызывают отклик не потому, что это классика, а потому, что в них рассказывается о событиях, проблемах, чувствах, волнующих людей и сегодня».

Если в табели о рангах Малого театра первое место занимает Островский, то вторым автором, безусловно, является Антон Павлович Чехов. 2004 год, когда в России отмечалось 100 лет со дня смерти драматурга, был отмечен в Малом двумя премьерами: «Три сестры» поставил Юрий Соломин, «Свадьбу, свадьбу, свадьбу!» – Виталий Иванов. Подгородинский получил роли в обоих спектаклях. В первом ему достался Тузенбах, во втором – Ломов из водевиля «Предложение». И снова артисту повезло: он одновременно работает над совершенно разными характерами и жанрами.

В Тузенбахе была любовь, внутренний надлом, отчаянный поиск смысла жизни, воплотившегося для него в Ирине. И присущая всем работам Подгородинского искренность и умение артиста любя подшучивать над своими персонажами. Барон прекрасно понимает, что не очень популярен, в чем-то смешон, и, конечно же, проигрывает напористому Соленому (Виктор Низовой) или представительному Вершинину (Александр Ермаков). В то же время он очень хочет нравиться. И обществу, и лично Ирине. Это не хвастливые попытки обратить на себя внимание, а ненавязчивое, деликатное ухаживание. Подгородинский играет не Тузенбаха-военного, но Тузенбаха-аристократа.

«В «Горе от ума» мы с Юрием Мефодиевичем Соломиным партнеры, он играет Фамусова. На «Трех сестрах» я впервые встретился с Соломиным-режиссером. И как партнер, и как режиссер он удивительно тонко чувствует природу артиста, мягко и деликатно помогает в постижении образа».

Любовь Тузенбаха к Ирине (Варвара Андреева) становится в исполнении Подгородинского пусть придуманным, в чем-то внушенным себе, но центром его жизни. Он старается выстраивать на этом чувстве все свое существование: и выход в отставку, и отъезд на кирпичный завод, и возникшее желание «работать». Если семейство Прозоровых постоянно ищет какой-то эфемерный смысл жизни – и ничего не делает, ограничиваясь одними мечтами, то Тузенбах тихо, но верно двигается в нужном направлении. Пусть и он философствует, но его философия действенна. Это качество, подаренное Подгородинским своему герою, ставит Тузенбаха в центр спектакля.

На протяжении всего действия он пытается завоевать Ирину, и вроде бы в финале их ждут и свадьба, и отъезд на завод. Однако барон, как человек честный, не может до конца смириться с тем, что его счастье свершается не по обоюдному желанию. Предстоящая дуэль с Соленым лишь приближает объяснение с Ириной.

«Ты меня не любишь!» – «Это не в моей власти». Между двумя фразами наступает пауза. За считанные мгновения Подгородинский отыгрывает очень многое: здесь и страх услышать уже известную правду, и невысказанная мольба: «Обмани меня, это так важно сейчас!..» Тонко ведя линию своего героя, артист показывает в одночасье рухнувший мир. Теперь барон готов не просто к дуэли, а к гибели на ней.

Раскрывающий образы персонажей тонких, чутко отзывающихся на малейшее движение чувств и эмоций окружающих, Глеб Подгородинский – чеховский актер в полном смысле: он талантливо играет и драму, и комедию этого автора. Так, вслед за Тузенбахом артист исполнил роль Ломова в водевиле «Предложение». Здесь комический талант и природное чувство юмора Глеба раскрывается во всей своей искрометности и многогранности. Постановка, местами доходящая до фарса, дает артистам возможность похулиганить, выйдя за рамки реалистической игры.

Незадачливый жених в исполнении Подгородинского прекрасно существует внутри творящегося на сцене балагана: он серьезен и уверен в собственной правоте, несмотря на нелепость происходящего. Длинный, худой, нескладный Ломов за считанные минуты успевает прожить жизнь от эйфории торжественного жениховства до бесславного краха всех радужных надежд. Подгородинский задействует полный арсенал актерских приемов – аффектация в голосе, движениях, идущих вопреки костюму чеховской эпохи, – всё гармонично и оправдано шуточным сюжетом. Ломов хватается за сердце, отнявшуюся ногу, слабеет коленями, падает в обморок, картинно возлежит на садовой скамейке, – каждое из этих состояний выражено предельно точно. Глядя на героя, легко представить, каково будет житье бедолаги, когда из жениха он превратится в мужа-подкаблучника.

