Малый театр вернулся к своему хиту — пьесе Александра Островского «Без вины виноватые». Здесь ее не ставили много лет — и вот показали прочтение начала XXI века. Классическое, не испытанное радикальными приемами. Разве что другой актерской школой: на главную роль — актрисы Кручининой — приглашена известная вахтанговка Лидия Вележева. С премьерного показа — обозреватель «МК».

Этот шедевр в Доме Островского имеет давнюю историю: впервые «Без вины виноватые» сыграли через год после написания автором пьесы — в 1884 году, как бенефис актрисы Надежды Никулиной, выступившей в роли интриганки Коринкиной. Затем была постановка в 1908-м, где Кручинину играла Мария Ермолова, блистали артисты Рыжова, Рыжов, Ленский. А после революции, в 1930 году, уже студия Малого театра обратилась к пьесе, выведя на сцену своих будущих звезд — Пашенную, Гоголеву, Царева, Вечеслова, Ильинского… И потом на протяжении десятилетий не было в стране театра, который бы обошел своим вниманием эту удивительную мелодраму. В ней, как в античном театре, сошлись и трагедия, и комедия, а также знание самого театра и актерской психологии.

Свой спектакль мастер режиссуры Владимир Бейлис начинает как в немом кино: в синем, несколько нереальном свете на поворотном круге возникает гримуборная с зеркалами, костюмами на манекенах, париками на болванках. Фигура высокой, статной женщины в длинном, в пол, платье, как будто сошедшей с портрета Ермоловой, проходит вдоль павильона, останавливается и смотрит в глубину, где распахнута дверь, за которой пространство залито ярким, но холодным светом. Что там — огни рампы? Губительная бездна?..

Культура производства Малого театра на высоте: декорация представляет собой вращающийся павильон (художник Виктор Герасименко), при очередном повороте которого открывается новый интерьер — бытовой ли, очень скромный в первом акте и роскошный во втором, театральный ли, причем только со стороны кулис. Сначала — из прошлой жизни барышни Любы Отрадиной, не помышлявшей об артистической карьере, а затем — актрисы Елены Ивановны Кручининой, в девичестве как раз Отрадиной.

И самая первая сцена после пролога разыграна четырьмя молодыми артистами так, что сразу становится понятно: это школа Малого театра, а никакая другая. Такая милая, в подробностях, старина, но она — не синоним старомодности. Горничная Аннушка (А. Горячева) суетливо хлопочет вокруг своей барышни Отрадиной (А. Осипова, студентка Щепкинского училища), и все-то в комнате этой славно, ничто не предвещает беды, вот только с зеркалами, занимающими часть стен с красивой обивкой, что-то не то: они в трещинах все, какой бы поворот ни делал павильон. Так и жизнь Любы Отрадиной в один день не то что треснет, а перевернется и как будто кончится.

Воистину античный сюжет: мать потеряет малолетнего сына, не будет знать, где он похоронен, от отчаяния найти могилку ребенка переменит судьбу, поступив на сцену и переменив одну говорящую фамилию (Отрадина) на еще более говорящую (Кручинина), добьется славы. И… все же обретет сына. А фраза: «Так выпьем за матерей, которые бросают своих детей!» — давно стала крылатой. Как и та, что любят повторять даже не актеры: «Мы актеры, наше место в буфете». Во всяком случае, премьерная публика отозвалась на нее дружными аплодисментами.

Вторая часть первого акта и практически весь второй акт отданы театру. Островский, прекрасно знавший закулисную сущность с ее мелким тщеславием, амбициями, с жертвами во имя, взлетами, успехом и головокружительными падениями, написал замечательные роли служителей Мельпомены, к тому же провинциальных. Величие и благородство театра представлено у него в лице приезжей знаменитости Кручининой, которой противостоит сомнительная изнанка театра в лице интриганки Коринкиной (П. Долинская) и бесхарактерного первого любовника Миловзорова (А. Вершинин), использовавших против Кручининой в качестве «инструмента» безродного неудачника Гришку Незнамова (М. Путинцев) и запойного Шмагу (В. Дубровский) на амплуа комика-простака.

На трагическом и комическом полюсах в спектакле замечательно существуют Лидия Вележева в роли Кручининой и Владимир Дубровский в роли Шмаги. Кстати, Вележева в свое время у себя в Вахтанговском играла в одноименной постановке Петра Фоменко Отрадину. Теперь на сцене Малого она — Кручинина. Сдержанная, с достоинством знаменитости и затаенной глубинной болью, которую никому не показывает, но она предательски прорывается у актрисы в невольном жесте, в пластике. Первая встреча Кручининой с Незнамовым и Шмагой, пришедшими к заезжей знаменитости качать права во взвинченном, подогретом алкоголем состоянии, построена как комическая, но актриса находит в ней свою особую интонацию. Сразу вспомнилась ее Настасья Филипповна в сериале «Идиот», хотя Кручинина у нее совсем другая, но глубокий голос, пронзительный взгляд темных, как опасный омут, глаз… Вележева большая трагическая актриса, вписавшаяся в ансамбль Малого.

Шмага у Дубровского — потешный злобноватый клоун, почти что Пеннивайз из «Оно», только без грима и не душегуб. Знает, как подавать текст, чтобы сделать из него репризу и уйти на аплодисментах. Показательный контраст для своего юного, безродного и страдающего, точно ребенок, друга Незнамова. Дубровский четко выдерживает жанр.

Марина Райкина, «МК», 05.03.2025

Кто устал от новомодных интерпретаций классики, пусть смело идёт сюда: получит удовольствие.

В новом спектакле Владимира Бейлиса «Без вины виноватые» - никакого трюкачества, здесь по-честному сделанные психологические актерские работы, роскошные декорации (художник Виктор Герасименко), немало юмора. Однако старомодным этот спектакль не назовешь.

Странно, что сам Островский назвал эту пьесу комедией, хотя современники отзывались о ней так: даже самые жестокосердные зрители не могли сдержать слез. Что же это за комедия, на которой публика плачет?

Думается, секрет определения «комедия» в том, что в основу пьесы положен избитый сюжет бедного «найденыша», которого спустя 17 лет мать узнает по медальону... Уже в XIX веке эту фабулу иначе как пародийную, обкатанную в тысячах историй, воспринимать было нельзя. Но - хорошо смеяться рассказчику. А каково тому, кто является персонажем?

Постановщики спектакля вслед за Островским используют эту двойную оптику, потому и герои спектакля получаются по-человечески убедительны в самых невероятных обстоятельствах. Вот юная и бескомпромиссная Люба Отрадина (Арина Осипова), вся растворенная в любви к своему милому - не видит, не хочет замечать его очевидной лжи. Вот Нил Стратоныч Дудукин (Андрей Чубченко) - меценат, готовый разбиться в лепешку ради счастья окунуться в театральное закулисье. Трогательный хитрован и алкоголик театральный комик Шмага (Владимир Дубровский), провинциальная прима-интриганка Коринкина (Полина Долинская), пафосный «герой-любовник» Миловзоров (Александр Вершинин). Вся эта актерская братия - нелепая и не очень счастливая - необыкновенно мила автору. Потому что «про театр»? Да, но не только.

Дерганый, истеричный, похожий на трудного подростка Незнамов (Максим Путинцев) цепляет и горячим темпераментом, и какой-то очень юной жаждой справедливости, и обостренным чувством собственного достоинства, то и дело, впрочем, попираемого жизненными обстоятельствами.

Владимир Бейлис признается, что у постановщиков была идея повторить сюжет Островского - пригласить известную актрису из другого театра на главную роль, чтобы возникла сама атмосфера произведения. А потому в спектакле образ Кручининой создаёт приглашенная прима - ведущая артистка Вахтанговского театра Лидия Вележева. Красивая, утончённая, убедительная в самых острых трагических сценах, она здесь и впрямь, как звезда, упавшая с неба. И её искренняя доброта к ближнему - не показная благотворительность, а сердечный порыв.

Пожалуй, именно в судьбах этих двоих стоит искать главную тему спектакля. Она - не про мелодраматическую фабулу нашедших друг друга мать и сына. И даже не про силу материнской любви. Она - про волшебную силу искусства. Ведь почему так хороши на сценах своих театров Кручинина и Незнамов? А страдали много. Увы, это так: искусство питается страданием. Только из своей души, из пережитого, можно вынуть то, что потом явится публике. Есть и обратный процесс: пережитые беды и горести преодолеваются только искусством. Оно сообщает нашим печалям иной регистр - возвышенный, утешающий.

Эта мысль, только по-иному явленная, звучит и в комических сценах спектакля. Вот Шмага на приеме у Дудукина жаждет похмелиться. А к столу гостей все не зовут и не зовут. Хоть на Луну вой! Он и воет, привлекая к этому незамысловатому актерскому этюду своих товарищей - Миловзорова и Незнамова. Казалось бы, глупость, ерунда! Но отчего-то всем троим становится от этой шалости легче... В спектакле немало таких режиссерских находок, не заявленных Островским.

И на вопрос Незнамова: «Мама, а где отец?» Кручинина отвечает: «Твой отец не стоит того, чтоб его искать... Нашим счастием мы с ним не поделимся. Зачем тебе отец?».

Какой прелестный открытый финал! Какой простор для дальнейших размышлений! В сущности, Незнамов, хоть и получает фамилию, состояние и любовь матери-звезды, останется безотцовщиной, что по меркам XIX века всё равно что незаконнорожденный. А по меркам XXI века эту семью сегодня назвали бы «психологическим инцестом», где властная мать всю свою любовь сосредоточивает исключительно на одном мужчине - своём сыне. Можно ли назвать это счастьем?

Ольга Штраус, «Российская газета», 26.02.2025

https://rg.ru/2025/02/26/princip-najdenysha.html?y...

О чём спектакль

Разбитая жизнь

К Любови Ивановне Отрадиной (Арина Осипова) приходит в гости её жених Григорий Львович Муров (Иван Трушин). Хоть он пока и в статусе жениха, но у пары уже есть ребёнок, которого где-то втайне нянчит кормилица. Любовь Ивановна между восторгами от встречи интересуется, когда же изменится её положение и они с Григорием Львовичем перестанут скрываться. Пока он мялся и подбирал слова, чтобы сообщить ей какую-то важную весть, в гости к Любови Ивановне явилась её давняя подруга по гимназии Таиса Ильинишна (Дарья Новосельцева). Жених при известии о её визите в страхе скрылся в соседней комнате, а недавно получившая наследство Таиса Ильинишна принялась хвастаться предстоящей свадьбой и подвенечным нарядом. Добрая Любовь Ивановна искренне разделяет энтузиазм подруги, пока неожиданно не выясняется, что та собирается замуж именно за её жениха. Поражённая этим известием как громом, Любовь Ивановна прогоняет Григория Львовича, а вскоре получает и известие о том, что её ребёнок умер.

Через много лет известная актриса Елена Ивановна Кручинина (Лидия Вележева) поражает публику и коллег по сцене своей гениальной игрой. В частных беседах она признаётся, что когда-то у неё умер младенец, а жених её предал. Гениальная актриса – и есть та самая Любовь Ивановна, когда-то сменившая имя. Вдруг случайно она узнаёт, что её ребёнок, скорее всего, выжил и был отдан на воспитание её женихом неизвестной семье. К ней приходит с букетом и восторгами перед её талантом ставший "важным лицом в губернии" тот самый Григорий Львович и получает гневный вопрос, где же её сын...

Впечатления

Гостья на чужой сцене

Сегодня повороты сюжета пьесы Александра Николаевича Островского выглядят как типичные элементы мыльной оперы: умерший оказывается живым, лучшая подруга похищает жениха, оказавшаяся на дне жизни девушка взлетает к её вершине, злодеи наказаны, плачущие утешились, а бедные разбогатели. Вероятно, во времена Островского и главная героиня – пережившая удары судьбы, но сумевшая воскреснуть к новой жизни одинокая женщина – тоже смотрелась не так архетипично, как сегодня, ведь в этом был новый для патриархального общества феминистский элемент, – как и новым было изображение положительной героини, юной девушки, которая рожает ребёнка вне брака. Поэтому авторы современной постановки сталкивались с опасностью создать намёк на что-то вторичное в свете бесконечно воспроизводящих друг друга многочисленных аналогичных сюжетов сериальной кинопродукции.
Но от того, что в этой истории собрано так много знакомых современному зрителю мотивов, как ни странно, её ценность не снизилась, а наоборот: вся она сосредоточена в языке пьесы и актёрской игре, лишний раз доказывая, что часто гораздо важнее не предмет обсуждения, а форма его подачи. Впрочем, предмет обсуждения не менее важен, о чём напоминает режиссёр-постановщик спектакля Владимир Бейлис:
"Вы видите, как сейчас в обществе относятся к семье, к матери, к отцу, какие жуткие случаи мы видим по телевидению. Что происходит у нас в обществе! Это тоже волновало нас, когда мы приступали к работе. Преданность матери, которая освещает весь этот спектакль любовью к сыну, – неужели сегодня это не волнует наших зрителей? Конечно, волнует".
Материнские чувства одинаково ярко удались как студентке Щепкинского училища Арине Осиповой, по щекам которой буквально струились потоки настоящих слёз, так и заслуженной артистке России Лидии Вележевой, которая не единожды довела до слёз своих зрителей.