Наталью Степановну Чубукову, к которой и сватается персонаж Подгородинского, играет Ольга Жевакина:

«Хотя «Предложение» идет уже более 10 лет, мы до сих пор не расходимся после поклонов: обсуждаем, разбираем спектакль, вспоминаем, что и как играли. Быть в постоянном диалоге со своим партнером – бесценный опыт. А Глеб для меня – партнер идеальный. Здесь даже слово «хороший» не подходит. Идеальный – и всё!»

Малый часто называют Домом Островского – произведения этого автора органично вплетены в историю театра. Практически каждый в прославленной труппе участвовал в постановках по пьесам великого драматурга. Так, Глеб Подгородинский сыграл в спектаклях «Трудовой хлеб» (режиссер Александр Коршунов), «Правда – хорошо, а счастье лучше» (режиссер Сергей Женовач), «Дмитрий Самозванец и Василий Шуйский» (режиссер Владимир Драгунов), «Сердце не камень» (режиссер Владимир Драгунов), «Не все коту масленица» (режиссер Виталий Иванов).

Вышедшая в 2002 году «Правда – хорошо, а счастье лучше» стала второй после «Горя от ума» постановкой Сергея Женовача в Малом театре. Спектакль принес своим создателям, в том числе и Глебу, Государственную премию России.

Подгородинский сыграл Платона Зыбкина – правдолюба, честного человека, юного и ранимого, который противостоит купеческому самодурству и лицемерию. Критики называли его персонажа Чацким Замоскворечья, и это неудивительно, ведь сам Островский написал Платона и Поликсену как пародию на Чацкого и Софью.

К сожалению, довольно часто восприятие творчества этого драматурга у нас однобоко. Никто не обращает внимания, что даже в комедиях Островского с их обязательным счастливым финалом присутствует пресловутое «темное царство», гнет которого необходимо преодолеть, дабы получить минимальные радости жизни. И если в «Не все коту масленица» положительные герои одерживают победу легко, без особых усилий, то в «Правде хорошо» им уже приходится преодолевать силу более серьезную. Конечно, условное зло наказано, добро торжествует, влюбленные соединяются, но отметим один момент: на самом деле герой Подгородинского не добивается счастья, не достигает его благодаря своим убеждениям. И финал приобретает оттенок некоторой грусти: вот оно, счастье, вот – исполнение желаний, но… «Добро» не побеждает, «зло» осталось при своем. Кого-то наградили, кого-то наказали, но гарантий того, что конфликт себя исчерпал, никаких. В «Правде хорошо» прекрасно показано это противостояние, его бесконечное перетекание из формы в форму, его неисчерпаемость.

Подгородинский снимает всю комичность со своего персонажа: он действительно верит в то, о чем говорит. В Зыбкине есть та простота, которая основана не на простодушии и наивности, но на верности и преданности. Она вполне зрелая и осознанная. Это ощущение жизни, ее понимание. Платон ничего не пропагандирует, просто живет согласно своим убеждениям. Конечно, кого-то он смешит, кого-то обижает, а кого-то постепенно заинтересовывает. Но в том, чтобы добро одержало победу, его правда не играет почти никакой роли.

Все становится на свои места в финале спектакля, когда после радостной для большинства развязки и объявленной помолвки герои выстраиваются в хор и поют духовный стих «Кукушечка». Сама мелодия – распевная, полнозвучная – мгновенно «переворачивает» настроение. Зритель, конечно, срывается в аплодисменты с улыбкой на лице, но момент смены атмосферы, тишины в зале очень ценен в этом спектакле. Так же как ценен герой Подгородинского, растерянно выслушивающий известия о счастливых переменах. Как же так? Чем заслужил, он же ничего не сделал? Почему?.. Вырывающаяся у Платона фраза: «Вот она правда-то, бабушка! Она свое возьмет», – это не уверенность в своей правоте, а, скорее, попытка объяснить происходящее.

Кстати, если говорить об основных чертах творчества Островского, можно вспомнить, что в большинстве случаев имена и фамилии его героев несут в себе смысловую нагрузку, либо указывая на основную характеристику, либо на основную функцию персонажа. И Платон Зыбкин – не исключение. Имя позаимствовано у древнегреческого философа, основоположника идеализма. Фамилия отражает зыбкость, робость, хрупкость – и правды, и счастья, которым награждают всех в финале.

«Это одна из моих любимейших ролей. Артисты шли на репетиции, как на праздник, время летело незаметно. Мы много шутили, смеялись. Работа над пьесой превратилась в веселую игру, в которой принимал участие каждый, включая режиссера. У нас сложилась отличная команда. Игровое начало, которое возникло на репетициях, присутствует и сейчас. Идет постоянное внутреннее обновление, и мы все в нем участвуем».

Актерская работа Подгородинского в этом спектакле очень выразительна, особенно запоминается финал первого действия. Вскочив на скамью, Платон что-то увлеченно доказывает, но окружающие расходятся, и он остается один. Неуклюже спускается, садится спиной к залу… Поникшие плечи лучше всяких слов демонстрируют состояние героя.

Неудивительно, что «Правда – хорошо, а счастье лучше» идет на протяжении стольких лет: с течением времени она лишь набирает актуальность. Формула честной жизни, высказанная Островским устами Платона, выражена всего в двух фразах: «…если он живет по правде, как следует, хорошо, честно, благородно, делает свое дело себе и другим на пользу – вот он и патриот своего отечества. А кто проживает только готовое, ума и образования не понимает; действует только по своему невежеству, с обидой и с насмешкой над человечеством, и только себе на потеху, тот мерзавец своей жизни».

Глеб Подгородинский – актер, которому требуется тесное взаимодействие с режиссером, совместный творческий процесс. А для этого не подходит ни режиссер слишком мягкий, ни тиран, который бы не оставил никакого личного актерского движения внутри роли, пространства для импровизации.

Поэтому в числе основных творческих удач Подгородинского – постановки Сергея Женовача: «Горе от ума» и «Правда – хорошо...» сыграли заметную роль в биографии артиста. Третьей совместной работой с Женовачем стал «Мнимый больной» Ж.Б.Мольера. Действие в этом спектакле выстроено вокруг центрального персонажа, Аргана, которого играет Василий Бочкарев. Все остальные исполнители работают по принципу ансамбля. Глебу досталась роль Клеанта, возлюбленного дочери Аргана. Здесь показательным является умение артиста держать ансамбль, работая на общий результат. Точно выверенная кутерьма, царящая на сцене, держит зрительское внимание, позволяя истории Мольера стать подлинным украшением афиши Дома Островского.

«Малый театр – один из немногих, где осталась связь с поколениями великих. Сейчас кругом эти ниточки рвутся, очень многое меняется. Но Юрию Мефодьевичу Соломину удается сохранять традиции. В театре действительно необыкновенная аура. Бывает, артисты из других городов, когда выходят на наши подмостки, начинают плакать. На Фестивале Островского некоторые актеры из провинциальных театров целовали сцену. Потому что в Малом – история, особый дух, который не дает расслабиться, здесь определенный уровень культуры. И, конечно, мы все ощущаем большую ответственность».

Эта ответственность, ее полное осознание стало той базой, на которой артист Глеб Подгородинский выстраивает свое актерское существование. Костюмные персонажи, комедии, драмы – все основано на ощущении школы Малого театра, его истории, но в каждой из своих работ Глеб сохраняет собственную индивидуальность. Подгородинский, несомненно, артист классического репертуара. Однако его манера игры несколько отличается от сценического реализма школы Малого театра. Беря его за основу, Подгородинский создает собственный актерский язык: это бОльшая воздушность и легкость образа, зрелая простота и эмоциональная наполненность.

В результате он становится желанным гостем и на других сценических площадках. Кроме участия в антрепризе Саркисова, многолетнее сотрудничество связывало Глеба с Центром драматургии и режиссуры под руководством Алексея Казанцева и Михаила Рощина. В 2005 году давняя дружба с Казанцевым вылилась в совместную работу «Смерть Тарелкина» А.В.Сухово-Кобылина, где Подгородинскому досталась двойная роль Тарелкина-Копылова. Критики поражались той самоотверженности, с которой артист «отбрасывал» свое обаяние, свою непобедимую юность, и, привыкший к сочувствию, вызывал у публики отвращение.

«Новая «степень свободы», преображение в роли, которая вряд ли пришла бы ему на ум; извлечение таких актерских ресурсов, о которых сам он едва ли подозревал. Ему, нежному любимцу Москвы, предстояло изобразить монстра», – писала Татьяна Шах-Азизова.

Театральный критик Александр Соколянский высоко оценил эту работу: «Играя мелкотравчатого и злополучного негодяя, крайнее воплощение человеческой нечисти, Подгородинский оказался виртуозом мелкого психологического жеста. Главное качество его игры – беглость выражений лица и звучаний голоса; ею можно восхищаться, как восхищаемся мы беспромашной беглостью пальцев пианиста. Как щурится, жмурится, скалится, ухмыляется Тарелкин-Подгородинский, читая самому себе надгробное слово, гораздо труднее описать, чем рассмотреть. Психологический портрет меняется с необыкновенной быстротою, но в каждую секунду он остается четким и ясным».