Владимир Бейлис, режиссёр-постановщик: «Инициатором постановки был Юрий Мефодьевич Соломин, заразивший меня мечтой воплотить эту пьесу на сцене. На протяжении нескольких лет работы над текстом менялись подходы, но тема материнской любви, волновавшая тогда, осталась».

Спектакль, в котором затрагивается тема актёрской профессии, всегда содержит потенциал для самоиронии и одновременно становится своеобразным индикатором для тех, кто на сцене, насколько сильно они любят своё дело: как правило, чем искреннее это чувство, тем правдивее и смешнее может получиться. В этом смысле к блестящему ансамблю исполнителей ролей провинциальных артистов (Полина Долинская, Александр Вершинин, Владимир Дубровский, Максим Путинцев) добавился и вовсе оригинальный ход. Роль приехавшей выступать на чужой сцене артистки Кручининой на сцене Малого театра исполняет приглашённая в спектакль актриса Театра имени Евгения Вахтангова Лидия Вележева, тем самым доводя достоверность происходящего на сцене до максимально возможной степени. Поэтому искренний смех вызывали реплики, подобные той, которую адресовал – уже точно и не скажешь, кому, Кручининой или Вележевой – герой Владимира Дубровского Шмага: «Вы – знаменитость, вы получаете за спектакль чуть ли не половину сбора; а ещё неизвестно, от кого зависит успех пьесы и кто делает сборы, вы или мы. Так не мешало бы вам поделиться с товарищами».

В этом мастерски найденном способе стереть границы между театром и жизнью и состоит исключительность и во многом успех этого спектакля у публики.

Фишки

Отражения и осколки

Основным мотивом для сценографического решения постановки стало зеркало, которое каждый раз раскрывает основную эмоцию и итог каждого действия. Так, в первом действии огромные куски разбитого зеркала стали стенами, за которыми постепенно исчезают со сцены все, кто разбивает жизнь главной героини; затем эта жизнь оказывается собрана из осколков и известная актриса Кручинина смотрится в большое целое зеркало; и в третьем действии между стен с завлекательными театральными афишами тоже затесалось одно разбитое зеркало – как символ возвратившегося прошлого.

Наталья Бабахина, газета «Метро», 26.02.2025

https://www.gazetametro.ru/articles/bez-viny-vinov...

На исторической сцене Малого театра дают Островского. Режиссер Владимир Бейлис поставил комедию в 4-х действиях «Без вины виноватые», главную роль сыграла заслуженная артистка России, актриса Театра им. Евг. Вахтангова Лидия Вележева.

Пьеса главного автора Малого театра, классика отечественной драматургии А. Н. Островского «Без вины виноватые» – одна из известнейших, она часто ставилась на отечественной сцене. Видимо, потому что близка самим актерам: в ней откровенно и придирчиво выведены нравы театрального мира, который со времен жизни Александра Николаевича мало изменился.

Владимир Бейлис рассказывает сочным языком великого драматурга о слабых и сильных сторонах закулисья, о попранных мечтах и спасительном дурмане театра, о сцене, ставший для героев судьбой.

В центре внимания новой постановки – образ сильной, благородной женщины, большой актрисы Отрадиной-Кручининой. Эта героиня – из тех волевых русских женщин, которые если и гнутся под ударами судьбы, то не ломаются, а удивительным образом возрастают духовно.

Лидия Вележева прекрасно передает свое понимание актерской природы, ощущение уязвимости и душевной оголенности служителей Мельпомены, сочетая в своей героине бесстрашие и аристократизм, комедийность восприятия момента и высокие трагичные ноты.

Владимир Бейлис сумел собрать в этом спектакле команду единомышленников разных возрастов, бережно хранящих великие традиции Щепкинской театральной школы. Это команда людей, искренне влюбленная в классический русский репертуарный театр в высочайшем его проявлении.

На сцене бок о бок работают заслуженные артисты России Андрей Чубченко (Дудукин) и Василий Зотов (Муров), народные артисты России Александр Вершинин (Миловзоров) и Владимир Дубровский (Шмага), заслуженная артистка России Юлия Зыкова (Галчиха) и студентка театрального училища им. М. С. Щепкина Арина Осипова (Отрадина), Полина Долинская (Коринкина) и Иван Трушин (Муров в молодости).

Сценографию и костюмы создал Виктор Герасименко. Мир театрального закулисья Островского, кажущийся со стороны идеальным, в прочтении художника прорезают острые гигантские осколки разбитых зеркал. В какой-то момент складывается ощущение, что зеркала покрылись сетью трещин от жара интриг и страстей, которые бушуют на сцене.

Над премьерным спектаклем работали композитор Кузьма Бодров и режиссер по пластике Елена Каралашвили.

От новой постановки в Малом театре остается приятное, почти поэтическое послевкусие. Самое время вспомнить слова Ивана Сергеевича Тургенева по поводу текстов Островского: «Эдаким славным, вкусным, чистым русским языком никто ведь не писал до него!.. Какая местами пахучая, как наша русская роща летом, поэзия!»

Андрей Булов, «Мой дом Москва», 25.02.2025

Произведение Островского, собственно, изначально предназначалось именно для Малого театра. Роль Незнамова была написана на Константина Рыбакова, роль Коринкиной — на Надежду Никулину. Премьера состоялась в 1884 году, постановка имела успех. После чего пьеса стала одной из самых репертуарных в русском театре.

Владимир Бейлис, ранее неоднократно соприкасавшийся с прозой Островского, в своих творческих поисках пошел интересным путем. Не секрет, что Малый театр неохотно приглашает на главные роли сторонних артистов. Но режиссер решил, что для поддержания атмосферы произведения правильно будет позвать на главную роль известной актрисы Кручининой замечательную артистку Вахтанговского театра Лидию Вележеву.

Действие спектакля Бейлиса разворачивается в маленьком провинциальном городке, куда Кручинина приезжает на гастроли. Когда-то она бежала отсюда от позора несчастной любви. Молодая женщина отдала своего незаконнорожденного сынишку на воспитание чужим людям и получила известие, что ребенок умер. И когда теперь на пути уже богатой и знаменитой Кручининой появляется талантливый, бесшабашный молодой артист, она искренне хочет помочь, принимает активное участие в его судьбе.

Пьеса «Без вины виноватые» Лидии Вележевой хорошо знакома. В родном Вахтанговском в 1993 году она уже играла в постановке Петра Фоменко молоденькую Отрадину – такова была в молодости фамилия Кручининой.

Чарующее закулисье театра, как и мир уютного провинциального городка, на сцене Малого театра созданы талантом художника-постановщика Виктора Герасименко. На вращающемся круге сцены то и дело возникают новые «объемы» – интерьеры богатых домов, сады, театральные гримерки… Старые афиши на стенах грезят о былых актерских победах. Роскошные одеяния дам гармонируют со старинной мебелью гостиных. Вазоны на полу украшены пышными букетами, которыми артистов осыпают поклонники. А гримерные столики намекают о нелегком актерском хлебе. Все эти детали отражаются и дробятся в многочисленных разбитых зеркалах на стенах, присутствующих повсюду. Словно подчеркивая, что театральный мир, кажущийся зрителям таким идеальным, при ближайшем рассмотрении готов рассыпаться на осколки и является великой иллюзией.

Осколки зеркал отражают человеческие страсти, кипящие на сцене в мире театрального закулисья: благородство здесь соседствует с вероломством, преданность – с предательством, зависть – с душевной щедростью, жестокость борется с состраданием, талант уживается на одной сцене с посредственностью.

Главную героиню пьесы, брошенную с ребенком на руках, не сломило предательство любимого человека: она сохранила сердечность, благородство и способность откликаться на чужую боль. Лидия Вележева в роли Кручининой демонстрирует вершины театрального мастерства. В финальной сцене ее героиня – само воплощение трагедии, отчаянный вопль без голоса, квинтэссенция материнской любви. Актриса буквально держит всю сцену. Держит молча (великое умение в театре молчать выразительно), пока ее партнер произносит свой главный монолог. Умытая слезами, она драгоценно выдыхает: «Это он», готовая упасть без чувств…

Сын Кручининой, как и мать, выбрал актерскую стезю. Григорий Незнамов (актер Максим Путинцев), ищущий правды молодой человек, своей истовостью чем-то очень похож на Кручинину. Незнамов, с детства отмеченный клеймом «подзаборника», видевший в свой адрес лишь насмешки, вдруг встречается с подлинным благородством, ничего не требующим взамен. Это обезоруживает, выбивает почву из-под ног, переворачивает всю жизнь, смывает очистительной исповедальной волной циничное восприятие мира.

Участники спектакля «живут» на сцене в привычной театральной стихии, точно зная (в силу своей профессии), о чем говорят и что хотят донести до зрителя, – отсюда аплодисменты, вспыхивающие буквально после каждой сцены. В спектакле Малого каждый артист ансамбля абсолютно самобытен и великолепен.

Конечно же, обращает на себя внимание Нил Стратоныч Дудукин в подаче заслуженного артиста России Андрея Чубченко. Этот «богатый барин» является тем самым человеком, которого Пушкин когда-то окрестил «почетным гражданином кулис». Нил Стратоныч в курсе всех театральных новостей. «Меценату, просвещенному покровителю искусств и всяких художеств!» – с почтением приветствует его старый артист Шмага.

Образ Шмаги – человека житейски мудрого и безалаберного, умеющего точно подмечать то, что другим незаметно, нелепого в своем постоянном желании выпить (н. а. России Владимир Дубровский), восхищает не меньше. Самоироничные высказывания Шмаги – «Мы артисты, наше место в буфете» или «Да уж я постоянно один сорт курю… Чужие» – сродни пословицам. В подаче Дубровского Шмага ведет себя развязно, на грани шутовства. При этом он может вдруг выдать заветное:«Артист… горд!»

Покоряет работа красавицы Полины Долинской, сделавшей свою героиню, интриганку Коринкину, женщиной яркой, манкой, завистливой к чужому успеху и предприимчивой.

Заслуженный артист России Василий Зотов наделил Мурова всеми отталкивающими чертами холодного дельца, достигшего сомнительным путем высокого общественного положения.

Запоминается в образе Галчихи з. а. России Юлия Зыкова. Словно спившаяся бомжиха, с растрепанными волосами и характерными черными кругами вокруг глаз, Галчиха признается, что мальчик-то Кручининой не умер, а выздоровел. Инициатором же письма матери о смерти сына был Муров – настоящий отец ребенка.

В спектакле прекрасно работают народный артист России Александр Вершинин, Михаил Зубарев, студентка ВТУ им. М. С. Щепкина Арина Осипова, Иван Трушин, Дарья Новосельцева, Анастасия Горячева.

Постановка в Малом заявлена как комедия, но при этом все характерные мелодраматические черты в ней сохранены и приобретают исповедальное звучание. Зритель смутно ощущает, что в чарующем театральном зазеркалье очень легко заплутать между настоящим и иллюзорным. А после общения с героями Островского особенно высоко начинает ценить мастерство артистов, убеждаясь воочию, как много им приходится «подкладывать» из собственной жизни в каждую роль, чтобы образ выглядел достойно.

Короче, «Без вины виноватые» – очередная история вне времени. В ней день сегодняшний складывается из осколков судеб героев Островского в красочную картину. Почти как в детском калейдоскопе.

Елена Булова, «Московская Правда», 24.02.2025

https://mospravda.ru/2025/02/24/731665/

Дорогие друзья! До премьеры спектакля «Без вины виноватые» осталось совсем немного времени - уже 22 февраля первые зрители смогут увидеть этот спектакль.

Эта постановка очень важна как для театра, так и лично для режиссёра-постановщика, народного артиста России Владимира Бейлиса.

Владимир Бейлис: «В Островского я влюблён, он гений. Сколько в его произведениях ассоциаций с сегодняшним днём - через настоящее драматург видел будущее. Комедия «Без вины виноватые», поднимая столь важные сегодня вопросы взаимоотношений в семье, имеет воспитательное значение. Инициатором постановки был Юрий Мефодьевич Соломин, заразивший меня мечтой воплотить эту пьесу на сцене. На протяжении нескольких лет работы над текстом менялись подходы, но тема материнской любви, волновавшая тогда, осталась.

У нас была идея повторить сюжет Островского – пригласить известную актрису из другого театра на главную роль, чтобы возникла сама атмосфера произведения. В спектакле образ Кручининой создает ведущая артистка Театра им. Евг. Вахтангова, заслуженная артистка России Лидия Вележева.

В пьесе Кручинина стала артисткой, Незнамов – артистом, и все происходит в театре. Театр – это магнит, который всех притягивает, и место, где разворачиваются события. В современном театральном мире по-прежнему есть место историям о любви, ревности и соперничестве. Вместе с режиссёром Станиславом Сошниковым, художником-постановщиком Виктором Герасименко, композитором Кузьмой Бодровым, режиссёром по пластике Еленой Каралашвили и всей постановочной группой мы решили воспеть артистов, которых так любил Островский».

С большим интересом мы наблюдаем, как режиссёрский замысел обретает своё воплощение на сцене. На одной из репетиций побывал наш фотограф Евгений Люлюкин. И сегодня мы с радостью делимся с вами этими фотографиями.