В 2006 году в ЦДР вышли «Героические деяния и речения доблестных Пантагрюэля и Панурга» по роману «Гаргантюа и Пантагрюэль». Перенести на сцену текст Франсуа Рабле с его чрезмерностью, фантасмагоричностью, незаменимостью каждого слова, где всё на грани, а порой и за гранью, где всё эпатаж, предстояло ученику Сергея Женовача Олегу Юмову и двум молодым артистам – Глебу Подгородинскому и Алексею Дубровскому.

…Мальчики начинают игру. Начинают с шахмат, а потом играют во все, что попадается под руку. Трюки, гэги, апарты в зал, словно вместе со зрителем они договорились верить в задорный обман, и длить его, и раздувать, и считать чистой правдой. На сцене царит калейдоскоп из образов и ситуаций, которые разыгрывают всего два актера.

По словам театрального критика Ирины Алпатовой, «Подгородинскому досталась роль-мечта – артиста-трансформатора, меняющего облики и характеры, как перчатки». К тому же, поиграть в традициях площадного театра Глебу ранее не доводилось. Воспитанник «школы переживания», он блистательно изобразил технику «представления».

«Я обожаю характерные роли и считаю себя характерным артистом. В Рабле я получал огромное удовольствие от возможности выйти за привычные рамки. Я играю и Понтагрюэля, и Сивиллу-старуху с гноящимися глазами, и Философа, и Лекаря, и Богослова, и Звездочета – все разные, и все со своими определенными чертами».

Когда артист исполняет известных авторов, рано или поздно они сами его «находят». Так случилось у Глеба с Ф.М.Достоевским. Актерская судьба, начинавшаяся в 1994 году с антрепризных «Братьев Карамазовых», в 2013-м продолжилась на подмостках Малого – в спектакле Антона Яковлева «Село Степанчиково и его обитатели» Подгородинский сыграл Ивана Ивановича Мизинчикова. В этой роли он снова балансирует на грани драмы и фарса.

В 2007 году Малый театр выпускает спектакль «Дмитрий Самозванец и Василий Шуйский» в постановке Владимира Драгунова. Эта историческая хроника А.Н.Островского является своего рода продолжением «Царя Бориса» А.К.Толстого, повествуя о событиях, происходящих после восшествия на трон первого Лжедмитрия. Спектакль посвящен противостоянию двух персонажей – Дмитрия Самозванца, которого воплотил на сцене Глеб Подгородинский, и боярина Василия Шуйского в исполнении Бориса Невзорова.

По словам театроведа Ольги Егошиной, Подгородинский создает образ Самозванца «с польским изяществом и русским отчаянием». Лжедмитрий привлекателен как личность: он молод, хорош собой, чувствителен, ему не чужды мужские страсти – он жаждет жениться на Марине Мнишек, одновременно добиваясь расположения опальной Ксении Годуновой. И даже если он и сомневается в своем происхождении, то, по крайней мере, преисполнен самого благородного пыла в стремлении мудро управлять государством.

Очень точно эту работу Глеба охарактеризовала театральный критик Екатерина Рябова: «В одной из сцен боярин Шуйский говорит о том, что ложь выросла в трехглавого змея. Именно из этой метафоры и выводит Подгородинский своего героя. Он антихрист, но он же и новый умный политик, и он же влюбленный в Марину Мнишек недавний холоп. Для каждой из трех голов придуманы своя пластика, особый голос и душевные движения. Вот он выступает перед боярами: говорит чуть гнусаво, с хрипотцой; вот он страстно убеждает царицу Марфу (Татьяна Лебедева) признать в нем сына – один в один Ричард III, который соблазняет над могилой убитого им же короля его вдову. Вот он, наконец, антихрист, змеем изогнувшийся в сером польском камзоле на троне русских царей».

Следующая встреча Подгородинского с творчеством Островского состоялась в 2015 году, когда В.Драгунов поставил пьесу «Сердце не камень». Работа в этой постановке наиболее ярко раскрыла то, что, не отказываясь от собственной индивидуальности, артист может выйти за рамки своего амплуа. Константин Лукич Каркунов – персонаж, несомненно, отрицательный, что уже выводит Подгородинского из привычной зоны комфорта: почти все сыгранные им герои могли быть и легкомысленными, и преследовать личные цели, но вызывали в публике скорее понимание и сочувствие, нежели осуждение.