Билеты на премьеру уже в продаже. Ближайшие спектакли: 22 и 28 февраля, 14 и 28 марта, 13 и 20 апреля.

[GALLERY:861]

В дни празднования 225-летнего юбилея А.С. Пушкина Малый театр показал премьеру «Маленьких трагедий» в постановке главного режиссёра Алексея Дубровского. Казалось бы, зрители давно привыкли к тому, что эти пушкинские шедевры приходят на самые разные подмостки – классические и экспериментальные – целиком, по отдельности или полным «циклом», нередко дополненным «Сценой из Фауста», но, тем не менее, заполняют театральные залы. Хотя вряд ли в ожидании чуда: для многих почти наизусть знакомый текст, широко известные сюжеты… Смею предположить, что почти всегда влекут не только имена любимых артистов, занятых в той или иной постановке, и не любопытство к некоему очередному эксперименту, а магия пушкинских строк, завораживающая красотой того самого «великого и могучего» русского языка, который уже почти покинул нас, оставив светлое воспоминание…

Спектакль Малого театра покорил с первых минут, ещё до начала «Скупого рыцаря», атмосферой тревоги приближения чего-то непоправимого, дыханием чумы. Оно повеяло мгновенно от направленных в зал рядов прожекторов, которые медленно уплыли под колосники, а вслед им появилась на сцене на фоне тёмно-серых кирпичных стен, замыкающих пространство, группа людей в чёрных плащах, в белых масках, схожих с дельартовским Чумным доктором. Их танец был подлинным искусством балета, взмахи плащей при кружении напоминали распростёртые над всем миром зловещие крылья. И возникало одновременное ощущение захватывающей красоты, изящества найденной точной формы, включения в контекст происходящего «Пира во время чумы» (не вошедшей в спектакль) и – страха ожидания… Изумительная хореография Антона Лещинского, мастерство молодых артистов и студентов Щепкинского училища заворожили зрительный зал не только утончённостью безукоризненной формы, но внятностью эмоций, отсылающих к «Пиру во время чумы» и – той благородной красотой, которой так часто недостаёт сегодня в театрах.

Художник Мария Утробина создала образ целого мира из замкнутого тремя стенами пространства, в котором один за другим появляются конкретные смертные грехи, уничтожающие не только окружающих, но едва ли не в первую очередь своих носителей.

Атмосфера «Пира во время чумы» как будто «распылена» в воздухе спектакля не только изысканной хореографией, музыкой Георга Фридриха Генделя, но и появлением из-под сцены, словно из преисподней, подвала Скупого рыцаря, заполненного сундуками; обеденного стола, за которым Сальери подсыпает яд в чашу Моцарта; статуи Командора… Нам явлены три смертных греха: алчность или корысть; гордыня, умноженная на зависть; сладострастие – пожалуй, самые «стойкие» во времени, не подверженные коренным изменениям на протяжении веков и так или иначе приводящие к трагедии, потому и воспринимаются в разные эпохи разными поколениями внятно.

… Луч света выхватывает на верхней ступени лестницы в глубине сцены сына Барона Альбера (Алексей Фаддеев), измученного невозможностью появляться на турнирах, жить одной жизнью со своими ровесниками из-за скупости отца. Рыцарский шлем пробит, взять деньги у Соломона невозможно, нужен заклад, даже вина не осталось, чтобы выпить… Растерянный взгляд Альбера, интонация разговора с Иваном – всё свидетельствует о предельном отчаянии юноши, о его готовности пойти на любое преступление, но как резко меняется лицо, как вспыхивают презрением и ненавистью глаза, когда Соломон (выразительная работа Владимира Дубровского) предлагает ему избавление от отца – склянку с ядом!.. Как минутное сомнение соблазняет мыслью вернуть Соломона, но невозможно совершить преступление. Лучше обратиться за помощью к всемогущему Герцогу.

Из-под сцены медленно появляется подвал, заставленный открытыми сундуками, полными сокровищ, и восседающий среди них Барон – на устах Василия Бочкарёва полуулыбка, заставляющая вспомнить слова Феофана Затворника о том, что «корысть есть ненасытимое желание иметь, или искание и стяжание вещей под видом пользы, затем только, чтобы сказать об них: мои». Только это – обладание – владеет всеми помыслами Барона. Прекрасный Мастер, Василий Бочкарёв ни на миг не изображает согбенного старца, которому пора уже освободить место на земле, его герой – человек, в котором ещё достаточно сил, чтобы преумножать сокровища, наслаждаться своей безграничной властью. На моей памяти едва ли не впервые слова Соломона подкреплены тем, что мы видим: «Барон здоров. Бог даст – лет десять, двадцать. И двадцать пять и тридцать проживёт он». И эта яркая краска придаёт известному сюжету странный, на первый взгляд, но и определённо фатальный оттенок. «Моё» - значит, неделимое, принадлежащее, словно от рождения данное свыше; то, что не подвластно ни возрасту, ни чину, что даёт ощущение вечной жизни. И невольно приходит на память «Холстомер» Л.Н. Толстого, где автор рассуждает о том, что «мой», «моя», «моё» определяют сущность человека, переставшего видеть разницу между одушевлённым и неодушевлённым. Когда осознаёшь это, выстраивается живая преемственность традиций гуманизма русской культуры и иначе воспринимаются слова:

Что не подвластно мне?
как некий демон
Отселе править миром я могу;
…
Мне всё послушно, я же – ничему;
Я выше всех желаний; я спокоен;
Я знаю мощь мою: с меня довольно
Сего сознанья…

Василий Бочкарёв произносит их не просто упоенно, а вдохновенно, как оправдание собственного существования, словно на наших глазах молодея, воспламеняясь собственным величием. Но как же мгновенно он теряет его, как начинают бегать глаза, когда он, обдумывая каждое слово, пытается внушить Герцогу (Михаил Мартьянов принимает Барона на фоне театральной ложи и держится несколько театрально, что оправдано стилистикой спектакля): его сын гуляка, он даже пытался убить отца. И тогда наступает трагическая развязка – смерть Барона, которую, следуя логике постановки, возможно оценить как закономерное возмездие свыше тому, кто возомнил себя властелином мира. Хрестоматийные слова Герцога: «Ужасный век, ужасные сердца!» - прозвучат не приговором, а скупой, произнесённой без пафоса констотацией. Едва ли не на все времена. Бесшумно появится один из людей в чёрном и наденет на Барона белую маску – своеобразный атрибут завершившейся жизни, а двое других унесут безжизненное тело…

Словно по контрасту с сокровищами, укрытыми от посторонних глаз в подвале, на сцене предстанет роскошь цветов в корзинах, зеркало, предметы благородной и дорогой красоты, клавесин в доме Сальери. Всё это занимает лишь часть пространства, замкнутого серыми стенами. Он войдёт в это пространство в распахнутом халате, деловито возьмёт в руки лейку и будет поливать цветы, занятый своими мыслями не о музыке, которую «разъял как труп», постигая искусство, а о потаённом, но всё более властно вырывающемся из души:

Кто скажет, чтоб Сальери гордый был
Когда-нибудь завистником презренным,
…
Никто! А ныне – я сам скажу – я ныне
Завистник. Я завидую; глубоко,
Мучительно завидую. – О, небо!
Где ж правота, когда священный дар,
Когда бессмертный гений – не в награду
Любви горящей, самоотверженья,
Трудов, усердия, молений послан –
А озаряет голову безумца,
Гуляки праздного?.. О Моцарт, Моцарт!

Михаил Филиппов, великолепный Мастер, много раз покорявший зрителей на сцене Московского театра им. Вл. Маяковского, на других сценах, на киноэкранах, недавно вступивший в труппу Малого театра, в роли Сальери предстаёт поистине неузнаваемым. Такая спокойная внешняя мощь при внутреннем иссушающем борении страстей исходит от его облика, от «проверки» созревшего решения камертоном, который каждый раз издаёт чистый звук, словно ответ на мысли Сальери, от разговора с собственным отражением в зеркале, - что становится не по себе. И невольно приходят на ум слова святителя Василия Великого, писателя и богослова: «… Хотя убоится суда, произнесённого за гордость, однако не может исцелиться от этой страсти, если не оставит всех помышлений о своей предпочтительности».

Непомерная гордыня, разъедаемая завистью к тому, кому всё дано от рождения свыше, без «трудов, усердия, моленья», словно физически душит, всё больше укрепляя мысль о том, что именно он, Сальери, призван:

Нет! Не могу противиться я доле
Судьбе моей: я избран, чтоб его
Остановить – не то мы все погибли.

Появление Моцарта (отличная работа Дениса Корнуха!) в сопровождении не Слепого скрипача, а весёлой компании людей в чёрном. Он танцует вместе с ними легко и изящно, а потом все они превращаются в воображаемого скрипача, играя на воображаемых скрипках. Именно это и становится последней каплей для Сальери: он достаёт «последний дар Изоры», яд, и, вновь проверив себя камертоном, принимает окончательное решение…

Поднимающийся из преисподней роскошно накрытый стол в трактире вновь вызовет неожиданную ассоциацию со стихотворением Г.Р. Державина, благословившего лицеиста Пушкина: «Где стол был яств, там гроб стоит…» И эта цепочка неожиданных и, казалось бы, невольно приходящих на память воспоминаний придаёт спектаклю Алексея Дубровского тот объём, что естественно вписывает его в контекст не только отечественной, но и мировой культуры.

Едва уловимые на бесстрастном лице Сальери последние сомнения; охваченное мыслями о «Реквиеме» печально-задумчивое лицо Моцарта, машинально играющего в бильбоке, почти залпом выпитая чаша с ядом – всё это говорит больше слов, заставляя зрительный зал дышать одним дыханием с героями в ожидании неизбежного. На Моцарта наденут белую маску и уведут за собой люди в чёрном, а Сальери привычным жестом возьмёт в руки камертон и, не услышав звука, будет настойчиво вызывать его. И страшно видеть человека, с ужасом вопрошающего себя: «И я не гений?» и продолжающего неистово, отчаянно бить по беззвучной «вилочке» камертона…

О последней части «Маленьких трагедий» на сцене Малого театра говорить сложнее. «Каменный гость» выстроен так же стильно, точно, как и две предыдущие истории, но… на фоне Барона-Бочкарёва и Сальери-Филиппова Дон Гуан Игоря Петренко проигрывает, в первую очередь, по части темперамента. Если вновь припомнить определения смертных грехов, нельзя не вспомнить священномученика Василия Кинешемского: «Нередко бывает, что человек не в состоянии думать более ни о чём другом: им всецело владеет демон страсти». Этого демона разглядеть в артисте не удалось: Игорь Петренко, принадлежащий к когорте любимых артистов кино, статный, красивый, казалось, если и одержим чем-то, то, скорее, не страстью, а надоевшей ему самому привычкой не пропустить мимо ни одну женщину, преумножая свою репутацию покорителя женских сердец. Искусно соблазняя Дону Анну (очень хороша Полина Долинская, проживающая по развитию сюжета медленное перерождение замкнутой чувством долга молодой женщины до интереса к незнакомцу, сменяющегося на наших глазах подлинной страстью), он действует более по распространённой славе развратника, нежели по власти демона, справиться с которой не может. И куда более темпераментными, яркими выглядят рядом с ним Лепорелло (Виктор Низовой), Дон Карлос, сдержанный лишь внешне (Александр Волков) и даже Монах (Сергей Еремеев), неистово стегающий себя плёткой в попытках усмирить чувство к прекрасной Доне Анне.

И всё же спектакль «Маленькие трагедии» по высочайшему уровню культуры; по стилю постановки; точности психологического режиссёрского решения и актёрского исполнения с глубоким проникновением в характеры вечных персонажей; изысканной красоте сценографии и костюмов; световому и музыкальному оформлению не для меня одной стал событием радостным и внушающим большие надежды.

Наталья Старосельская, журнал «Страстной бульвар,10», №1-271/2024

https://strast10.ru/

"Посвящение классикам" - совместный проект Малого театра России и творческого объединения "Время молодых XXI" в честь юбилеев А.С.Пушкина, Н.В.Гоголя и М.Ю.Лермонтова.

Жизни и творчеству великих русских писателей молодые художники посвятили свои работы. На новой выставке представлены работы студентов и выпускников художественных вузов и колледжей, среди которых МГХПА им. С.Г.Строганова, МГАХИ им. В.И.Сурикова, Академия акварели и изящных искусств Сергея Андрияки, Школа-студия МХАТ, ВГИК им. С.А.Герасиомва, Институт графики и искусства книги им. В.А.Фаворского, Академия живописи, ваяния и зодчества Ильи Глазунова.

На открытии выступили председатель Творческого объединения «Время молодых XXI», Посол Мира Наталья Васильевна Костецкая, Президент Международной академии культуры и искусства, Народный художник РФ, академик Российской академии художеств Петр Тимофеевич Стронский, выпускница ВГИК им. С.А. Герасимова Александра Павлова, выпускница МГХПА им. С.Г. Строганова Динара Байгельдина, студент Академии живописи¸ ваяния и зодчества Ильи Глазунова Даниил Горбунов.

От Малого театра гостей приветствовали главный режиссер Алексей Дубровский, руководитель Музейно-информационного центра Татьяна Крупенникова, артисты Игорь Петренко и Полина Долинская.