Образ Константина Каркунова выстроен по основной схеме, характеризующей актерскую игру Подгородинского: ироничная подача персонажа в начале, вызывающая несерьезное отношение к нему, и постепенное развитие, углубление на протяжении действия. За такими работами интереснее наблюдать: герои добавляют сюжету интриги, есть возможность открыть в них что-то неожиданное. Это придает новых красок всем без исключения постановкам с участием Глеба Подгородинского.

Вот и в «Сердце не камень» мы видим человека, на первый взгляд недалекого, нервного, пьяницу, постоянно нюхающего какой-то порошок, и от этого еще более издерганного. Дорогие перстни на пальцах, хороший костюм – герой становится типичным представителем «золотой молодежи». Он вьюном вертится вокруг богатого дяди, пытаясь повлиять на его решение о завещании. И перед нами не более чем озабоченный охотник за наследством. Если вы не знаете пьесу, даже не будете рассматривать Константина Лукича как одного из главных героев. Однако в дальнейшем становится ясно, что интриги, которые этот персонаж плетет вокруг дяди и его жены, являются основной движущей силой сюжета. Козни изобличены, Константин посрамлен, изгнан из дома, унижен, – от куража, предчувствия близкой удачи, артист переходит к отчаянному непониманию: как мог сорваться настолько хорошо продуманный план?.. Здесь раскрывается удивительная актерская мобильность Глеба Подгородинского: метаморфоза происходит в один миг. Меняется взгляд, пластика, голос.

Актеру прекрасно удаются перемены в эмоциях и чувствах: зритель видит все, что чувствует персонаж, делается это глубоко и изящно. В образе нет перегруженности – Подгородинский работает тонкой кистью, несколькими штрихами намечая то единственное, что важно в данный момент в его герое. В особенно динамичные моменты актер выдает максимум содержания за считанные мгновения, и даже паузы в его исполнении наполнены четким смыслом.

Потапа Потапыча Каркунова, за чьим наследством охотится ушлый племянник, играет Василий Бочкарев: «Перед спектаклем «Сердце не камень» я знаю, что увижу, выходя на сцену: Глеб уже за кулисами начинает пританцовывать, он уже в роли. И в этом есть профессионально-творческое уважение – Глеб предлагает мне определенный карнавальный ход. Присутствующее в нем игровое начало распространяется неким флёром на всех окружающих. Поэтому, когда я вижу на распределении, что попал с Глебом в один спектакль, я считаю, что выиграл партнера. Как в театре говорят: «мало выиграть роль, надо выиграть партнера»».

В 2016 году Подгородинскому досталась роль Ипполита в комедии Островского «Не все коту масленица». Еще один персонаж, у которого сложные отношения с собственным дядей, но в отличие от Константина Каркунова, абсолютно положительный. Робкий, живущий в постоянном унижении бедный приказчик под влиянием любви обретает уверенность в себе и способность отстаивать свои права. Отчасти Ипполит напоминает Платона Зыбкина, только с куда меньшим социальным подтекстом. Сам же спектакль просто идеален в качестве зарисовки сцен московского купеческого быта. Он словно сошел с картин Кустодиева – настолько ярки в нем краски и характеры персонажей.

Интересный факт: вопреки тому, что, как отмечает сам Глеб, он актер «не поющий», многих его персонажей сопровождает музыка. Это может быть пародия, как «лирический» дуэт Клеанта с Анжеликой, или легкомысленная песенка, которую напевают в «Сердце не камень». Игра Тузенбаха на рояле становится фоном для действия в «Трех сестрах», а душещипательный романс в исполнении пьяного Ипполита воспринимается как отдельный яркий номер. Павла Грунцова, первого в репертуаре Глеба героя Островского, мы видим с балалайкой в руках на протяжении всего спектакля «Трудовой хлеб». Кстати, для своего дебютного фильма «Мама», где Подгородинский играет сына Нонны Мордюковой, артист освоил игру на трубе. Подобные режиссерские решения и назначения на роли в чем-то подсознательные. Чувствуется в этом исполнителе нечто тонкое, деликатное, что хочется выразить в его героях через музыку.

Почему, посмотрев спектакль, зрители запомнят Глеба Подгородинского? Потому что в драме он поможет улыбнуться, а в комедии – задуматься о серьезном. Причем перемена настроений произойдет так быстро и гармонично, что будет почти незаметна. В этом немалую роль играет актерский темперамент, обаяние, которое не может не действовать на публику.

У любого артиста существуют отличительные черты, которые присущи в той или иной мере каждому из его героев. Они-то и делают исполнителя узнаваемым, создают неповторимый стиль. Для Подгородинского характерны динамичность и порывистость в комедии, глубина, тонкость, лиричность в драме. Зрители видят перед собой персонажей, на которых нельзя не откликнуться. Перед ними – сила личного актерского творчества, со-творение роли, ее развитие и углубление. Словно, примерив костюм, предложенный режиссером, артист «подгоняет его под себя», дополняя аксессуарами и деталями. Подобный процесс основывается, прежде всего, на эмоциональной подвижности и чувствовании.

Именно эти качества присущи и героям Глеба Подгородинского: Платон Зыбкин чувствует правду, а не приходит к ней путем сложных умозаключений, Чацкий и Тузенбах через разочарование в любви обретают понимание жизни, и даже персонажи комедий в исполнении Подгородинского действуют, скорее, по велению сердца, доверяя ему больше, чем долгим рассуждениям.

«У Александра Ивановича Южина есть заметка о том, что такое традиция Малого театра, – говорит Василий Бочкарев. – Вот, цитирую: «Традиция Малого театра заключается в требовании жизненной правды, внутренней силы, творческой оригинальности исполнения и вечного движения вперед». И еще: «Жизнь на сцене должна заслонять личную жизнь актера», «реализация замысла духом и телом». И что меня особенно вдохновляет: «Создание в репетируемом и уже идущем спектакле подлинного коллективного творчества». Все это я могу отнести к Глебу Подгородинскому. Я помню, как в своей первой роли (Леон в «Преступной матери, или Втором Тартюфе») он был растерянным, на деревянных ногах, не знающим, за что ухватиться, а сейчас – какое мастерство и класс! Подобного не было бы без ученичества, без поиска».

Сложно выделить какую-то одну роль Подгородинского, чтобы назвать ее лучшей. Каждый из его героев воплощен по-своему интересно и гармонично. Глебу удалось главное: он нашел свое место в театре. Наверное, в этом и заключается свобода актера? Быть в своем театре, играть своих героев, искать совершенства там, где ты есть. Продумывать роль второго плана с той же глубиной, что и центральную. Никогда не экономить на содержании при наличии интересной формы. И в Малом театре еще не раз появятся спектакли, в которых будет мастерски играть заслуженный артист России Глеб Подгородинский.

Наталья Сажина

3 апреля исполняется 50 лет народному артисту России Глебу Валерьевичу Подгородинскому. Сердечно поздравляем Глеба Валерьевича с юбилеем и желаем ему крепкого здоровья, благополучия, неиссякаемого вдохновения и моря аплодисментов!

К нашим поздравлениям присоединяется и коллектив ЦДА им. А.А.Яблочкиной

Дорогой Глеб Валерьевич!
Примите от коллектива Дома актёра сердечные поздравления с юбилеем!

Талантливый, востребованный в профессии актёр, обладающий сценическим обаянием и неиссякаемой энергией, Вы создали десятки разноплановых, запоминающихся образов, воплощённых на театральной сцене и в кинематографе. В каждого своего героя Вы вложили частицу души. Желаем Вам здоровья, радости творчества, хорошего настроения и удачи во всех Ваших начинаниях!

Счастья и благополучия Вам и Вашим близким!
Двери нашего Дома всегда открыты для Вас!

С уважением,
Директор ЦДА
Золотовицкий И.Я.
03.04.22

1 апреля указом Президента России В.В.Путина за большие заслуги в развитии театрального и кинематографического искусства звание народный артист России присвоено артисту Малого театра Глебу Подгородинскому! От души поздравляем Глебу Валерьевича с этим знаменательным событием и желаем крепкого здоровья и новых успехов в творчестве!

От души поздравляем заслуженного артиста России Глеба Валерьевича Подгородинского с присуждением Премии города Москвы в области литературы и искусства за исполнение главных ролей в спектаклях "Тартюф", "Игроки" и "Варвары"! Желаем крепкого здоровья, творческих сил, неиссякаемого вдохновения и несмолкаемых зрительских оваций!

Спустя почти 120 лет Малый театр снова решил провести «Месяц в деревне». Спектакль стал режиссерским дебютом одного из ведущих актеров труппы - Глеба Подгородинского.

Тютчевское «Нам не дано предугадать...» в полной мере можно отнести к самой знаменитой пьесе Тургенева. Сам автор считал «Месяц в деревне» несценичным. Современники, в большинстве своем, были с ним солидарны. Первую постановку пьесы отделяло от даты публикации почти два десятилетия: в 1872 году для своего бенефиса в Малом театре ее выбрала прекрасная русская актриса Екатерина Васильева. Впрочем, в XIX веке яркой сценической истории пьеса не имела. Зато в следующем столетии ее шествие по отечественным подмосткам можно назвать триумфальным. В начале века в ней блистали Мария Савина в Александринском, Ольга Книппер-Чехова в Московском Художественном и Мария Ермолова в Малом. Впоследствии в разные годы «Месяц в деревне» ставили Екатерина Еланская в Театре им. М.Н. Ермоловой, Анатолий Эфрос на Малой Бронной, Сергей Женовач в Мастерской Петра Фоменко, Анатолий Праудин в БДТ, Юрий Бутусов в Театре им. Ленсовета.