Фото Евгения Люлюкина

[GALLERY:785]

Актриса Малого театра Полина Долинская достойно продолжает актерскую династию: ее отец — известный актер и замечательный человек Владимир Долинский. В своем театре она занята в спектаклях «Восемь любящих женщин» Р. Тома, «Перед заходом солнца» Гауптмана, «Идиот» Ф.М. Достоевского и других. Полина снимается и в кино. Поначалу роли у нее были эпизодические, а известность актрисе принесло участие в телесериалах «Маруся» и «Петрович».

16 июня смотрите трансляцию спектакля "Идиот" с участием актрисы на нашем сайте.

— Полина, что нового и интересного в вашей творческой жизни происходит сегодня?

— В начале 2021 года мы выпустили в театре спектакль «Месяц в деревне» по пьесе Ивана Сергеевича Тургенева в постановке Глеба Подгородинского — ведущего
актера Малого театра, это его первая режиссерская работа. Мне выпала честь сыграть Наталью Петровну. Мне трудно говорить о результате, но, по отзывам, спектакль получился достаточно глубокий и трогательный, как говорится, для души.
В год двухсотлетия со дня рождения Достоевского в нашем театре состоялась премьера «Идиота» — постановка по роману Федора Михайловича — сценическая версия режиссера Андрея Житинкина. Я играю Настасью Филипповну. Это одна из самых значимых ролей мирового репертуара. Представляете, какая на мне лежит ответственность. Материал очень сложный. К сожалению, мы были поставлены в тесные временные рамки. Но я надеюсь, что моя роль и спектакль будут еще расти и развиваться. Хотелось бы играть его как можно чаще.

— В вашем арсенале великолепные героини: Нина Арбенина — «Маскарад», Софья — «Горе от ума», Надежда Монахова — «Варвары», Людмила — «Дети Ванюшина», Луиза — «Восемь любящих женщин», — можно перечислять и дальше. А есть ли самые любимые?

— Я очень люблю все свои роли. Мне трудно выделить какую-либо из них, ведь каждая роль — это продолжение меня. Как говорят учителя, «я — в предлагаемых обстоятельствах». Мне очень повезло с ролями. Многие актрисы годами ждут хотя бы одну из сыгранных мною ролей, а мне посчастливилось сыграть их, да на какой сцене... великого русского Малого театра. О чем еще может мечтать актриса?

— Полина, вы родились в актерской семье, папа — Владимир Абрамович Долинский — прекрасный артист и прекрасный человек, гражданин. Чему вы научились у своих родителей?

— Всему! Мама научила меня любить людей, радоваться жизни, привила любовь к книгам и музыке. Папа научил меня быть преданной своим друзьям и бесконечной любви к театру. Научил уважительному отношению к коллегам, к товарищам по цеху, к персоналу театра.
В театре нет обслуги и нет прислуги, актер — это не пуп земли, вокруг которого все должно вертеться.

— Существует ли магия сцены?

— Безусловно. Сцена впитывает энергетику великих актеров, которые ступали на нее, к сцене нужно относиться уважительно. Кто-то из актеров перед выходом целует сцену, кто-то крестится, кто-то благодарит сцену — у каждого артиста есть свой ритуал. Сцена, безусловно, и лечит. Если ты плохо себя чувствуешь, то на 2-3 часа, которые проводишь на сцене, ты забываешь про свои болячки — у тебя появляются силы. Я замечала, что идет в театре, по коридору, пожилой актер неуверенной походкой с тросточкой, а когда выходит на сцену, то буквально расцветает, становится на 15-20 лет моложе. Сцена дает энергию и силу.

— Полина, у вас есть мечты и планы относительно кино?

— Однажды я работала в большом сериале, и мне этого опыта хватило на всю жизнь. Знаете, я очень избирательно отношусь к кино, и пока у меня нет роли, которой могла бы похвастаться, но я ее жду.

— В какой театр посоветуете пойти театралам и что посмотреть?

— Приходите в Малый театр, на любой спектакль, занавес открывается, и перед вами — ожившая книга, вы никогда не испортите впечатление от Островского, Достоевского, Тургенева ... Герои Грибоедова не будут бегать на сцене без штанов и ругаться матом... Вы увидите настоящих классических героев, как задумывал их сам автор.

— Нужен ли в театре дресс-код, как вы считаете?

— Любой уважающий себя человек придет в театр аккуратно одетым, не обязательно надевать вечернее платье или смокинг, но придет одетым соответственно месту. Приятно видеть, когда в красивом зале люди одеты красиво, хорошо выглядят.

— Вы любите путешествовать?

— Конечно. В последнее время мы с мужем открыли для себя новый вид спорта — горные лыжи, и теперь я очень хочу возвращаться в горы. Последний раз мы катались в Сочи, но мне хотелось бы побывать и на склонах Архыза, и во Франции, и, конечно же, в Австрии. Последнее время меня тянет в горы даже больше, чем на море.

Беседовала Елена Воробьева

"Смена", №5 2022

К двухсотлетию со дня рождения Фёдора Михайловича Достоевского режиссёр Малого театра народный артист России Андрей Житинкин поставил на исторической сцене спектакль по одному из самых знаковых произведений писателя – роману «Идиот», не уступающему ни «Братьям Карамазовым», ни «Преступлению и наказанию», ни «Бесам», ни «Игроку». И это неудивительно, потому что «Идиот» – самый чувственный роман Достоевского, основанный не только на размышлениях о том, что есть вера и безверие, бескорыстие и алчность, что есть душевные страдания и отсутствие таковых. Это роман о любви и страсти, между которыми лежит громадная пропасть, такая же, как между жизнью и смертью.

Взявшись за «Идиота», Житинкин решился на отчаянный и невероятно рискованный шаг. Его сценическая версия – это не иллюстрации к роману, не литературный монтаж, не модное ныне лихое издевательство над классикой. На сцене Малого театра появился спектакль мощный, с глубоким проникновением в сущность мотивов романа Достоевского, спектакль, в котором сохранены все хитросплетения сюжета и каждый персонаж является смыслообразующим в сценической интерпретации режиссёра.

Всё начинается с авторского текста, который за кулисами мастерски читает Александр Клюквин. Он вкрадчиво подводит зрителей к первой сцене, как бы подготавливая их к восприятию особенностей языка Достоевского.

Лёгкий, полупрозрачный экран бесшумно поднимается. …Из чёрной глубины сцены появляются двое. Это Тоцкий и Епанчин. У них есть одно деликатное дело: выдать замуж содержанку Тоцкого, молодую красавицу Настасью Филипповну. Тоцкий решил покончить со своей холостой жизнью, обуза ему ни к чему, тем более что выбранный им жених не только обзаведётся супругой, но и получит в приданое солидный капитал. Полупрозрачный экран опускается, и возникает следующая картина…

В сумрачном вагоне третьего класса судьба сводит трёх довольно странных людей. На одной скамье сидит и смотрит в заледеневшее окно нелепого вида чудак. На нём вязанная на швейцарский манер шапочка с завязками, летние штиблеты и красные шерстяные носки. В руках – узелок, а рядом алый сачок для ловли бабочек. На другой лавке, скрючившийся от сквозняков, дремлет молодой мужик в кирзовых сапогах и поношенном кафтане. Гудок паровоза и лязг тормозов заставляют обоих взглянуть друг на друга. Дрожа от холода, случайные попутчики заводят, казалось бы, ни к чему не обязывающую беседу, обернувшуюся исповедью для обоих. Так происходит знакомство князя Мышкина с Парфёном Рогожиным. Вскоре к ним присоединяется ещё один путешественник. С дальней скамьи, словно мелкий бес, выскакивает странное создание в помятом цилиндре. Это изрядно подвыпивший, безденежный, но невероятно энергичный и обаятельный Лебедев. Подслушав откровения Мышкина и Рогожина, он врывается в сюжет других жизней и раскрывает историю Настасьи Филипповны. С этого момента Мышкин и Рогожин оказываются связанными друг с другом до конца своих жизней. Эта роковая встреча станет началом русской трагедии, которая поначалу покажется фарсом, потом драмой, а в финале обернётся настоящей катастрофой для всех. И снова на сцену опускается полупрозрачный экран, и снова скользит круг, меняя место действия…

Режиссёр Житинкин – мастер интриги. Эти две неспешные сцены вводят в поэтику Достоевского, в его мир фантасмагорий и сновидений. Заставляют почувствовать нечто таинственное, нечто пугающее, нечто завораживающее. История только начинается, а градус эмоционального напряжения спектакля уже пошёл вверх. Сценическая версия романа масштабна, образы героев не только выразительны и ярки, но и предельно полнокровны. Мир «Идиота» – это внутренний мир каждого персонажа, который невидимыми нитями связан со всеми остальными. Это мир, который существовал тогда и существует сейчас. Житинкин выстраивает спектакль таким образом, чтобы через многожанровую структуру – детектив, мелодрама, комедия, трагедия – раскрыть космос души человеческой.

Такая задача стояла и перед художником спектакля Андреем Шаровым. Он лишь обозначил некоторые знаковые детали, необходимые для того или иного места действия. Вот кабинет Епанчина с массивным столом, канделябрами и двумя огромными фарфоровыми псами, стерегущими своего хозяина. А вот убогие меблированные комнаты в доме Иволгиных, с выцветшими обоями. Или покои Настасьи Филипповны с зеркалами, удобными креслами для её многочисленных гостей и ярким камином, в который она лихо швырнет сто тысяч рублей. Всё это – мусор, шелуха, потому что к финалу спектакля все эти вещественные доказательства жизни героев мало-помалу исчезнут, потеряют всякий смысл, словно бы растворятся в ином пространстве. Останутся только люди с их бедами, разбитыми судьбами, угрызениями совести и грехами, которые не замолить…

Этот странный человек под именем князь Мышкин переворачивает сознание и мировоззрение каждого, кто попадает в его орбиту. Он как тот самый луч света в тёмном царстве пошлости, алчности, безнаказанности, инфантильности и разврата… И свет этот – любовь!

До его появления петербургское общество живёт своей устоявшейся размеренной жизнью. И в спектакле жизнь эта представлена в полной мере. Здесь всё крепко, прочно, на века. Здесь каждый на своём месте. И знающий себе цену, умный и сильный генерал Епанчин (последняя работа недавно ушедшего от нас Бориса Невзорова. – Прим. ред.), и его простодушная, но умудрённая жизнью супруга Лизавета Прокофьевна в блистательном исполнении Людмилы Поляковой. И их дочери, среди которых особенно выделяется ревнивая, скрытная и способная на сильные чувства Аглая (Варвара Шаталова). И трагикомический персонаж, спивающийся душка отставной генерал, рассказывающий про себя небылицы, Ардалион Иволгин (Александр Клюквин), и его несчастная, страдающая от унижения и безденежья супруга Нина Александровна (Алёна Охлупина), их сын Ганя (Игнатий Кузнецов), одержимый жаждой лёгких денег, и его незамужняя озлобленная на весь мир сестра Варя (Варвара Андреева). Даже сластолюбец Афанасий Тоцкий (Валерий Афанасьев) и опустившийся на самое дно выпивоха Фердыщенко в ярком исполнении Дмитрия Марина. Что уж говорить о виртуозно созданном Александром Вершининым образе Лебедева, некоего фантома, обладающего свежей информацией обо всём и то и дело появляющегося ниоткуда и исчезающего в никуда! У каждого из героев свои грехи. И каждый о них знает. Поэтому так и неудобен человек, рядом с которым они их осознают и неминуемо оказываются перед нравственным выбором. Все они, кто явно, кто тайно, начинают понимать, что этот странный больной идиот Мышкин делает их лучше, добрее, чище. Рядом с ним все маски, которые уже срослись с лицами, начинают таять, как воск. Князь, не ведая того, раскрывает сущность каждого, с кем ему выпало встретиться. Благодаря ему все, хотя бы на время, меняются. А дальше у каждого своя судьба и свой крест.

В финале спектакля, когда с грохотом рухнет огромная тяжёлая дверь и за ней откроется бесконечное пространство, все они появятся вместе, как одна большая семья, которая не сумела и не смогла сберечь что-то очень важное. А важное – это человеческая жизнь.

Достоевский – автор для театра провокационный. Он не терпит бытописательства, примитивных образов, загнанных в рамки того или иного жанра, он не терпит закостеневших актёрских амплуа. В его произведениях нет места банальности. Они всегда – нерв, шок, катарсис. Спектакль «Идиот» Андрея Житинкина и великолепная команда артистов доказали, что сегодня Достоевский, бесспорно, автор нашего времени.

Рядом с корифеями Малого театра мощно заявило о себе новое поколение мастеров – Александр Дривень (князь Мышкин), Полина Долинская (Настасья Филипповна), Александр Волков (Парфён Рогожин). Это тот классический любовный треугольник, который движет действием всей истории «Идиота».