Глеб Погородинский выбрал для режиссерского дебюта пьесу с весьма и весьма солидным «провенансом». И, судя по всему, это только подхлестнуло азарт постановщика. Сегодня только в Москве «Месяц в деревне», помимо Малого, идет еще в трех театрах - Новом драматическом, им. Моссовета и МХТ им. А.П. Чехова, где несколькими месяцами раньше выпустил премьеру Егор Перегудов. Могла бы и в четырех, но Константин Богомолов, похоже, от этой идеи отказался. Тому, что она посетила таких разных режиссеров в одно и то же время - во время самоизоляции - удивляться, по правде говоря, не приходится. Запертый наедине с самим собой, вырванный из привычного ритма жизни, отделенный от внешнего мира страшной и малопонятной напастью, человек, особенно человек творческий, очень остро ощущает нехватку сильных чувств и подлинных переживаний. Для Подгородинского со товарищи так называемый застольный период по факту оказался «за-зумным». Суждено ли их работе превратиться в репертуарный спектакль, ни режиссер, ни увлеченные его замыслом актеры тогда не думали - погружение в тургеневские «кружева» служило для них прекрасным лекарством от коронавирусной тоски.

Режиссер внимателен к драматургу в лучших традициях Малого театра. И дело не только в том, что сохранены все «малозначимые» для развития сюжета персонажи, вроде маменьки Ислаева и немца-гувернера Шаафа (акварельной чистоты работа Алёны Охлупиной и Василия Дахненко), за исключением Коли, который присутствует незримо, но слышимо - звуками, извлекаемыми из фортепиано. Постановщик отдает себе отчет в том, что у такого мастера, как Тургенев, нет и не может быть «лишних» действующих лиц. Более того, для него принципиально важно, что это месяц именно в деревне, а не просто где-то там, на лоне природы. Чувствуется, что деревенская атмосфера ему не просто хорошо знакома, он любит и понимает ее. Отсюда эти слегка облупленные деревянные стены уютного господского дома, легчайшие кисейные занавески, колеблемые проказливым летним ветерком, прозрачные беседки с удобными креслами. Сценография Марии Рыбасовой, костюмы Любови Скорнецкой и световая партитура Андрея Изотова такой же тончайшей кружевной выделки, как и материализованная ими тургеневская пьеса.

Место действия пьесы судьбоносно для персонажей - человек в деревне не тот, что в городе. В спектакле Перегудова это некое абстрактно-инфернальное, наполненное хтоническим мраком пространство, в котором блуждают неприкаянные человеческие существа. У Подгородинского - упорядоченный, с любовью обустроенный мир, живущий по своим, раз и навсегда установленным законам и оттого драма тургеневских героев, всех вместе и каждого в отдельности, воспринимается острее. В безвоздушной водно-сенной бездне, какую нам представляют в спектакле МХТ, хаос в душах персонажей выглядит всего лишь закономерным и естественным продолжением хаоса, царящего в окружающем их мире. И это уже само по себе снимает с них груз ответственности: они вроде как и не виноваты в том, что с ними происходит, просто не в силах противостоять разбушевавшейся стихии, как не может соломинка устоять перед ливнем. Но жертвы слепого рока, сродни античному, Глебу Подгородинскому в данном случае не интересны. Его задача - выявить меру ответственности каждого персонажа за то, что он творит с собой и с дорогими ему людьми.

Так сложилось, что «актерскую» режиссуру в профессиональной среде принято встречать скептически, в лучшем случае - настороженно. Особенно, когда речь идет о дебюте, а до «Месяца в деревне» Подгородинский поставил только дипломный спектакль со своими студентами в Щепкинском училище («Жестокие игры» Алексея Арбузова). Между тем, не раз случалось, что пришедший в режиссуру актер оказывался более чуток и внимателен к своим коллегам. Подгородинский делает ставку не на технические эффекты, с которыми артисту в театре тягаться все труднее, а на талант индивидуальности, и потому актеры становятся единомышленниками драматурга и режиссера в исследовании природы чувств своих персонажей.