Настасья Филипповна Долинской поначалу резка, истерична. Её хмельные бравады, презрение ко всем, желание унизить и тем самым отомстить за свою искалеченную жизнь вызывают раздражение и антипатию по отношению к этой сомнительной особе. Но постепенно её героиня обретает лиричность и драматизм. Эта сломленная женщина вдруг чувствует, что может вырваться из многолетнего ада. Однако она понимает, что её спасение, брак с князем, готовым ради неё на всё, – это гибель Мышкина. Влюблённый в неё Мышкин изо всех сил хочет Настасью Филипповну спасти от той неминуемой пропасти, к которой она приближается с каждым мгновением, и понимает, что это невозможно. Она идёт по лезвию ножа, и блеск этого ножа в руках Парфёна князь уже видел. Мышкину снится сон. В саду, среди стволов деревьев, больше похожих на трубы органа, появляется чистое светлое существо в подвенечном наряде. Это Настасья Филипповна. Она окутывает спящего князя белыми одеждами, скорее похожими на саван, и тихо уходит, оставляя своего избранника в одиночестве. Князь просыпается и понимает, что это его прощание с Настасьей Филипповной, чудесная и кошмарная мистика, которая вот-вот сбудется.

Александр Дривень тонко, глубоко передаёт всю первоначальную нерешительность человека, не чувствующего себя до конца здоровым, все страдания и опасения князя за всё им содеянное, даже за своё появление в этом мире, где его никто не ждал. Каждое движение, жест, интонации, взгляды, которыми князя наделяет Дривень, совершенно лишены какой-либо театральности. Так родился образ Мышкина наших дней, особенный и ни на кого не похожий...

В роли Рогожина Александр Волков впечатляет энергетикой, темпераментом и точным проникновением в образ. Рогожин Волкова сродни характеристике русской души. Он во власти шальных денег, своей шальной жизни. Одержимый бешеной страстью, Рогожин не может отпустить Настасью Филипповну, но и с Мышкиным у него духовная связь, которую он чувствует и понимает. Мышкин и его спасение. Именно поэтому в спектакле Житинкин делает акцент на обряде крещения, на обряде обмена крестами, когда Рогожин и Мышкин становятся духовными братьями, становятся одним целым. Когда один берёт все грехи другого на себя, а другой берёт все его болезни. Рогожин, спасший Мышкина от смертельного припадка, в финале сам будет биться в том же припадке, и Мышкин обнимет его и успокоит. Хотя какой тут покой рядом с телом зарезанной Рогожиным Настасьи Филипповны – одной из тех невинных жертв, жизнь которой стала игрушкой для людей, ценящих только своё благополучие и ломающих чужие судьбы, даже не задумываясь о последствиях.

Несмотря на трагический финал, сочинённый Достоевским, спектакль Малого театра не мрачен. Он заставляет задуматься, даёт надежду, даёт уверенность в том, что, несмотря ни на что, надо обращаться к свету и не поддаваться тьме, в какие бы смутные времена мы ни жили.

Жанна Филатова, "Литературная газета", № 12 (6826) (23-03-2022)

https://lgz.ru/article/-12-6826-23-03-2022/istoriy...

От множества сценических трактовок «Идиота» этот спектакль отличается редкой в наши дни бережностью прочтения авторского текста. Роман, идущий перед нами короткими сценами, дополняет текст от автора (читает Александр Клюквин), разворачивающего сюжетную нить. Перед нами хроника скитаний и познания мира князем Мышкиным (Александр Дривень), подобно ангелу, спустившимся на землю и оказавшимся в свете, полном корыстолюбия, коварства, эгоизма.

В зимний Петербург из Швейцарии он заявился с красным сачком для ловли бабочек, олицетворяющим детскую наивность и непосредственность. Его смущенный взгляд, кротко склоненная голова, робость движений и тихий голос способны рассказать нам об удивительной незащищенности и целомудрии, уводя нас в идеальные пространства христианской любви к миру. На наших глазах он страдает и мучается, сносит вероломство и удары судьбы, всякий раз прощая своих обидчиков.

Его оппонент и антипод - Рогожин (Александр Волков), дерзновенный, разрушительный человек, в борьбе за сердце Настасьи Филипповны готовый крушить вселенную. Шалый красавец с горящими глазами, в страсти которого и его трагедия, и его ликование. Они с Мышкиным братаются, обмениваясь крестами. А в финале держат на руках окровавленное платье убитой Рогожиным Настасьи Филипповны.

Здесь у каждого свой мотив бытия, свой знак судьбы. Настасья Филип¬повна (Полина Долинская), вокруг которой кипят интересы и рушатся жизни, - олицетворение холодной инфернальной красоты. Нынешняя Настасья Филипповна, похоже, так же холодна, опасна и непостижима, как героиня Юлии Борисовой в легендарном «Идиоте» Пырьева.

Да, князь Мышкин, Рогожин и она - главное трио спектакля, создающее основное напряжение действия. Вокруг них целый ансамбль персонажей, разворачивающих бесконечную тему столкновения власти денег и человеческих страстей. Циничный и надменный покровитель Настасьи Тоцкий (Валерий Афанасьев), униженный соискатель выгодной женитьбы Ганя Иволгин (Игнатий Кузнецов), пылкая и гордая Аглая (Варвара Шаталова), мать трех дочерей Епанчина (Людмила Полякова) - бдительная мамаша, стоящая на страже своего гнезда. И среди всех - Мышкин в нелепой шапочке и с красным сачком, наивно пытающийся создать гармонию в безнадежном хаосе жизни.

Ольга Игнатюк, «Театральная афиша столицы», февраль 2022 года

В год двухсотлетнего юбилея Фёдора Михайловича Достоевского огромное количество театров выпустили спектакли, литературной основой которых стали произведения писателя. Не стал исключением и Государственный академический Малый театр России, в котором под конец уходящего 2021 года представили новую постановку режиссера Андрея Житинкина по роману «Идиот».

В этой сценической версии присутствует всё то, за что зрители любят классический театр: бережное обращение с текстом романа, великолепная игра актеров, отсутствие перегибов, излишних, инородных элементов и опошления по ходу сюжета, красивая, гармоничная, в меру монументальная сценография, деликатное музыкальное сопровождение, историческая достоверность образов, манер и речи героев, а также их костюмов. Классический, выдержанный, выверенный, но лишенный банальностей и знакомых штампов, – таким предстает перед зрителем новый «Идиот» в Малом театре.

История князя Мышкина в авторской интерпретации Андрея Житинкина – это урок милосердия, сеанс терапевтического сострадания и сопереживания, такой целительный и необходимый сегодняшнему зрителю. Благодаря особому подходу к работе над постановкой (так, в спектакле существенно сокращены сцены из второй и третьей части романа), в «Идиоте» версии Малого театра перенесены акценты с вопросов материального характера и взаимоотношений героев по поводу денег, наследства, долгов, приданого (хотя они также присутствуют в количестве, необходимом для раскрытия авторского замысла) – на нравственные составляющие отношений действующих лиц, их переживания и духовную связь. Без ущерба оригинальному содержанию романа, в спектакле задействованы полторы дюжины персонажей, да и то, едва половина из них являются истинно сюжетообразующими. Тем не менее, режиссерской проработке подвергнуты практически все герои, появляющиеся на сцене. Лично мне такое авторское переосмысление пришлось по душе и показалось логичным, а все персонажи- как будто имеющими продолжение где-то в засценической жизни, и вместе с тем очень целостными, объемными.

Князь Мышкин (Александр Дривень) – «чистая душа», бесхитростный, но проницательный и располагающий к себе буквально каждого. Будто не от мира сего, он довольно успешно вливается в светское общество Петербурга после своего возвращения в Россию из Швейцарии, где проходил лечение от душевной болезни. Лишенный лицемерия, воспитанный, хорошо образованный, он представляет собой практически идеал молодого мужчины, не достижимый для остальных – благодаря человечности, открытому сердцу и бескорыстности. Несмотря на периодические насмешки со стороны семейства Епанчиных, Рогожина, Настасьи Филипповны…- словом, буквально каждого, несмотря на своим штиблетишки (надо заметить, отменные, на красные носки, гармонирующие с красным сачком,- и это в Петербурге в ноябре месяце!), – князь Лев Николаевич обладает необъяснимым магнетизмом и очарованием незаурядной личности, что вскоре осознают все вокруг.

Пожалуй, в этом «Идиоте» нет ни одного подлеца – будто урок милосердия создатели спектакли начали с самих себя, облагородив каждый персонаж. Любой из героев, кто мог бы вызвать негодование, по-своему заслуживает жалость и какое-то снисхождение. Здесь каждый – заложник обстоятельств, образа жизни и условностей, принятых в обществе за норму поведения или приличия. Парфён Рогожин (Александр Волков) – отчаянный, поглощенной страстями и болезненной любовью к Настасье Филипповне. Не от счастливой жизни проводит он каждый свой день в кутеже, наотмашь, как в последний раз. Пройдоха Лебедев (Александр Вершинин), который в погоне за звонкой монетой то расшаркивается перед Мышкиным, то увязывается за Рогожиным, – оказывается не таким уж безнадежным и циничным человеком, в конце концов, проявив заботу за князем, когда тот в ней нуждался. Ардалион Александрович Иволгин (Александр Клюквин), появление которого (вот уж удивительно!),- по ходу спектакля связано с ощущением непременно какого-то праздника или сюрприза, – и вовсе похож больше не на безобразного алкоголика, чье поведение бросает тень позора на всё семейство, а на капризного ребёнка, эдакого взбалмошного здоровячка, которого одели в парадную форму к приходу гостей и попросили рассказать забавную нелепицу. В семействе Иволгиных чувствует и коллективный драматизм, и персональная надломленность судьбы каждого, и общая тягостная обреченность на бесславное будущее, тем не менее, отторжения не вызывает никто, даже Ганя, в котором кипят страсть, отчаяние и злость. Гаврила Ардалионыч (Игнатий Кузнецов) – молодой человек скромных талантов и не блестящего ума, прекрасно осознающий свое положение, как материальное, так и социальное. Его самого тяготит возможная предстоящая свадьба с Настасьей Филипповной, но положение и протекция генерала Епанчина обязывают действовать не по велению сердца (а оно выбирает Аглаю Епанчину), а сообразно неприглядным обстоятельствам. Семья Епанчиных – образец классических ценностей и уклада жизни своего времени: богатый дом, уважение в обществе, дочери – благородные девицы, милейшие создания, среди которых, однако, Аглая (Варвара Шаталова), затянутая в водоворот дурных событий и увлеченная князем, – обладает не столь ангельским характером и чистой душой, как может показаться на первый взгляд.

Среди всех задействованных персонажей одна только Настасья Филипповна (Полина Долинская) обладает какой-то поистине разрушительной силой: женщина-ураган, надменная, насмешливая, одним своим присутствием вгоняет окружающих то в гнев, то в трепет, то в ужас, одной своей как бы случайно брошенной фразой – ломает судьбы и перечеркивает будущее (как в случае с Радомским). Страдающая жертва, она так же заставляет страдать и сомневаться каждого, с кем ее сводит жизнь, всякого она оставляет униженным и уязвленным, осыпая его издёвками.

В сюжетной основе спектакля – треугольник болезненных взаимоотношений между Настасьей Филипповной, Рогожиным и Мышкиным (после того, как Ганя выбыл из предсвадебной гонки), с робкими попытками Аглаи Епанчиной вмешаться и обратить на себя внимание князя, вызвать у него хотя бы толику любви к себе. Едва ли этот треугольник можно назвать любовным, хотя любовь – выстраданная или внезапно обретенная – там все же присутствует: у Рогожина она замешана на страсти и отчаянии, у князя рождена из сострадания («Ведь она…такая несчастная!»), к самой же Настасье Филипповне любовь приходит в виде дара свыше или прозрения. Пребывая в постоянном смятении, она помыкает то князем, то Рогожиным, как марионетками, подчиняя их жизни своим переменчивым желаниям и сиюминутным прихотям.

Несмотря на режиссерское переосмысление текста и существенное сокращение сцен из романа, в спектакле много связующих нитей с литературной основой и много символизма. Так, картина «Мёртвый Христос в гробу» Ганса Гольбейна Младшего, копия которого висит в доме Рогожина в Петербурге (полотно, которое произвело неизгладимое впечатление на самого Достоевского, настолько сильное, что после осмотра на выставке в Базеле с ним от переживаний чуть не случился приступ), процитирована в спектакле: буквально в таком же виде, как Христос изображен на картине, Мышкин находит Рогожина в начале второго акта, только накрытого простынёй, отдыхающего с книгой, у себя в доме. Садовый нож, который Парфён использует в качестве закладки, – и есть то самое чеховское ружьё, которое решает исход судьбы героев в конце повествования. Свадебное платье, в котором Настасья Филипповна является в сне Мышкину, похоже на саван и будто является предзнаменованием скорой смерти.

Музыка Альфреда Шнитке и Баха служит прекрасным обрамлением спектакля: буквально пара мелодий подсвечивают глубину эмоциональных акцентов, повышая градус драматизма там, где следует, – однако, с умеренностью, необходимой чтобы не переврать чувства и не превратить эпизод в фарс (как в сцене объяснений княза и Рогожина, когда у Мышкина, в момент наивысшего и волнения случается приступ и он, подкошенный недугом, оказывается на руках у Парфёна,- и тут на мгновение зритель видит оммаж на «Пьету» Микеланджело). Визуальные приемы вместе с музыкой будто постоянно возвращают к мысли о страдании и скорби и князя, и Рогожина – никто не счастлив, никто не находится в покое, пока жив, а после обмена крестами они обязаны испить горькую чашу испытаний на двоих.

Хорошо знакомая зрителям литературная основа спектакля снова поднимает вереницу вопросов философского толка. Может ли в подобном обществе, пропитанном лицемерием и жаждой наживы, в сложившихся обстоятельствах уживаться «чистая душа», такой порядочный человек, как Мышкин – такой же милосердный? Существует ли искренняя любовь, без оглядки на положение и деньги? Может ли человек, прошедший испытания тяжелыми жизненными обстоятельствами, обрести счастье и покой? Куда может привести всепоглощающая страсть? Может ли любовь победить смерть?

Алена Азаренко

http://localdramaqueen.moscow/2022/01/malytheatre-...

В Малом театре состоялась премьера спектакля «Идиот» в постановке Андрея Житинкина.

Режиссер сохранил все узловые моменты романа Достоевского и подчеркнул актуальность коллизий, в которые попадают главные герои. Их все время бросает в крайности: от любви к ревности, от жертвенности к эгоизму, от бедности к богатству.

Достоевский как никто умел показать одержимость страстью. Также его всегда волновала проблема светлого начала в человеке и поиск «положительного героя». Писатель находит свой идеал в князе Мышкине – эпилептике с душой ребенка, которого другие персонажи часто называют «идиотом», но при этом проникаются к нему симпатией. Происходит и вовсе невероятное: первые красавицы – Настасья Филипповна и Аглая – начинают соперничать между собой за сердце князя. Их привлекает его рыцарство, его благородство – редчайшие качества в кругу таких как Тоцкий, Фердыщенко, Лебедев и Рогожин. Идол этих людей – деньги. Те, у кого их нет, готовы пойти на любые сделки с совестью, лишь бы разбогатеть. Те, у кого они есть – считают, что им все позволено. И вот Тоцкий дает своей содержанке Настасье Филипповне – 75 тысяч, чтобы освободиться от нее. Ганя Иволгин готов взять в жены «чужую любовницу» ради ее приданного, хотя сам влюблен в Аглаю. Рогожин привозит 100 тысяч Настасье Филипповне, чтобы перекупить ее и забрать себе. И только князь Мышкин делает ей предложение, потому что хочет спасти любимую из этого ада.

Одна из сильнейших сцен спектакля – когда Рогожин и Мышкин обмениваются крестами и братаются, уступая друг другу Настасью Филипповну, но проходит мгновение и Рогожин бросается с ножом на своего соперника. К счастью, Проведение хранит князя – Рогожин не наносит удара, но у Мышкина случается приступ падучей. Эпилептик с душой ребенка не создан для таких потрясений. Судьба словно дает героям шанс – одуматься, удержаться от преступного шага. Но нож уже занесен, и Рогожин убьет ту, которую желает больше всего на свете…

В спектакле удалось создать очень слаженный актерский ансамбль. Главные роли отданы молодым артистам труппы Малого театра. Князь Мышкин в исполнении Александра Дривеня чем-то напоминает Человека дождя Дастина Хоффмана. В нем есть замедленность и «погруженность в себя», на его лице играет добрая улыбка, он иногда немного неадекватен – приезжает в Россию из Швейцарии в летних штиблетах, в красных носках, прихватив с собой смешной сачок для ловли бабочек. Когда князь заболевает у него на голове появляется черная шапочка с завязками – подчеркивающая, что он «младенец умом». Получив миллионное наследство, Мышкин может позволить себе дорогую модную одежду и жить на широкую ногу. Но при этом его манеры и стиль поведения ничуть не меняются: другой бы стал превозноситься, подчеркивать свою значимость, а князь – все так же прост и скромен.

Настасья Филипповна (актриса Полина Долинская) – роковая красотка с нежной, но уязвленной душой. Тоцкий (актер Валерий Афанасьев), соблазнивший ее и сделавший содержанкой, что-то надломил в ее психике. Она не способна обрести женское счастье: ни со спокойным Мышкиным, ни с ревнивым Рогожиным, ни с деловым Ганей. Ей остается мучить себя и упиваться властью над мужчинами. Но эта слишком опасная игра в конечном итоге сгубит ее.

Рогожин в исполнении Александра Волкова – это человек, сгорающий от ревности. Актер избегает слишком броского выражения страсти. Его герой все держит в себе, словно балансируя между светом и тьмой. Он смог остановиться, когда хотел убить князя Мышкина. И не смог совладать с собой, когда решился зарезать Настасью Филипповну. И сделал это как-то тихо и буднично, так что и крови почти не было – в самое сердце попал. И ужас совершенного злодеяния ему еще предстоит осознать.

Трем главным героям, которые подчеркнуто одиноки и неприкаянны, в спектакле противопоставлены два семейства.

В семье генерала Епанчина – три дочери красавицы, нежно привязанные друг к другу. Особенно хороша Аглая (Варвара Шаталова) – в ней цветущая прелесть сочетается со своенравием. Генеральша Епанчина (Людмила Полякова) старается все «держать под контролем». Но ее муж (Борис Невзоров) свободное время предпочитает проводить в компании Настасьи Филипповны и даже дарит роковой красотке дорогой жемчуг. Несмотря на эти маленькие шалости генерала, его семья – это островок благоденствия, уюта и патриархальности.

Семья генерала Иволгина ­– живет небогато, но со своими представлениями о порядочности и честности. С этими достойными людьми могла бы породниться Настасья Филипповна, став женой Гани. Но для привыкшей к роскоши содержанки такой неравный брак – унижение и мука. Ее откровенно смешит эта ситуация, особенно забавным кажется глава семейства – обедневший, но любящий хвастать генерал Иволгин. Его искрометно сыграл Александр Клюквин.

Князь Мышкин, Рогожин и Настасья Филипповна оказались не созданными для тихой размеренной жизни, для семейной прозы. Но блуждание в любовных многоугольниках, в «лабиринтах страсти» принесло их душам только опустошение.

Сценография спектакля выстроена с учетом динамичного, захватывающего сюжета. Роскошные апартаменты у Епанчиных, меблированные комнаты у Иволгиных, купеческая обстановка в доме Рогожина – переданы яркими деталями интерьера. Одна из самых красивых и светлых сцен – свидание Мышкина и Аглаи в парке. Князь засыпает на лавочке. И ему снится Настасья Филипповна в подвенечном платье, а потом наяву появляется Аглая. Все действие происходит на лоне природы, и в то же время условные стволы деревьев напоминают трубы органа. И это не случайно – в постановке звучит музыка Баха и Шнитке. Она эмоционально усиливает и одухотворенность князя Мышкина, и трагизм страстей героев Достоевского.

Татьяна Медведева, Реальная Россия, 12 января 2022

http://rusnewsday.ru/index.php/kultura/item/9404-s...

Полина Долинская сегодня очень востребована в Малом театре. В ее творческой копилке – знаковые роли классического репертуара: Нина в «Маскараде», Софья в «Горе от ума», Анна в «Вассе Железновой». За последние два сезона к этим спектаклям прибавились яркие премьеры – «Варвары», где артистка играет Надежду Монахову, и «Месяц в деревне», в котором она воплощает один из самых пленительных образов мировой сцены – Наталью Петровну. Тонкое проникновение в суть персонажа и глубокий анализ его мотивации помогают молодой актрисе высоко держать профессиональную планку.

– Недавно в Малом театре состоялась премьера спектакля «Месяц в деревне», где вы играете главную роль. Как работалось с режиссером Глебом Подгородинским?

– Сам Глеб – очень хороший актер, он прекрасно чувствует своих партнеров, поэтому работалось легко и интересно. Было в этой работе что-то студийное, я бы сказала, молодежное, задорное, ведь это его режиссерский дебют. Репетировать мы начали в период карантина в программе «Zoom», поскольку все сидели по дачам и квартирам.

Обычно времени на подробный разбор не хватает, а здесь его было предостаточно. Глеб очень кропотливо разбирает материал, и для меня это бесценно. Есть режиссеры, которые до начала репетиций в своей голове уже поставили спектакль. У нас было все по-другому: постановка создавалась при нас и вместе с нами. Произведение Тургенева очень сложное, и начинать свою режиссерскую карьеру с «Месяца в деревне» довольно опасно – мало у кого из постановщиков это получалось. Кто-то из наших актеров его читал еще в школе и, перечитав, не воодушевился: мне показалось, многие боялись, что это будет скучно. Но Глеб настолько был влюблен в эту пьесу, что сумел заразить и нас этой любовью. Какое было счастье после работы в «Zoom» встретиться со своими коллегами, увидеть живые глаза! Может быть, это звучит нескромно, но мне кажется, премьера получилась. В те редкие минуты, когда я не занята на сцене, я смотрю ее из-за кулис, наслаждаясь игрой артистов. Наш спектакль пока – новорожденный ребеночек, ему еще предстоит взрослеть. Но, как говорится, предела совершенству нет.

– Что такое ваша героиня? Мне показалось, что она не влюблена в Беляева, а просто мечется, потому что молодость уходит.

– В этом спектакле поднята извечная тема: борьба между любовью и долгом. Наталья Петровна влюбилась в Беляева далеко не от скуки, а потому, что почувствовала в нем ту свежесть и тот молодой задор, который отсутствует в ее браке, то, чего не может предложить ей и Ракитин. Любовь буквально разрывает ее, она сильнее, чем нравственные законы. Героиня готова переступить через мужа, через Ракитина, через Верочку – она просто больна этим юношей. И это уже не прекрасное и светлое чувство, а неуправляемая страсть. Она же сама говорит, что перестает себя узнавать, что никогда такой не была. Мне кажется, в пьесе есть вопрос: можно ли позволить себе любить? И что будет, если разрешить себе это?

– Вы с Натальей Петровной почти ровесницы. Насколько важна личная перекличка для создания образа?

– В каждом человеке сосредоточено огромное количество положительных и отрицательных качеств. Создавая образы своих героинь, я пользуюсь тем, что заложил в меня Бог и мои родители, и наделяю их этими качествами. Плюс к этому помогает запас прочитанного и увиденного мной на сцене, экране и в жизни. У каждого актера своя кухня. В институте мне казалось, что Наталья Петровна действительно уже пожила, поэтому надо играть взрослую женщину.

А теперь я ее на 3 года переросла и понимаю: никого играть не надо – надо идти от себя. Кто-то говорит мне хорошие слова, а некоторые считают, что я молода для нее. Я не спорю, но по пьесе-то она еще моложе, чем я! «Нет, в те времена были другие люди!» Почему другие люди? Люди те же самые. Да, умирали раньше, быстрее жили, но в 29 лет женщина имеет право на чувство. У нее не такой уж взрослый сын, да и Ракитину, по-моему, 30 лет. Компания у них молодая, поэтому и кипят эти страсти. Все вместе находятся в небольшом пространстве, лето, жара, солнце, атмосфера, про которую много говорил Глеб. Мы пытаемся передать эту негу и лень. Герои наслаждаются жизнью, и, конечно, влюбляются. Все молоды, а Беляев еще моложе! Голова идет кругом, и ни до чего хорошего это, к сожалению, не доводит.

– В еще одной недавней премьере – горьковских «Варваров» в постановке Владимира Бейлиса – вы играете роковую женщину Надежду Монахову.

– Монахова – конечно, удивительный персонаж. Как вообще можно было создать этот образ? Наверное, автор в жизни встречал такую женщину, чей характер трудно поддается описанию. Она и странная, и страшная, и глупая, и мудрая. Мне трудно говорить про эту героиню, но я ее понимаю и чувствую всем сердцем. В этом мне помогла еще мой педагог в «Щепке» Римма Гавриловна Солнцева: я играла эту роль в дипломном спектакле. С тех пор прошло больше 10 лет, и Владимир Михайлович Бейлис, к счастью, дал мне возможность вернуться к ней, помог по-новому и еще серьезнее взглянуть на нее. Играть Надежду Поликарповну для меня – огромное наслаждение. Я вообще счастливый человек, потому что работаю в театре, где представлен такой многообразный классический репертуар. Мне доверили много замечательных ролей, но я вам не могу сказать, какую из своих героинь я люблю больше – Лидию из «Бешеных денег» или Нину из «Маскарада», Софью из «Горя от ума» или Наталью Петровну из «Месяца в деревне»... Все они мне дороги и уже стали родными.

– В вашем репертуаре много отрицательных героинь. Почему вам достаются такие роли?

– Я не согласна с постановкой вопроса. По-моему, нет абсолютно отрицательных или положительных героев и героинь. Отелло был очень неплохим человеком, хотя и задушил свою супругу. То же самое можно сказать о любой моей роли. Наверное, скажу прописную истину, но я стараюсь отыскать в моих персонажах, даже если они совершают плохие поступки, хорошие качества. Хочу, чтобы мои «положительные» образы не были приторно сладкими. Ведь каждый человек – это целый мир.

– Вы работали с очень интересными постановщиками – не только штатными.

– Да, я работала с разными режиссерами: с Владимиром Бейлисом, Виталием Ивановым, Андреем Житинкиным, Сергеем Женовачом, Антоном Яковлевым, Глебом Подгородинским. Главное, что объединяет всех этих мастеров, – то, что они трепетно относятся к актерам и театру, чувствуют его стиль, душу и эстетику. Даже итальянский постановщик Стефано де Лука попал под обаяние Малого! Спектакли, которые он у нас поставил, хоть и пропитаны итальянским духом, все равно выдержаны в наших традициях.