Аркадий Ислаев (Михаил Фоменко) только на первый взгляд выглядит эдаким тюфяком. На самом деле это натура достаточно сильная и собранная, но проявляется это только в делах практических. А в чувствах к жене он теряется, смущается, как гимназист, потому что любит ее - ослепительную, холодную и надменную - как умеет: бесхитростно и просто, и оттого больше всего на свете боится выглядеть в ее глазах «мужланом». В чем Наталье Петровне (Полина Долинская) точно не откажешь, так это в умении пленять и покорять всякого, кто попадает в ее орбиту. Причем она способна пробуждать обожание самых разных оттенков. В муже - собачью преданность. В Ракитине (Александр Дривень) - преданность возвышенную, рыцарски-романтическую. В его чувстве к жене друга нет ничего от грязи банального адюльтера. Михаил Александрович возвел эту женщину на пьедестал Прекрасной дамы. Служение ей придает смысл жизни, которая кажется Ракитину слишком пресной без высоких чувств. В обыденности ему душно даже на вольном деревенском воздухе.

Зато доктор Шпигельский (Дмитрий Марин) и Лизавета Богдановна (Мария Дунаевская) чувствуют себя в обыденности, как рыбы в воде. Эта комичная пара - само воплощенное здравомыслие, над которым и впрямь не грех иногда посмеяться. И, кстати, кто из них практичнее - большой вопрос. Не исключено, что после свадьбы расклад сил в этом тандеме переменится, да так, что досточтимый доктор и охнуть не успеет. Еще один гротесковый дуэт - Матвей (Владимир Алексеев) и Катя (Мария Кривенцева) - эдакие Пьеро и Коломбина на русский манер. И здесь тоже понятно, кто кем вертеть будет.

Дарье Шевчук, играющей Верочку, досталась очень сложная задача - перевоплотиться в подлинно тургеневскую девушку так, чтобы быть убедительной для сегодняшнего зрителя, весьма скептичного в отношении всяческих трепетных воздушностей. Времена нынче не те. Молодым актрисам, не имеющим должного жизненного и сценического опыта, это далеко не всегда по силам, но у Дарьи Шевчук, похоже, получилось. В сцене «прозрения» Верочку зачастую из наивной простушки превращают в юную фурию, но режиссеру и актрисе удалось сохранить чистоту и искренность этой истинно тургеневской героини.

Студент Беляев (Максим Филатов), как и Верочка, молод, достаточно наивен, но умеет радоваться жизни - она ему еще не прискучила. Он просто живет, не требуя от судьбы слишком много, но умея быть благодарным ей за все, что она ему преподносит. Вот ягоды в лукошке спелые - как же вкусно! А вот змей в небесах парит - как же здорово! Это жизнелюбие, открытость миру и пленила холодную, сдержанную Наталью Петровну. Похоже, она увидела в Алексее Николаевиче себя, какой она была когда-то - до замужества (без любви), до материнства (без всепоглощающей привязанности к ребенку). И ей просто захотелось вернуться к себе той, далекой и недостижимой. Обычно Наталью Петровну преподносят как женщину, в которой внезапно проснулось дремавшее до сей поры женское естество: мол, уже под тридцать, молодость уходит, а настоящей любви так и не изведала. Ну, что ж, для нашего озабоченного сексом и поклоняющегося «вечной» молодости века, это естественно. Но Иван Сергеевич, похоже, все-таки писал не об этом.

Наталья Петровна потеряла саму себя. Как и почему - можно только догадываться. Полина Долинская, позволяя зрителю заглянуть в душу своей героини, дает основания думать, что некий эмоциональный опыт оказался для юной Наташи слишком тяжелым, и она - натура гордая и самолюбивая - предпочла более не обжигаться. Не только на молоке, но и на воде. И ее вполне устраивала эта размеренная, не лишенная приятности жизнь. Устраивали преданные мужчины, поклонение которых льстило ее самолюбию. Все устраивало. Но давно уже не радовало. И уж тем более - не делало счастливой. А ей, видя этих счастливых своей юностью и своим житейским неведением детей - Верочку и Беляева - тоже захотелось быть такой радостной, беззаботной и... счастливой. Вот только счастье не удержишь на веревочке, как легкокрылого бумажного змея, рвущегося в облака...

«Месяц в деревне» Малого театра получился очень светлым, и несмотря на весь драматизм, очень радостным. И совершенно... «несовременным» в самом высоком, самом позитивном значении этого неоднозначного понятия.

Пешкова Виктория, Страстной бульвар, 10

22 мая в спектакле "Месяц в деревне" И.С.Тургенева роль Ракитина первый раз сыграл заслуженный артист России Глеб Подгородинский. Поздравляем и желаем новых творческих успехов!