Театр – это целый мир: в нем ценен не только режиссер или актер, но и каждый сотрудник, от капельдинера до директора – они все созидатели. И человек равнодушный или пренебрегающий традициями и стилем Малого театра надолго в нем не задерживается.

– Сейчас много говорят о том, что публика стала другой – приходящей в театр развлечься и отдохнуть. Вы это чувствуете?

– Актеры публику себе не выбирают. Одинаково искренне надо играть и для своих постоянных зрителей, и для новых. К нам часто приходят школьники. Однажды замечательный урок им преподал Юрий Мефодьевич Соломин. На поклонах спектакля «Горе от ума» дети, сидящие в зале, начали выражать свой восторг и любовь к артистам не только аплодисментами, а визгами, свистом и топаньем. Юрий Мефодьевич остановил чествование и с доброй улыбкой объяснил ребятам, что они не на стадионе, и в театре проявляют благодарность совершенно иначе: достаточно аплодисментов или, в крайнем случае, возгласов «браво»!

– У вас традиционно для актрисы Малого театра много ролей в классическом репертуаре. Не утомляют кринолины и соответствующая драматургия?

– Есть 7 нот – ну, не придумали восьмую. Но как по-разному можно их между собой соединять! Так же и с классикой. В ней в первую очередь все основывается на отношениях между мужчиной и женщиной – это же и есть самое интересное.

Мне очень нравится играть в исторических костюмах. За две копейки такую роскошь, как в Малом театре, не сделать. А у нас есть такая возможность – почему бы ею не пользоваться? Наш репертуар нелепо играть в джинсах и майке, тем более, что у нас замечательные художники. Создание костюмов – это совместное творчество. Существует большое расстояние от эскизов до того, в чем мы в итоге выходим на сцену. Это огромная работа. Я обожаю примерки, могу по 3-4 раза приезжать на них. Делаю это с удовольствием: ведь в моих же интересах, чтобы костюмчик сидел. Кстати, поэтому в жизни нам неохота одеваться красиво. Собираешься куда-то и думаешь: «Боже мой, опять краситься!»

– У артистов мало времени для досуга. Обычные люди в свободные вечера ходят в театр, а вы смотрите что-нибудь на других сценах или, может быть, читаете?

– Естественно, я стараюсь больше читать: в работе без книги никуда, нужно много знать про автора, эпоху, материал. С мужем (актером Малого театра Дмитрием Мариным – прим. Д.С.) стараемся ходить на спектакли других коллективов как можно чаще, но, к сожалению, это не всегда получается. Сказала «к сожалению», а сама подумала: а, может, и к счастью, что мы так загружены в Малом, что нам не так уж много времени остается на все остальное. Ведь это здорово, когда ты нужна своему театру, а он нужен тебе!

Дарья Семёнова, СОЮЗ ТЕАТРАЛЬНЫХ ДЕЯТЕЛЕЙ РОССИЙСКОЙ ФЕДЕРАЦИИ, 22 апр 2021 года

https://www.artistbook.ru/post/%D0%BF%D0%BE%D0%BB%...

Дорогие друзья!

Предлагаем вашему вниманию запись передачи "Модный приговор" на Первом канале от 25 мая 2021 года. Гостями передачи стали народная артистка России Светлана Аманова и Андрей Житинкин, артисты Полина Долинская и Михаил Мартьянов.

30 октября в спектакле "Рождество в доме Купьелло" Э. Де Филиппо роль Нинуччи первый раз сыграла актриса Полина Долинская. Поздравляем и желаем новых творческих успехов!

Сегодня понятие дресс-кода претерпело существенные изменения.

Всё чаще его наличие становится просто формальностью. Но, несмотря на это, ещё остались места, где следует придерживаться неких правил, — например, театры. Согласитесь, если вы хотите прикоснуться к прекрасному, приятно и самому выглядеть соответствующе. Вместе с Малым театром и его актрисами разобрались, в чём ходить на спектакли и какие послабления можно допустить.
Фотографии: предоставлены пресс-службой Малого театра

I
Конечно, чтобы вас не пустили в театр из-за внешнего вида, нужно очень постараться. Тем не менее стоит отталкиваться от места, в которое вы собираетесь. В академическом театре (например, в Малом) есть свои негласные правила. Поэтому, чтобы избежать недоразумений, можно выбрать безопасный вариант — строгий стиль. При этом ударяться в крайности в виде сложно сконструированного вечернего платья в пол совсем не обязательно.

II
При выборе наряда можно отталкиваться от постановки, на которую вы собираетесь: от сюжета, эпохи, героев. Идете на «Игроков»? Попробуйте поэкспериментировать с брючным костюмом. Или пиджаком, который будет вам слегка не по размеру. Одолжите такой у отца, брата или молодого человека.

III
Мы живём в 2019 году, и вовсе не обязательно завершать классический образ неудобной (пусть и крайне эффектной) обувью. Всё-таки вам идти не по ковровой дорожке в Каннах, где каблуки — обязательный атрибут. Всегда можно надеть кроссовки или кеды. Продолжая тему комфорта (и не только вашего), важно помнить о парфюме. Даже если в вашей коллекции полно селективных ароматов, которые кажутся вам спокойными, пользуйтесь ими с осторожностью. Вы ведь не хотите, чтобы сидящим рядом с вами людям стало дурно от удовых композиций.

[GALLERY:508]

IV
Подобно классическим произведениям, на классические вещи для театра всегда можно взглянуть иначе. Возьмите один традиционный атрибут и попробуйте обыграть его чем-то менее формальным. Например, дуэт рубашки и свитера дополните брюками клёш, под пиджак наденьте футболку, контрастирующую по цвету, или подберите к платью рюкзак вместо сумки.

V
Этот совет может пригодиться вне зависимости от театра и наличия в нём дресс-кода. Самый простой способ добавить цвета образу — выбрать одну яркую вещь. Например, рубашку, сумку, пояс или обувь. Чтобы выбранный акцент не потерялся на фоне остальной одежды, другие составляющие должны быть более лаконичными. Этот же приём можно использовать и в макияже.

VI
И не забывайте, что в театр вы идёте, чтобы в первую очередь прикоснуться к прекрасному — к искусству. Вы же помните, что велосипед уже придумали? Не усложняйте. Но при этом и не ограничивайте себя.

Wonderzine, 14 декабря 2019 года

26 октября 1824 года московская драматическая труппа, которая в дальнейшем и стала Малым театром, дала на сцене особняка купца Василия Варгина первое представление-балет «Лилия Нарбонская, или Обет рыцаря» князя Александра Шаховского и балетмейстера Шарля Дидло. В честь этого события в театре устроили экскурсию для прессы, кроме Щепкинского и Ермоловского, показали новое Щепкинское фойе, настоящий выставочный и концертный зал, где мы посмотрели дефиле исторических костюмов.

Там же увидели проект памятника Гоголю работы актера, режиссера и педагога Александра Ленского (1847–1908). Увидели единственную сохранившуюся с исторических времен гримерную Александра Ивановича Южина (1857–1927), первого директора театра, которая служила актеру и его кабинетом.

Пообщались с актерами, Борисом Клюевым и Полиной Долинской, исполнителями ролей Арбенина и Нины в вечернем спектакле «Маскарад». Спустились в театральный «трюм», в котором когда-то царствовали моряки, с ловкостью вязавшие декорации с помощью морских узлов. Через прорезь увидели дно поворотного круга, хорошо знакомого зрителям. Приспособление появилось в театре в 1900 году. В финансовом отношении предприятие было неподъемным, но в России, как всегда, нашлись рационализаторы. У Александра Ленского и механика сцены Карла Вальца механизм заработал по принципу кофейной машины, поворачивать его мог один человек. Сейчас круг вращается во всех пространственных измерениях одним нажатием кнопки на пульте звукорежиссера. Светотехническое шоу стало достойным завершением праздничной экскурсии.

Из истории Дома Островского: особняк купца Василия Варгина был построен в 1821 году, через три года перестроен архитектором Осипом Бове. В 1840-м году, когда здание у купца выкупили, архитектор Константин Тон построил новую сцену и зрительный зал, форма и размер которых не изменились до сегодняшнего дня.
В первое время слово «малый» писалось не с заглавной буквы, потому что говорило лишь о том, что это здание меньше, чем стоящий рядом «большой» театр. И только к середине XIX века слова «Большой» и «Малый» стали именами собственными.

Здание Малого театра, построенного в устье реки Неглинки, преследовала череда ремонтов – фундамент постоянно подмывало. Самая грандиозная реконструкция была проведена в 1945–1947 годах под руководством архитектора Александра Великанова. И наконец, последний ремонт, который проводился в 2011–2016 годах, в театре надеются, закрыл вопрос с фундаментом. Театр теперь, как говорят экскурсоводы, «как на тарелочке, стоит на специально выстроенном фундаменте, который опирается на сваи». Современная реконструкция проводилась по чертежам архитектора Великанова, и главная задача специалистов заключалась в том, чтобы восстановить Малый театр 2-й половины XX века. Равнялись на эталон.

И о чем же думалось во время этих прогулок по изысканных интерьерам театра, изукрашенным золоченой лепниной? Конечно, о том, что было представлено на великой сцене почти за два столетия, кто представлял, и кто побывал в качестве гостей. Из названий спектаклей сегодня звучат лишь два: кроме «Лилии Нарбонской», «Игроки» Гоголя, это самая свежая премьера. Из актерских имен произносят великого романтика Павла Мочалова (1800 – 1848), крепостного помещика Демидова, представлявшего Ринальдо в той самой «Лилии Нарбонской», первого Ромео, Гамлета и Лира Малого театра, на другом фланге – корифеи разных периодов Малого, молодежь, о которой никогда не забывает худрук Юрий Соломин. Ну а из гостей – от королев Великобритании и Нидерландов, Сталина и космонавтов до великих гастролеров – Листа, итальянского трагика Сальвини, Анны Маньяни и Анни Жирардо, «Комеди франсез и «Пикколо ди Милано», – кто здесь только не побывал.

В Щепкинское фойе проходим по зрительской тропе, где классики в нишах напоминают, что Малый театр сегодня – это театр большой мировой литературы.
А портреты Михаила Щепкина (1788–1863), основоположника русской актерской школы, и Павла Мочалова, от которого пошла вся эта плеяда, включая Щепкина; а так же Ермолова, Садовские, Ленский, Южин, Остужев, Зубов, Царев, Нильский, современные актеры – об актерской традиции. Связана она с большими индивидуальностями, которые способны создавать на сцене уникальный ансамбль, даря зрителю ощущение актерского единства, от которого «два шага до режиссерского театра». Отзвуки лекции все же долетают до нашего слуха. И про сложный путь репертуарного развития театра, и про особое внимание к историческим спектаклям, и к идее художественного единства, в которое должны быть вовлечены не только артисты, но все создатели спектакля. Отдельный разговор про Смутное время, первый спектакль на эту тему был поставлен в театре в 1831 году по роману Загоскина «Юрий Милославский», недавний – в 2018-м по «Стене» Мединского. А всего более 30 раз коллектив обращался к этой теме.

А вот и само дефиле. Под волнующую музыку актеры демонстрируют одежду эпохи Смутного времени – боярские шубы, кафтаны из золотой парчи, убранство цариц. Исторические костюмы представлены из пяти спектаклей – хроники Островского «Дмитрий Самозванец и Василий Шуйский» в постановке Владимира Драгунова (2007), костюмы Ларисы Ломакиной; трилогии Алексея Толстого – «Смерть Иоанна Грозного» также в постановке Драгунова (1995), «Царь Федор Иоаннович» – Бориса Равенских (1973), оба спектакля оформлял Евгений Куманьков; «Иван Грозный» – Прова Садовского и Константина Зубова (1944), костюмы Павла Соколова-Скаля; «Борис Годунов» Пушкина – Константина Хохлова (1937), художник Владимир Щуко. Можно отметить, как менялись костюмы в течение 70 лет, избавляясь от нарочитой роскоши, становясь все более стилизованными, скромными, аскетичными, даже боярские одежды лишались своей грузности и неповоротливости. Идею театра показывать исторические костюмы не в музейных витринах, а на дефиле можно только приветствовать.

В Ермоловском фойе нас встречает один из ведущих актеров Малого театра, народный артист России Борис Клюев (на фото). Борис Владимирович проводит экскурсию «по волнам своей памяти» и, между строк, дает ясно понять, как легко в молодости совершить роковую ошибку при выборе пути. Его, выпускника Щепкинского училища, которого брали в Малый театр, но он мечтал работать у Юрия Завадского в Театре им.Моссовета, спас от таковой актер моссоветовец. «Ты, что ли, дурак, – сказал он ему, – это же императорский театр, как можно сравнивать?!».

Прошли годы, прежде чем Дом Островского стал для актера Клюева его «домом, религией, Отечеством».
«Для меня привлекательны традиции Малого театра и его история, – говорит актер. – Конечно, здания, построенного купцом Варгиным, давно нет, но в новом постарались сохранить все, как было, вот и Ермоловское фойе осталось таким же.

Молодости свойственно нахальство, и когда я впервые вышел на сцену, мне казалось, что сейчас покажу этим “старикам”, а среди них были – Михаил Жаров, Елена Шатрова, Георгий Куликов, Нелли Корниенко, Роман Филиппов, Виктор Борцов – как надо. А потом неожиданно понял – не все так, как мне кажется: Михаил Иванович говорит реплику, и зал его принимает, говорю я – нет. Я очень расстроился, долго думал, в чем ошибка, пытался разговаривать со стариками – “Работать надо”. Помню ощущение, которое испытал у доски приказов. В толпе переговаривались: “Вот посмотрите, еще кого-то в театр взяли, какой-то Клюев, ну, берут и берут”. Меня это возмутило, и я сказал: “Вообще-то Клюев – это я”. Тогда толпа развернулась, посмотрела на меня снизу вверх и сказала: “Ну, посмотрим-посмотрим”. И вот это философское “посмотрим-посмотрим” долго шло вместе со мной: был не свободен, зажат, от волнения перехватывало горло, но я всегда помнил слова своего педагога Леонида Андреевича Волкова: “Артисту помогает воля, вот вместе с ней – вперед: “Я тебя завоюю, мой зритель!”. И постепенно это пришло.
К сожалению, период беззаботной молодости проходит, осознав себя в профессии, ты мягко входишь в состояние, которое деликатно называют “зрелостью”. Это тоже этап, который нужно прожить, и, спасибо вековой традиции, в нашем театре есть роли для каждого возраста – для молодых, для тех, кто постарше, для среднего, зрелого и пожилого возраста.

Помню, в 90-х, когда начался хаос перестройки, и наше искусство рухнуло. Василий Лановой сказал: “Хорошо Малому театру, у них был Островский”. Действительно, театр наш классический, а я уверен: учиться нужно на классике, остальное – вещь возрастная. Когда ты молод и полон сил, ты готов танцевать, петь, прыгать, экспериментировать, но, когда лет через 15–20 смотришь, как твои коллеги ходят в простынях в подвальном помещении, неся перед собой свечи, и находят в этом эстетику, я начинаю бояться за этих людей. Практика показывает, что они так и не сыграют ничего значимого.

Не забыть, как Михаил Иванович Царев сказал, когда мы играли с ним в “Горе от ума”: “Если мужчина не сыграл ничего интересного до 40 лет, а женщина – до 30, так и не сыграют, но женщине легче, в нее может влюбиться режиссер”. Вот наше время, казалось бы, твори, выдумывай, пробуй, никаких худсоветов, но оно так и не подарило нам ни одной интересной пьесы, ни одного режиссера.

Парадокс, но при худсоветах было огромное количество режиссеров, которые вошли в историю театра, а “вы, нынешние, – нутка!”, как говорит Фамусов в “Горе от ума”. И нужно отдать должное нашему худруку Юрию Мефодьевичу Соломину, который традиции, очень хорошие, не потерял.
Мы ставим классику, никогда на сцене Малого театра не услышите мат, не увидите оголенные тела. Не понимаю этой эстетики. И как же приятно слышать от зрителей, что у нас актеры, “которых слышно”. Работа со словом – одна из наших традиций.

Также у нас нет звездности, потому что, если ты прозвучал в каком-то сериале, это не значит, что что-то умеешь на сцене. Обычно старики говорили: “А ты выйди и попробуй три часа зрителей удержать, это совсем другое искусство”. Мы гордимся тем, что Малый театр и Александринка – первые театры России, родившиеся по указу Елизаветы, и стараемся сохранять традиции».

Полина Долинская сказала, что у театра есть душа: «Для меня самыми трепетными моментами оказываются те, когда после спектакля одной из последних покидаю театр. В полной тишине спускаюсь по лестничным пролетам, заглядываю на сцену, где уже нет декораций, отмечаю, какой же огромный у нас зрительный зал – в эти моменты я чувствую дыхание театра».

Нина Катаева, специально для «Столетия», 05.11.2019

26 октября зданию Малого театра исполнится 195 лет: 26 октября 1824 года труппа театра дала свое первое представление на сцене знаменитого дома на Театральной площади.

Хрустальные люстры, огромные зеркала, паркетный пол, изящные кресла — некогда Императорский театр и в наши дни славится роскошными интерьерами, которым отведена особая роль. Уже на входе они захватывают внимание зрителей.

— Малый театр гордится своими традициями, — говорит сотрудник музейно-информационного центра Малого театра Вера Тарасова и приглашает подняться по парадной лестнице в фойе, которое носит имя одного из основоположников русской актерской школы Михаила Щепкина.
Сверху на зрителей смотрят фигуры великих писателей: Грибоедова, Пушкина, Лермонтова, Гоголя. Постановки по произведениям классиков составляют основу репертуара театра. По словам Тарасовой, это одна из главных традиций, которая сложилась в конце XIX — начале XX века. Как раньше, так и сегодня режиссеры не просто представляют зрителям театральное прочтение литературных произведений, а воссоздают описанную в книгах историческую эпоху.

— Отдельная тема исторических спектаклей Малого театра — Смутное время, — рассказывает Тарасова. — За всю историю режиссеры обращались к ней более 30 раз. Первый спектакль на эту тему поставили в 1831 году по роману Михаила Загоскина «Юрий Милославский». Одна из последних премьер — спектакль «Смута» — состоялась в 2018 году.

Исторические костюмы из старых постановок можно увидеть во время театрализованного дефиле. Это новый проект Малого театра. Зрители, которые ждут начала спектакля, могут заглянуть в новое щепкинское фойе, где на импровизированный подиум выйдут актеры в кафтанах из золотой парчи, боярских шубах и другой одежде, которая была создана для героев, живших в Смутное время.

— Это первая тема, на которую мы сделали дефиле, — уточняет Тарасова. — Но в фонде нашего театра уже собрано несколько сотен костюмов, из которых самому старому — более 150 лет. И наша коллекция постоянно пополняется. Конечно, мы не хотим, чтобы они пылились на вешалках, поэтому будем проводить дефиле, посвященные и другим темам. Ведь в создании костюмов участвуют такие модельеры, как Вячеслав Зайцев.

В платьях от известного дизайнера блистает и актриса Полина Долинская.
— Для меня самые трепетные моменты — когда спектакль заканчивается, расходятся все зрители, разбираются декорации, и ты одной из последних в полной тишине спускаешься по лестницам. В такие минуты чувствуешь дыхание театра, — говорит актриса.
Заглянуть в гримерки можно во время экскурсий, которые проводят в театре днем. Посетителям также покажут «трюм» — пространство, где видно механизмы, которые приводят в движение сцену.

ПРЯМАЯ РЕЧЬ
Юрий Соломин, художественный руководитель Малого театра:
— Не могу не сказать о тех людях, которых мы никогда не забываем. Начиная с Михаила Семеновича Щепкина и заканчивая семьей Садовских, Рыжовых. Дальше идут: Ленский, который руководил театром до 1906 года, Сумбатов-Южин, Михаил Иванович Царев и другие. Как говорила Вера Пашенная: «Оставляйте на сцене кусочек своего сердца». Как-то по молодости я спросил, а как? Она мне ответила: «Ничего-ничего, ты будешь жить». Я вспоминаю ее каждый день и говорю актерам, особенно молодым: вспомните слова Пашенной. Кусочек сердца оставляется зрителю.
СПРАВКА
Первой постановкой, которую показали на сцене Малого театра, было представление-балет «Лилия Нарбонская, или Обет рыцаря» сочинения князя Александра Шаховского и балетмейстера Шарля Дидло. За свою историю здание театра не раз ремонтировалось. Самые крупные реконструкции прошли в 1945–1947 годах под руководством архитектора Великанова и в 2011–2016 годах. Во время последнего ремонта за счет внутреннего двора удалось увеличить площадь театра.

Наталья Тростьянская, «Вечерняя Москва», 25 октября 2019 года

Чтобы понять немецкую классику, стоит посмотреть в Малом театре России новый спектакль «Перед заходом солнца» в постановке народного артиста России Владимира Бейлиса по пьесе великого драматурга Герхард Гауптмана в переводе Виктора Леденёва.

Мрачная трагедия личности переплетается с тонкой лирикой. Это история о любви вдовствующего аристократа на фоне болезненных общественных отношений. Но кто более не здоров: странная пара или окружающие их рационалисты? В репертуаре Малого театра эта пьеса, написанная в 1931 году в Германии, шла в 70-е годы с большим успехом, как укор буржуазному миру, шагающему к катастрофе Второй мировой войны. Нынешняя постановка не привязана строго ко времени и месту, спектакль Владимира Бейлиса построен без идеологических акцентов, однако с тревожным гражданским посылом, актуальным для нас, сегодняшних: какое место занимают в твоей жизни любовь, семья, книги? Почему истинные стремления твоего сердца подавляет одна мысль о деньгах?..

Пьеса Гауптмана уникальная, необычная – подвластная для постановки только чуткому мастеру, ведь про любовь молодой женщины к седовласому аристократу почти невозможно говорить без тени осуждения. Всё очарование этого спектакля и состоит в этом волшебном, театральном «почти»: режиссёр расширяет границы нашей души и зритель, который в жизни, наверняка, осудил бы подобную историю отношений, горячо переживает за влюблённых!

И всё-таки сильная и цельная натура главного героя Маттиаса Клаузена (Б. Клюев) оказывается побеждённой заговором взрослых детей, хотя, казалось бы, их гнев справедлив, ведь молодая красавица рядом с пожилым господином всегда вызывает подозрения в корысти. Но вектор зрительского негодования перемещается к другим персонажам – тем, кто страстно старается оградить своего отца от личного счастья. Имена детей главного героя автор позаимствовал из мира великого Гёте неслучайно. Вольфганг (И. Петренко), Эгмонт (М. Филатов), Беттина (Е. Харитонова), Отиллия (П. Долинская) перекликаются с литературными персонажами из немецкой классики.
Первоначально Гауптман хотел назвать свою драму «Новый Лир», ведь финал пьесы, когда Клаузен сходит с ума от подлости родных детей и в непогоду бежит из дома – это нарочито прозрачная аналогия с шекспировским героем, но необычная любовная линия в сюжете делает пьесу «Перед закатом солнца» удивительным шедевром литературы ХХ века.

Художник-постановщик спектакля, народный художник России Борис Мессерер, одел персонажей таким образом, что мы видим их своими современниками, хотя в костюмах и в оформлении выдержана элегантная стилистика 30-х годов. В декорациях Германия только угадывается: домик девушки утопает в розах, а кабинет интеллектуала – в книгах… Лаконична мрачная красота финала, решённого, как условное место, где гонимые влюблённые любуются закатом!

Режиссёр Владимир Бейлис говорит: «Наш спектакль – это романтическая трагедия о жизни двух честных и порядочных людей». Действительно, так надоели на современной сцене «модные» постановки с истеричками и психопатами, зритель заждался положительного героя, хотя известно, что положительные образы артистам довольно сложно создавать яркими. И тем не менее главные герои в этом спектакле получились особенными, незабываемыми. Маттиас Клаузен в исполнении народного артиста России Бориса Клюева вызывал не просто сопереживание и волнение зрителей – его образ, помимо обаяния и благородства, нёс философский накал сдержанных эмоций. Сцена в домике Инкен, когда мы понимаем, что сознание героя помутилось, создана такими красками, что вызывает слёзы: сильный человек сломался и стал вдруг беспомощным, как ребёнок… Прекрасна на сцене Ирина Леонова, как эмоциональная и умная актриса с восхитительными внешними данными! Ей безоговорочно веришь, веришь, что девушке не нужны ни богатства, ни общественный статус – такая вот красивая белая ворона, которую оттеняет великолепный ансамбль монстров: успешные взрослые дети главного героя. Необычным стало появление Полины Долинской в образе нелепой, гламурной красотки Отиллии. Выразительна народная артистка России Елена Харитонова в роли бездушной Беттины, создавая тип эдакой бизнес-леди с правильными речами. Притягательным персонажем предстал Вольфганг – нервический, истеричный учёный с завышенными амбициями, которого то и дело от негодования пощипывает жена. Этого неприятного, жалкого типа играет крупный мастер – один из самых обаятельных артистов – Игорь Петренко, которого все знают по кино как брутального и положительного героя! Но его было не узнать в роли подкаблучника Вольфганга! Трясущаяся пластика рук, визгливые нотки в голосе… В этом спектакле Петренко поражает как разносторонний, характерный артист.

И каждая роль в спектакле, даже эпизодическая, создана очень точно, актёры с пониманием играют немецкую классику. Они здесь не русские люди – другие, но без поверхностного подражательства, без специальных приёмов. Актёры нашли эту тонкую грань перемещения в другую культуру, что не так уж часто случается при постановке зарубежных авторов на сцене.

Зрители в зале замирают, и вот – история завершается щемящим чувством несправедливости, потому что главные герои один за другим принимают решение уйти из жизни. Готически мрачный финал выстроен по-философски: Инкен Петерс и Маттиас Клаузен как будто перерождаются, и в другом, уже потустороннем мире, продолжают свой разговор, любуясь закатом: всё-таки любовь вечна!

Ирина Кумова, "Литературная газета", 29 мая 2019 года